Il nuovo spettacolo, prodotto da Vivo Concerti, unisce musica, parole e narrazione, offrendo al pubblico un viaggio nell’universo poetico e umano del cantautore, tra canzoni, monologhi, riflessioni e momenti di stand-up, sempre con la sua inconfondibile ironia e sensibilità.

Accompagnato dalla sua band storica, Brunori propone uno spettacolo che racconta la sua storia e il continuo dialogo tra individuo e collettività, trasformando ogni performance in un’esperienza unica di ascolto e racconto.

La tournée toccherà numerose città italiane, tra cui Milano, Genova, Torino, Firenze, Napoli, Roma e Palermo. I biglietti saranno in acquistabili online dal 12 novembre e nei punti vendita autorzzati a partire dal 17 novembre.

Nell'attesa, il documentario “Brunori Sas - Il tempo delle noci”, diretto da Giacomo Triglia e presentato alla Festa del Cinema di Roma, sarà disponibile in anteprima su RaiPlay e trasmesso su Rai 3 il giorno martedì 2 dicembre alle 15:25.

Non si tratta di una semplice rilettura dell’Orestea, ma di una vera e propria riscrittura contemporanea, in cui il mito greco si intreccia con le dinamiche familiari borghesi, la psicoanalisi freudiana e la tragedia moderna. Come afferma Livermore:

«Il testo di O’Neill non è una semplice riscrittura dell’Orestea, ma è una creazione totalmente nuova che si compie aderendo perfettamente alla propria contemporaneità. Un classico che si riverbera ancora oggi ben oltre il ’900».

La nuova traduzione è a cura di Margherita Rubino, e si inserisce in un percorso drammaturgico che ha già visto Livermore confrontarsi con testi fondativi come l’Orestea e Il giro di vite. In questa produzione, la tragedia di O’Neill si trasforma in un affresco visionario e inquietante, tra mito e nevrosi, desiderio e colpa.

Elisabetta Pozzi torna sullo stesso testo che nel 1996 la vide protagonista nel ruolo di Lavinia, con la regia di Luca Ronconi. Oggi, a quasi trent’anni di distanza e nel decennale della scomparsa del maestro, interpreta Christine, in una sorta di passaggio del testimone teatrale che Livermore definisce: «un gioco di specchi e riverberi».

Accanto a lei, un cast di altissimo livello: Paolo Pierobon, Linda Gennari, Marco Foschi, Aldo Ottobrino, Carolina Rapillo e Davide Niccolini, per una compagnia che Livermore stesso definisce “straordinaria”.

La scenografia, curata sempre da Livermore, evoca atmosfere da sogno e incubo, ispirandosi ai film di Wiene e Hitchcock. I costumi, firmati Gianluca Falaschi, richiamano l’eleganza austera della fine degli anni Quaranta, mentre il disegno luci è di Aldo Mantovani. Le musiche originali sono composte da Daniele D’Angelo. La regia assistente è affidata a Mercedes Martini.

Una produzione del Teatro Nazionale di Genova, che apre la stagione nel segno della grande drammaturgia, della memoria e della contemporaneità. Le repliche proseguiranno fino a domenica 26 ottobre.

Sul palcoscenico diciotto artisti daranno vita a una potente esperienza corale, sostenuta da musica dal vivo. Protagonista assoluta Arianna Scommegna, che interpreta una Ecuba intensa, madre e belva, regina devastata e lucida vendicatrice. Lo spettacolo, nato proprio a Imperia un anno fa, è il frutto di un lungo lavoro sul coro – numeroso e strutturato come alle origini del teatro greco – e rappresenta un unicum nel panorama teatrale contemporaneo.

Accanto a Scommegna, Mino Manni, Gianluigi Fogacci, Mariella Speranza interpretano tutti gli altri ruoli, con la partecipazione speciale di Mario Incudine nel ruolo del corifeo. Le musiche originali di Incudine, eseguite dal vivo con il maestro concertatore Antonio Vasta, rafforzano l’anima arcaica e misteriosa del testo. Il coro greco, composto da dodici elementi del gruppo vocale ConClaudia diretto da Margherita Davico, è parte fondante della messa in scena, così come i costumi curati da Paola Ratto e le luci disegnate da Paolo Benvenuto.

“Ecuba è la tragedia di tutte le guerre” – si legge nelle note di regia – “In un mondo in fiamme, anche i vincitori sono devastati. Odisseo non è più l’eroe della forza, ma il mediatore della parola: tagliente, crudele, inevitabile.”

Nel racconto di Euripide, Troia è caduta e le donne sconfitte vengono trascinate via, deportate. Ecuba, regina e madre, affronta il dolore estremo: la perdita dei figli, l’umiliazione, il desiderio di giustizia. In Tracia, lo spettro del giovane Polidoro riemerge per denunciare un tradimento feroce, e la tragedia prende la forma di un canto universale.

Il teatro come faro: un viaggio tra musica, crescita e scoperta - L’immagine centrale del progetto è quella del teatro come faro, capace di orientare i giovani “naviganti” verso approdi artistici che diventano vere e proprie tappe di crescita personale e collettiva. Le proposte in cartellone sono pensate per essere esperienze condivise, in cui la musica diventa un mezzo di relazione, riflessione e formazione.

Un programma ricco e diversificato per tutte le età - Il progetto intreccia diversi linguaggi artistici e didattici:

L’opera lirica, riletta in chiave accessibile per il pubblico più giovane; La musica sinfonica, con percorsi narrativi brevi e coinvolgenti;

La danza, che restituisce attraverso il movimento la forza vitale della musica;

Il teatro musicale contemporaneo, che unisce narrazione, suono e temi sociali.

Ogni attività è calibrata sull’età degli studenti, con l’obiettivo di stimolare curiosità, ascolto attivo e partecipazione creativa.

Musica come diritto educativo e strumento di cittadinanza - Al cuore del progetto sta l’idea che la musica non sia un lusso, ma un diritto culturale ed educativo. Ascoltare, comprendere e condividere la musica significa rafforzare la capacità di relazione, sviluppare il pensiero critico e coltivare immaginazione. In questo modo, il Teatro Carlo Felice si trasforma in un vero e proprio laboratorio di cittadinanza attiva, sia nei suoi spazi sia nelle scuole.

Le parole del Sovrintendente Michele Galli - Il sovrintendente Michele Galli, alla guida del Teatro Carlo Felice dal 2025, ha dichiarato:

"Con l’inizio del mio mandato ho voluto che la prima attenzione fosse rivolta ai giovani e alle scuole della nostra città. Credo profondamente che l’educazione musicale e teatrale non sia un complemento ma una parte imprescindibile della formazione di ogni ragazza e di ogni ragazzo. È anche il modo più autentico per rinsaldare il legame tra il nostro Teatro e la comunità. Il Teatro può e deve essere una lanterna per le nuove generazioni: un faro che illumina, stimola la creatività e insegna a condividere emozioni e conoscenze". 

Un progetto corale: la voce dei curatori - A guidare l’elaborazione del progetto è la coordinatrice Elisa Moretto, affiancata dal docente di Storia della Musica del Liceo Musicale “Pertini”, Alberto Macrì, che raccontano:

"Come una grande nave, il teatro guida la navigazione fra note, costumi e scenografie, alla scoperta di nuovi approdi. Un viaggio che si compie insieme ad altri naviganti – non solo il pubblico, ma anche tutti gli artisti coinvolti – attraverso opere, pagine sinfoniche e balletti. Una rotta condivisa, viva, e sempre in movimento". 

Una rotta educativa per il futuro - Con “Un mare di musica… felice!”, il Teatro Carlo Felice rinnova il suo impegno educativo e sociale, offrendo ai giovani un accesso diretto all’arte come strumento di crescita, dialogo e identità collettiva. Un progetto che unisce tradizione e innovazione, e che riconosce nella musica un linguaggio universale capace di formare il cittadino di domani.

Lo spettacolo: malinconia, arte e verità - L’opera di Cechov, intensa e struggente, racconta la notte solitaria di Svetlovidov, un attore anziano che vaga per un teatro di provincia, ubriaco e colmo di nostalgia. Un tempo grande mattatore, oggi si interroga sulla vecchiaia, sulla memoria e sull’essenza dell’Arte, cercando rifugio nei ricordi e nel canto. Un testo breve ma potente, reso unico dalla straordinaria interpretazione di Pagliai.

Come ha spiegato Tommaso Garrè, consigliere delegato alla Cultura e curatore dell’evento, “Pagliai ci condurrà nei rivoli dei suoi sentimenti per gli amori più grandi: il teatro e una donna, giovane e snella come un pioppo. In linea con l’autore, rinnega ogni possibilità di menzogna. Si può ingannare la gente, persino Dio: ma nell’arte non si può mentire.”

Una produzione curata nei dettagli - Lo spettacolo è a cura di Tommaso Garrè, con la consulenza artistica di Tommaso Pagliai e le musiche originali di Dario Arcidiacono. Un lavoro delicato e profondo, pensato per offrire al pubblico una riflessione

Con la sua inconfondibile energia e una comicità acuta e brillante, Paci accompagna il pubblico in un viaggio ironico e surreale attraverso i millenni. Dalla scoperta del fuoco al boom dei social network, lo spettacolo attraversa epoche e domande universali: Chi siamo? Da dove veniamo? Dove stiamo andando?
Domande eterne, affrontate con sarcasmo e leggerezza, senza rinunciare a momenti di profonda attualità.

“Uh! Dalla clava a TikTok” è uno spettacolo che diverte, fa riflettere e soprattutto conferma il talento comico di Enzo Paci, capace di parlare al cuore (e alla risata) di tutte le generazioni.

Con questa serata, Il Sipario Strappato saluta una stagione ricca di emozioni, spettacoli e partecipazione, e dà appuntamento al pubblico per le prossime sorprese in arrivo.

Il format si sviluppa su un doppio binario: da una parte il teatro canzone di Gaber, con i suoi monologhi taglienti e le canzoni che riflettono sulla società e sull’animo umano; dall’altra le poesie in musica di De André, lucide, struggenti e ancora incredibilmente attuali.

Marcorè, voce solista e chitarra, è affiancato da una band di musicisti straordinari, capaci di creare un tessuto sonoro ricco e suggestivo che accompagna lo spettatore in un viaggio emozionante attraverso parole e note.

Formazione musicale:
 • Neri Marcorè – Voce solista e chitarra
 • Domenico Mariorenzi – Chitarra e pianoforte
 • Simone Talone – Batteria e percussioni
 • Fabrizio Guarino – Chitarra elettrica e classica
 • Alessandro Patti – Basso e contrabbasso
 • Alessandro Tomei – Flauto e sax
 • Anais Drago – Violino

Uscita nel 1994, la canzone, scritta da Zarrillo insieme a Vincenzo Incenzo, è tra le più iconiche della sua carriera. Presentata al Festival di Sanremo di quell’anno, dove si classificò quinta tra i Campioni, Cinque giorni è tornata oggi a essere virale sui social, amata anche dai più giovani. Cover di artisti come Fiorello e Laura Pausini ne testimoniano la forza intramontabile.

Il nuovo tour riprende il filo con il pubblico dopo il successo delle venti date teatrali del 2024, con una serie di appuntamenti speciali pensati per coinvolgere fan storici e nuovi ascoltatori. Due ore di spettacolo tra grandi classici, successi recenti e nuove emozioni, accompagnato da una band d’eccellenza: Roberto Guarino e Andrea Valentini alle chitarre, Andrea Rongioletti alle tastiere, Danilo Fiorucci al basso, Pino Vecchioni alla batteria. La produzione musicale è firmata da Alessandro Canini, mentre management, produzione e booking sono a cura di BigJoe Group.

Michele Zarrillo, classe 1957, romano, è una delle voci più raffinate della musica d’autore italiana. Dalla sua carriera come chitarrista nei Semiramis negli anni ’70, all’esordio come cantautore, ha saputo coniugare talento compositivo e interpretativo, firmando successi per grandi artisti come Renato Zero e Ornella Vanoni, e conquistando il pubblico con brani entrati nella storia. Vincitore del Festival di Castrocaro nel 1979 e di Sanremo (categoria Nuove Proposte) nel 1987, vanta 13 partecipazioni al Festival e oltre quattro milioni di dischi venduti.

Il tour Cinque giorni da 30 anni sarà un viaggio emozionante nella carriera di un artista che ha lasciato un segno profondo nella musica italiana.

Il progetto è nato da un’idea di Loredana Martella, Giovanna Saettone e Dalila Muscarella, docenti dell’Istituto di Istruzione Superiore Gastaldi-Abba, che hanno voluto proporre agli studenti un modo coinvolgente e innovativo per apprendere i grandi classici: attraverso il teatro. L’opera scelta, L’Odissea, è stata rielaborata come musical con il supporto creativo della YeaWea Musical & Dance Academy di Sampierdarena, diventando uno spettacolo dinamico fatto di musica, canto, danza e scenografie originali.

Il percorso non è stato semplice, ma ha trasformato una sfida didattica in un’esperienza partecipativa. Sedici studenti, provenienti da contesti culturali diversi, hanno collaborato come attori, scenografi, costumisti e tecnici, dimostrando grande impegno nello studio del copione e nella preparazione scenica.

Date e ospiti Lo spettacolo andrà in scena martedì 27 e giovedì 29 maggio 2025, con due repliche ogni giorno, alle ore 10 e alle 12. Nella replica del 29 maggio alle 10 è prevista la presenza di importanti rappresentanti istituzionali: Alessandro Clavarino, Dirigente dell’USR Liguria; Agostino Mastronardi, Dirigente Scolastico dell’IIS Gastaldi-Abba; Federica Tafuri Lupinacci, primo collaboratore; Donatella Banfi, DSGA. Esponenti del panorama politico genovese, tra cui Federico Romeo e Michele Versace. Saranno inoltre presenti rappresentanze di diversi istituti scolastici genovesi: IC Pontedecimo, IC Certosa, IC Bolzaneto, IC Teglia, IC Rivarolo, Istituto Primo Levi, Istituto Calasanzio, e alcune classi del Gaslini Meucci con il loro Dirigente Scolastico Gabriele Baroni.

Un momento toccante sarà la partecipazione dei ragazzi e delle ragazze della Casa dell’Angelo, accompagnati da educatori e dal direttore Giuliano Bellezza.

Il progetto, co-finanziato dall’Unione Europea e dal Ministero dell’Istruzione e del Merito, ha trovato nel Teatro Govi un partner fondamentale: la struttura ha messo a disposizione i suoi spazi per le prove e garantito supporto tecnico per tutte le rappresentazioni.

Cast e produzione: Interpreti: Airaf Basharat, Ariel Lochiatto, Arla Minga, Astrid Rivera, Erika Ferrobraio, Hamza Zouhal, Jeremi Moya, Leonardo Baldino, Manuel Sottile, Maria Muçaj, Nicole Rametta, Tistjana Varrosi, Zakaria Zahid; Regia: Antonio Di Lisio; Coreografie e canto: Giada Piseddu; Costumi: Nazlie Markaj; Scenografie: Cesare Morello, Francesco Lauria; Coordinamento: Dalila Muscarella, Giovanna Saettone, Loredana Martella.

L’opera di Bizet, in un riuscito allestimento dell’Opera di Roma con la regia di Emilio Sagi (ripresa da Nuria Castejon) e la direzione del maestro Donato Renzetti, ha conquistato la platea genovese.

Sospeso temporaneamente lo sciopero indetto da Cgil e Snater come segno di fiducia verso il nuovo sovrintendente Michele Galli, l’atmosfera era carica di attesa.

Annalisa Stroppa ha brillato nel ruolo della protagonista: una Carmen affascinante, dalla voce calda e dalla presenza scenica sicura. Il suo successo personale è stato suggellato da lunghi applausi. Accanto a lei, Giuliana Gianfaldoni ha dato vita a una Micaela delicata ed espressiva, mentre Francesco Meli, nei panni di Don José, ha convinto per forza drammatica e maturità interpretativa, soprattutto nei momenti più intensi del secondo e terzo atto.

Eccellenti orchestra e coro, con una menzione speciale per il coro di voci bianche diretto da Gino Tanasini. Le scene firmate da Daniel Bianco hanno valorizzato lo spettacolo con gusto ed equilibrio, così come le coreografie curate da Nuria Castejon.

Un ritorno trionfale per Carmen a Genova, con applausi calorosi e un clima di grande partecipazione. Si replica questa sera alle ore 20.

Dalla Piccola Età Glaciale alle estati roventi e alluvionate di oggi, passando per le celebri “Quattro Stagioni” di Vivaldi: è questo il viaggio, tra musica, storia, arte e scienza, che ci accompagna a riflettere con leggerezza su una crisi sempre più grave.

Il climatologo Luca Mercalli, presidente della Società Meteorologica Italiana, insieme all’irriverente comicità musicale della Banda Osiris, propone uno spettacolo originale e coinvolgente. Un cabaret scientifico che fa ridere e pensare, frutto di una fortunata collaborazione artistica tra il noto studioso e i quattro musicisti piemontesi.

Oggi, le stagioni non sono più quelle raccontate da Vivaldi, e i paesaggi che ispirarono musica e arte sembrano destinati a scomparire. “Che mondo ci aspetta domani, se continuiamo a ignorare il cambiamento climatico provocato dall’uomo?” si chiede Mercalli.

Lo spettacolo, a ingresso gratuito, fa parte del programma “Venti e oltre. Vent’anni di Fondazione Edoardo Garrone”, che celebra due decenni di impegno nella formazione dei giovani e nella diffusione della cultura della sostenibilità.

Opera teatrale - Ispirata all’omonimo album di Fabrizio De André. Ideata da David Riondino in collaborazione con Fabio Battistelli e diretto da Sergio Maifredi, lo spettacolo è un esempio di teatro musicale condiviso che unisce artisti professionisti e realtà musicali locali.

Sul palco - David Riondino, Sara Jane Ceccarelli, le bande di Imperia e Diano Marina e i cori ConClaudia e Mongioje. Un omaggio corale e potente alla poesia universale di Faber, prodotto da Teatro Pubblico Ligure.

La selezione - La scelta é quella di puntare su autori e autrici under 35, offrendo loro una preziosa occasione di confronto con il pubblico.

Un pubblico attivo - che potrà votare i testi tramite apposite schede distribuite ogni sera. A calcare la scena saranno opere firmate da giovani talenti, ancora poco noti ma promettenti, interpretate da attrici e attori diplomati alla Scuola di Recitazione del Teatro Nazionale di Genova.

Due eventi speciali - Due appuntamenti apriranno la rassegna “fuori concorso”: la lettura scenica de I signori dell’universo di Tobia Rossi, con Elisabetta Pozzi, e lo spettacolo Carrot Cake di Pietro Desimio, vincitore dell’edizione 2024.

Ogni serata si concluderà con un incontro con gli autori, occasione preziosa di dialogo tra scena e platea.

I giovani e il teatro - De Gustibus si conferma così non solo una vetrina, ma un vero e proprio laboratorio di futuro, dove prendono forma i nuovi protagonisti del teatro italiano.

Iniziativa Giubileo 2025  - Promosso dal Comune di Genova, in collaborazione con la Diocesi e il Teatro Carlo Felice, l’evento si inserisce nel calendario delle iniziative legate al Giubileo 2025 e anticipa il Giubileo delle Bande Musicali in programma a Roma il 10 e 11 maggio.

Le Filarmoniche genovesi - Sarà un’occasione unica per ascoltare dal vivo alcune delle formazioni che hanno fatto la storia della musica cittadina: il Circolo Musicale Risorgimento (Filarmonica di Sampierdarena), la Filarmonica Pegliese Marco Chiusamonti, la Scuola e Banda Musicale di Prà - Carlo Colombi, la Banda Musicale Città di Voltri, la Società Filarmonica di Cornigliano, la Banda Musicale Cittadina di Bolzaneto 1883, la Filarmonica di San Fruttuoso, la Filarmonica Sestrese e la Banda musicale N.S. della Guardia di Pontedecimo.

Sfilata e momento religioso - Le celebrazioni proseguiranno il 18 maggio con una sfilata musicale per le vie di Genova, che culminerà in piazza San Lorenzo e si concluderà con un momento di raccoglimento in cattedrale.

L’Ensemble - Trombe: Edoardo Campanelli, Lorenzo Fanciulli, Vincenzo Lombardo, Stefano Maranzano, Pietrostefano Petrangeli, Pietro Piva, Chiara Siracusa;
Corni: Serena Parodi, Tiziano Robello, Chen Wanning; Tromboni: Giorgio Boni, Lorenzo Bonora, Gabriele Caviglia, Chiara Fanciulli, Michela Gorini, Lorenzo Martini, Guglielmo Nicolini, Davide Pedrazzi, Andrea Santini; Tube: Giacomo Carrano, Marco Gatti, Alessandro Longo Percussioni Clara Avanzi, Rossana Bribò, Giuseppe Lastrinetti

Il programma -  
1. Claudio Monteverdi: Toccata dall'opera Orfeo
2. Gustav Mahler dalla Sinfonia n. 3: "Kräftig. Entschieden" dal I mov. "Langsam. Ruhevoll. Empfunden" dal VI mov.(riduzione David Short)

3. M. A. Charpentier Preludio al Te Deum

4. Goffredo Mameli Il Canto degli Italiani, Inno Nazionale (arr. David Short)

In attesa dell'arrivo del Capo dello Stato, lo spettacolo musicale, che dovrebbe durare circa 40 minuti, inizierà intorno alle ore 11.00. L'Ensemble di Ottoni e Percussioni del Conservatorio Niccolò Paganini eseguirà l'inno di Goffredo Mameli non appena il presidente Mattarella entrerà nel teatro. I musicisti saranno posizionati subito sotto il palco ma una sorpresa è stata pensata ed è già pronta in cima alla platea: sarà una grande festa di musica, ricordi ed emozioni legate alla Giornata della  Liberazione e alla visita ufficiale del Presidente della Repubblica. 

La regia e l’adattamento italiano sono firmati da Valter Malosti, in collaborazione con Manuel Agnelli, recentemente premiato con un David di Donatello e un Nastro d’Argento, che interpreta il tormentato Newton, personaggio che idealmente prosegue la storia dell’Uomo che cadde sulla Terra, il primo ruolo cinematografico di Bowie.

La colonna sonora, eseguita dal vivo da una band di straordinari musicisti, fonde brani storici dell’artista con canzoni scritte appositamente per lo spettacolo.

Considerato da molti come il “regalo d’addio” di David Bowie al mondo, Lazarus è un’opera teatrale intensa e fuori dagli schemi, scritta poco prima della sua morte insieme al drammaturgo irlandese Enda Walsh: un’esperienza unica di teatro musicale che lascia il segno.

In scena quattro interpreti due attrici e due attori di grande passione molto cari alla regista: Monica Demuru, Valentino Mannias, Francesco Patanè e Aurora Peres. Insieme agli attori un giovane "coro" composto da ragazzi e ragazze, che hanno risposto alla call chiamata pubblica in cui si chiedeva simbolicamente, "chi sono per te i nuovi e le nuove partigian®".

In un ideale passaggio di testimone, si legge dalle prime note di Giorgina Pi al lavoro di creazione, gli attori raccoglieranno la luminosa memoria dei partigiani e delle partigiane, facendo rivivere sul palco la forza e la bellezza delle loro parole, per condividere quel sogno di libertà e fratellanza che ha contribuito a fare l'Italia. Una sorta di atto psicomagico o una forma di reincarnazione possibile e necessaria rispetto alle loro singole storie personali.

D'oro. Il sesto senso partigiano prende forma come un sogno di un gruppo di ragazzi e ragazze che si domandano cos'è stata la Resistenza. In un sogno incontrano partigiani e partigiane (Mirella Alloisio, Mario Ghiglione, Aldo Tortorella, Gianna Radiconcini, Mario Candotto, Ivonne Trebbi, Gustavo Ottolenghi, Luciana Romoli, Paolo Orlandini) fino a diventarlo loro stessi/e.

Le storie di quegli uomini e donne si mescolano allo studio delle videointerviste di quegli stessi partigiani/e (contenuti nel sito dell'Anpi) e a invenzioni e immaginazioni. Questo doppio binario di racconto, letterario e video, è la base del testo e lo spunto di lavoro per attori e attrici che ad esso mischiano il loro stesso sogno di incarnare un/a ribelle che ha liberato l'Italia dal nazifascismo.

"Più che mai, in questo viaggio che è per me "D'Oro. Il sesto senso partigiano" il messaggio di fare arte come 'forma di disobbedienza', per tornare alle illuminanti parole del professor Giovanni De Luna, è il mio modo per ricongiungere poesia e politica. E, quel "sesto senso" dei giovani partigiani e partigiane di 80 anni fa è un istinto poetico e disobbediente, che si reincarna in forma di sogno e cuce insieme i materiali storici per farli diventare teatro e arte. Avremmo voluto venti ore per raccontare tutte le storie! Per la drammaturgia dello spettacolo ne ho scelte nove e creato una tessitura narrativa che rimanda a fonti diverse. Una parte del racconto è frutto del lavoro di riprese fatte sulle montagne liguri", spiega la regista Giorgina Pi. 

In scena gli attori: Monica Demuru (Gianna Radiconcini; Luciana Romoli); Valentino Mannias (Gustavo Ottolenghi; Aldo Tortorella); Francesco Patanè (Mario Candotto; Mario Ghiglione), Aurora Peres (Mirella Alloisio; Ivonne Trebbi); i giovani attori-nuove partigiane - Silvia Filza, Pietro Muzzini, Mouhamed Ndiay, Khadija Seye incarnano le parole di Paolo Orlandini.

La replica pomeridiana del 25 aprile, alla presenza del Presidente della Repubblica Sergio Mattarella, sarà trasmessa in diretta su Rai Radio3, main media partner del progetto.

Il lato ironico e fragile dell’animo umano - Sul palco, due volti noti del teatro e della televisione, Debora Caprioglio e Corrado Tedeschi, affiancati da Gianluca Delle Fontane, Andrea Bezzi e Giulia Galizia, diretti dalla regia esperta di Ennio Coltorti, con le scene firmate da Andrea Bianchi.

Tre episodi -  In un’unica suite dell’iconico Hotel Plaza di New York, simbolo di successo, lusso e desideri borghesi, si intrecciano le vite di tre coppie diverse, ciascuna alle prese con le proprie crisi, fragilità, nostalgie e goffaggini. Tre atti, tre storie, un solo filo conduttore: l’imprevedibilità dei rapporti umani.  Nel primo episodio, due coniugi tornano nella stanza della loro luna di miele nel tentativo (forse disperato) di salvare un matrimonio alla deriva. Il secondo episodio racconta l’incontro tra due ex compagni di scuola, ormai adulti: lui affermato produttore, lei madre e moglie irreprensibile, un tempo innamorati, ora in bilico tra ricordi e tentazioni. Il terzo episodio, il più spassoso, ci mostra i genitori alle prese con una figlia barricata in bagno il giorno del suo matrimonio: un crescendo di comicità, nervosismo e tenerezza.  

Ridere della vita - Con ironia tagliente e una straordinaria capacità di raccontare l’ordinario, Simon ci mostra come, dietro ogni risata, si nasconda sempre una verità, spesso scomoda, ma profondamente umana. Dove la saggezza popolare diceva “Canta che ti passa”, Simon ci invita invece a ridere. Ridere della vita, dei suoi inciampi e delle sue stranezze. Perché, forse, è proprio così che si supera tutto: “Ridi, ridi, ridi… che ti passa!”

Come scrive Capuani, giornalista e traduttrice di riferimento per la letteratura teatrale inglese e francese, L’Empireo è un’opera monumentale e ambiziosa.

Ambientata nella campagna inglese del Settecento, la storia ruota attorno a una giuria di dodici donne chiamate a giudicare una giovane donna accusata di omicidio, che si dichiara incinta per sfuggire alla condanna. La giuria dovrà decidere se la sua affermazione è vera o falsa, esercitando su di lei un potere di vita o di morte.

Dal confronto di queste donne emergono temi universali e senza tempo che riguardano la condizione femminile in ogni epoca, a partire dall’ingiustizia delle leggi scritte dagli uomini nei confronti delle donne e del loro corpo.

Sinigaglia commenta: «L’Empireo è il primo testo teatrale che affronta le questioni di genere senza cedere alla retorica o alla banalità. È crudo, incisivo, e veritiero, proprio come la realtà. Inoltre, offre uno spazio straordinario alle attrici, con 19 personaggi, di cui 17 femminili. Un’inversione notevole rispetto alla consuetudine di scrivere ruoli per donne che spesso sono limitati o stereotipati».

"La Direzione del Teatro comunica che la recita dell’opera “Die Liebe der Danae” di domenica 6 aprile 2025 viene annullata in quanto, a causa dello sciopero proclamato dalle sigle sindacali SLC-CGIL e SNATER, non potrà essere assicurato il buon andamento dello spettacolo, nonostante l’eccellente prova generale svoltasi ieri sera che ha confermato la straordinaria professionalità dei lavoratori presenti. La biglietteria del teatro è già al lavoro per contattare gli abbonati e quanti hanno acquistato i biglietti per essere accolti nelle successive recite dell’opera previste per mercoledì 9 aprile (ore 20.00), domenica 13 aprile (ore 15.00) e mercoledì 16 aprile (ore 20.00). Per quanti non vorranno avvalersi di tale opportunità è previsto il rimborso del rateo di abbonamento o del biglietto. Per ogni necessità e informazione i nostri Uffici di biglietteria sono attivi ai numeri: 010 5381 432/424/399/337/226/338"

Il cantautore, attore e narratore Simone Cristicchi, reduce dall'ultimo Festival di Sanremo, porta in scena il volto più fragile e umano del Santo di Assisi, in uno spettacolo - musical contenente otto canzoni inedite scritte dallo stesso Cristicchi, insieme alla cantautrice Amara, su musiche originali dalle sonorità etniche, composte da Tony Canto.

I lavori realizzati - Sono stati dunque effettuati interventi per ottimizzare l’efficienza energetica dell’edificio, riducendo il consumo energetico e migliorando le prestazioni degli impianti. Sono stati completati tutti i lavori previsti, ad eccezione dell’installazione del nuovo ascensore per persone con disabilità. Il progetto ha comportato anche l’adeguamento degli spazi e il miglioramento della funzionalità del teatro, sebbene alcune attività serali con il pubblico potrebbero diminuire a causa di questi lavori.

Le modifiche -  Il teatro ha una nuova biglietteria e un impianto di illuminazione aggiornato, sia ordinario che di emergenza, nel foyer. Inoltre, sono stati rinnovati l’assetto architettonico e decorativo del foyer e della platea, con rifacimento delle pavimentazioni e delle pareti. Anche l’impianto di trattamento dell’aria è stato sostituito con nuovi canali aeraulici, interconnessi alle reti esistenti.  

Il facente funzioni sindaco Pietro Piciocchi ha sottolineato l’importanza di rendere sempre più accessibili i luoghi di cultura, affinché le istituzioni culturali della città siano sempre più aperte e attrattive per tutti. I lavori sono stati realizzati grazie a un finanziamento ottenuto dai fondi complementari del PORR e fanno parte di un progetto più ampio di restyling, che include anche la nuova facciata del teatro. L’intervento contribuisce in modo significativo all’ammodernamento di un teatro simbolo della città. Piciocchi ha poi ricordato che, oltre al Teatro Nazionale e al Teatro Carlo Felice, l’amministrazione ha investito anche in teatri di quartiere, come il Verdi, l’Akropolis di Sestri Ponente e il Govi di Bolzaneto, dove partiranno presto lavori per la galleria. Inoltre, è previsto un straordinario progetto di riapertura per l’ex Cinema Nazionale di Molassana. I teatri, da sempre luoghi di socialità per tutti, continueranno a essere punti di riferimento vitali per la comunità.

"Il Teatro Nazionale rappresenta un fiore all'occhiello per la nostra città, grazie a una proposta teatrale di primissimo livello sul panorama nazionale Si tratta di un rifacimento molto significativo per uno dei luoghi culturali più frequentati dai genovesi, che si è sempre distinto per la qualità degli spettacoli messi in scena. L'importanza che il Nazionale ricopre per Genova è testimoniata dalla sostanziosa cifra stanziata dal Comune per gli interventi nel foyer e in sala, garantendo al pubblico servizi rinnovati per fruire in modo completo di tutti gli spazi. La stagione teatrale è nel vivo: tra poche settimane arriverà a Genova il Presidente della Repubblica che assisterà allo spettacolo Il Sesto senso Partigiano. Collaborando con la direzione del Nazionale è nostra premura garantire un'accoglienza più calorosa possibile e i rinnovati spazi sono un ottimo biglietto da visita", ha commentato l'assessore alla Cultura Lorenza Rosso. 

"Il teatro Ivo Chiesa è dedicato a uno dei fondatori e creatori del teatro italiano del dopoguerra, figura preminente e autorevole che ha saputo tracciare un solco, testimoniare e mettere in pratica il concetto del teatro come luogo vivo per tutta la comunità. Grazie ai lavori di ristrutturazione della sala abbiamo creato un luogo della memoria del teatro italiano degli ultimi 80 anni a Genova, una casa che accoalie la comunita", ha affermato il direttore del Teatro Nazionale di Genova Davide Livermore.

Il programma inizia con The Seventh Man, un assolo di Carolyn Carlson per Riccardo Meneghini, che esplora il simbolismo del numero sette come perfezione e rinnovamento. La coreografia, sulla musica di Guillaume Perret, rappresenta le metamorfosi interiori dell’uomo attraverso il corpo camaleontico di Meneghini.

A seguire A Deal with Instinct, in prima nazionale, una creazione del 2023 che vede protagonista Yutaka Nakata. Ispirata dalla natura, dal buddismo zen e dalle arti marziali, la coreografia esplora l’equilibrio tra istinto e meditazione, forza e delicatezza, attraverso movimenti che evocano l’energia degli animali.

Infine, Room 7, un solo di Tero Saarinen, coreografato da Carolyn Carlson, offre una riflessione sulla psiche umana, esplorando archetipi e emozioni attraverso un viaggio dinamico che invita ad abbandonarsi al momento presente, superando le illusioni mentali.

La rassegna internazionale di danza - Resistere e Creare (ReC), nata nel 2015 dal Teatro della Tosse, è una rassegna multidisciplinare che supera i confini tradizionali delle arti performative, integrando danza, circo, teatro, musica e arti visive. Con 10 edizioni alle spalle, è diventata un punto di riferimento nazionale e internazionale per residenze, produzione artistica e supporto a giovani talenti. L’edizione 2025 segna un cambio di direzione, con Marina Petrillo alla guida artistica e un comitato tutto al femminile. Il triennio 2025-2027 si concentrerà su tre temi: Forme (2025), Spazio (2026), Tempo (2027), includendo grandi nomi e artisti emergenti.

Il programma include spettacoli in spazi convenzionali e non, con eventi come il festival internazionale LOBO ZENA, e una varietà di produzioni nazionali e internazionali. In evidenza, tra gli ospiti, spettacoli di compagnie come la Carolyn Carlson Company (FR), Overhead Projects (DE), e Maqamat (LE), oltre a nuove creazioni italiane come Sahara e Giocasta. La rassegna proseguirà con residenze artistiche, seminari e attività formative, come il progetto di alta formazione Azione Silenziosa. Il nuovo logo, creato da Valeria Petrone, consolida l’identità visiva della rassegna. Infine, la collaborazione con Birdmen Magazine continua a supportare l’iniziativa.

"Il potere non esiste. Nessuno lo ha, ma purtroppo corrompe e ti da l'illusione di poter cambiare le cose. La gente non ha memoria di quello che un politico ha detto il giorno prima. Le dichiarazioni cambiano e il pubblico si convince di quello che un politico ogni volta afferma.... Se al posto di Dio mettiamo il denaro, il mondo è finito. Le nostre aspirazioni devono essere legate alla vita e non ai soldi", afferma Luca Barbareschi attore, regista e produttore.

Luca Barbareschi - Attore, regista e produttore italiano, conosciuto per il suo lavoro nel teatro, nel cinema e in televisione. Sebbene abbia preso parte a numerosi film e serie, è nel teatro che ha raggiunto la massima notorietà, interpretando ruoli che spaziano dal drammatico al comico. Oltre alla carriera di attore, Barbareschi ha anche un’importante esperienza come regista e produttore, distinguendosi per il suo contributo significativo alla cultura italiana.

Nel teatro, è noto per aver messo in scena una vasta gamma di opere, sia italiane che internazionali, e per la sua abilità nell’interpretare personaggi complessi e sfaccettati. La sua versatilità e il suo carisma lo rendono una figura di riferimento nel panorama culturale del nostro paese.

Chiara Noschese - Figlia del celebre imitatore Alighiero Noschese, Chiara Noschese ebbe come padrino di battesimo il giornalista Ruggero Orlando, la cui imitazione era una delle più celebri tra quelle realizzate da suo padre. Dopo il diploma al Laboratorio di esercitazioni sceniche, sotto la direzione di Gigi Proietti, inizia presto la sua carriera come attrice, cimentandosi sia in ruoli comici che drammatici. Ha spaziato tra il musical, la prosa, il cinema e la televisione, esplorando costantemente nuove sfide professionali. Tra le sue interpretazioni più rilevanti nel genere della commedia musicale, si ricordano le sue performance in Aggiungi un posto a tavola, Alleluja brava gente (diretta da Pietro Garinei), Cantando sotto la pioggia, Sette spose per sette fratelli, Le notti di Cabiria (ispirato al celebre film di Federico Fellini, diretto da Saverio Marconi) e Il pianeta proibito (diretta da Patrick Rossi Gastaldi).

Un testo evergreen- Sebbene scritto diversi anni fa, November conserva una sorprendente attualità, soprattutto perché i personaggi di Mamet sono diventati veri e propri classici della comicità. E che comicità: quella più amara, capace di suscitare una risata mentre stimola una riflessione disincantata sul mondo che ci circonda. 

Giovanni Crippa, allora diciannovenne, interpretava il ruolo dell’adolescente Alan Strang.
"Equus fu un vero e proprio evento. Le persone si spostavano da una città all’altra per vedere e rivedere lo spettacolo. Siamo curiosi di vedere come Carlo Sciaccaluga è intervenuto su questo nuovo Equus". dichiara  l’attore che è arrivato appositamente da Milano per assistere alla prima della rappresentazione teatrale con la regia di Carlo Sciaccaluga che è anche autore della traduzione e dell’adattamento. 

Prima nazionale - Un testo che, al suo debutto a Londra nel 1973 e poi a Genova, alla fine del 1975, fece letteralmente “scandalo”. Equus, dell’autore inglese Peter Shaffer torna in scena nella stessa sala dove debuttò 50 anni fa: teatro Eleonora Duse di Genova, da martedì 25 marzo a domenica 6 aprile.

Marco Sciaccaluga, che del teatro di Genova è stato presenza costante e autorevole, esordì in questo lavoro a soli 22 anni. L’edizione 2025, porta la firma dell’adattamento e traduzione di Marco e Carlo Sciaccaluga, quasi un passaggio di testimone di padre in figlio. 

Lo spettacolo di Rocco Siffredi: un'ora e mezza di racconti senza filtri che descrivono il suo percorso iniziato molti anni fa e costellato di incontri con donne, registi e impresari internazionali. L'inizio della sua carriera nel cinema per adulti, la famiglia e le persone a lui più vicine come lo scomparso cugino Gabriele Galetta, suo braccio destro e il presente di Rocco con una donna splendida accanto e due figli.

Un viaggio appassionante - La rievocazione intima e divertente di una vita e di una carriera incredibili, guidato dalla voce del suo stesso protagonista, che per la prima volta si racconta "come avrebbe sempre voluto fare". 

Un racconto inedito e sincero - Suggestioni e ricordi, senza un ordine cronologico, alternando gag comiche, provocazioni irriverenti, intime confessioni e momenti poetici per ripercorrere un percorso professionale e umano che - al di là delle ansie, dei conflitti interiori, dei momenti di solitudine e sofferenza - ha regalato a Rocco anche tanta gioia, spensieratezza e divertimento.

La sua incredibile storia - Rocco Siffredi porta il pubblico alla scoperta di quanta comicità possa esserci dietro al suo ruolo, di quanta determinazione sia necessaria per muoversi in un mondo solo apparentemente 'senza regole', di quanta passione e spirito di libertà guidino le scelte di chi ha deciso di lavorare nel cinema per adulti e soprattutto di quanta bellezza e supporto regalino gli affetti veri, quelli per i quali Rocco è prima di tutto un figlio, un padre, un marito, un fratello, un amico, un uomo.

Lo spettacolo - Diretto e prodotto da Paolo Ruffini con la sua Vera Produzione, rappresenta per Rocco Siffredi una nuova e indimenticabile prima volta, quella in cui mettersi veramente “a nudo” e concedersi davvero a tutti: a quelli che lo hanno seguito e ammirato in quasi quarant'anni di straordinaria carriera, a quelli che vogliono conoscere qualcosa di più dell'uomo Rocco che, in questa veste, ha affrontato senza “ansia da prestazione” la prova del palcoscenico e nientedimeno che l’Ariston…

Foto e autografi a richiesta - A fine spettacolo Rocco insieme alla moglie Rózsa ha posato con i fans e firmato autografi, scambiando anche battute con ammiratori e ammiratrici che lo hanno applaudito anche per la simpatia e la schiettezza del suo racconto.

Assenza - Questa mattina il sovrintendente del teatro Claudio Orazi ha annunciato tuttavia l'assenza di Fabio Luisi alla direzione artistica, il quale ieri pomeriggio aveva inviato una lettera al teatro: "Con grande dispiacere devo rinunciare per improvvisi e gravi motivi familiari all'impegno della direzione musicale dell'opera "Die Liebe der Danae" in programma nel mio amato Teatro Carlo Felice di Genova" - recita la lettera

Una rinuncia improvvisa e drammatica mentre le prove sono già in corso sotto la guida del suo assistente Michael Zlabinger, al quale a questo punto è stata affidata la direzione ufficiale.

"Die Liebe der Danae" non è mai stata rappresentata a Genova. Come ha ricordato il direttore artistico Pierangelo Conte: questa è la terza esecuzione italiana: "Le due precedenti edizioni sono state proposte alla Scala, la prima in italiano e la seconda con i complessi del Teatro di Monaco. Questa è dunque la prima in lingua originale e con i complessi italiani".

Cast - Il cast poggia su Angela Meade (Danae), John Matthew Myers (Midas), Scott Hendriocks (Jupiter), Timothy Oliver (Merkur) e Tuomas Katajala (Pollux). L'opera ha avuto una genesi alquanto tortuosa.

Storia - Nel 1920 Hofmannsthal (grande collaboratore di Richard Strauss) aveva segnalato al compositore un canovaccio di una nuova opera incentrata sul personaggio di Danae nell'ambito della mitologia greca. Il progetto era stato però accantonato a favore di altre soluzioni librettistiche. Anni dopo Strauss riprese l'idea e la fece sviluppare a Joseph Gregor. Nacque dunque "Die Liebe der Danae" che venne programmata al Festival di Salisburgo per il 1944 sotto la direzione di Clemens Kraus. Il fallito attentato a Hitler, tuttavia, bloccò tutti i Festival in area tedesca e il debutto dell'opera slittò ancora a Salisburgo sotto la direzione di Kraus al 1952, anno in cui Strauss era già scomparso.

"L'opera - ha detto il regista Dale - è una commedia, ma Strauss giunto quasi al termine della sua carriera vi mette anche riflessioni personali e la debolezza di Giove è lo specchio della fragilità degli dei in un momento in cui la Germania era sotto il regime nazista".

Da venerdì 21 a domenica 30 marzo - "Un avvertimento ai gelosi", farsa musicale di Manuel García, regia di Jochen Schönleber con i solisti dell’Accademia di alto perfezionamento dell’Opera Carlo Felice.

Mercoledì 26 marzo ore 20.00  - "Un piccolo flauto magico", parodia mozartiana da camera scritta, musicata e arrangiata dal regista e musicattore Luigi Maio, al pianoforte Enrico Grillotti.   

Conferenze illustrative su Die Liebe der Danae - Giovedì 20 marzo 2025 ore 18.00, al Teatro Auditorium Eugenio Montale, Danae nell'arte: dal mito al moderno, a cura di Giacomo Montanari, in collaborazione con Associazione Carlo Felice Young APS.   

Martedì 25 marzo 2025 ore 18.00 al Teatro Auditorium Eugenio Montale La Danae di Strauss - Una rielaborazione del mito classico a cura degli alunni del Liceo Classico Andrea D’Oria.

Die Liebe der Danae andrà in scena al Carlo Felice dal 6 al 9 aprile.

“Too Late” di Jon Fosse - È una riflessione sull’esistenza e sul tempo, una meditazione profonda e inquietante sul passare del tempo e sul peso delle scelte non fatte. Con il suo stile essenziale e la sua intensità emotiva, l’opera di Jon Fosse costringe lo spettatore a confrontarsi con la propria mortalità e con il rimorso di non aver preso decisioni che avrebbero potuto cambiare il corso della vita.

Introduzione all’autore e all’opera - Jon Fosse è un drammaturgo norvegese di fama internazionale, noto per il suo stile minimalista e la profondità emotiva delle sue opere. La sua scrittura esplora le complessità della condizione umana, spesso affrontando temi esistenziali come il tempo, la solitudine e la ricerca di significato. Tra le sue opere più celebri c’è “Too Late”, un testo che indaga le fragilità delle relazioni umane, il passare inesorabile del tempo e il peso del rimorso.

La trama di “Too Late” - “Too Late” si svolge in un ambiente intimo e ristretto, dove i protagonisti, un uomo e una donna – si trovano di fronte alla consapevolezza che il loro tempo insieme è ormai giunto al termine. La tensione narrativa non deriva da eventi esterni, ma dall’introspezione dei personaggi, dalla comunicazione interrotta e dalle azioni non compiute. La drammaticità dell’opera è alimentata dalla riflessione sul tempo perduto e sulle parole non dette, creando un’atmosfera di rimpianto e riflessione.

Il tema del tempo e della redenzione - Nel cuore di “Too Late” c’è il concetto di tempo che scorre inesorabilmente, portando con sé la consapevolezza delle occasioni perse. I personaggi lottano con il rimorso per le scelte fatte, chiedendosi se ci sia ancora possibilità di redenzione. Il titolo stesso, “Too Late” (troppo tardi), permea ogni scena, suggerendo l’impossibilità di tornare indietro. La riflessione sul tempo e la difficoltà di affrontare il passato offrono una riflessione che sccompagna lo spettatore anche dopo lo spettacolo. 

Ridere con le canzoni: la geniale trovata di Elio - “Quando un musicista ride” è lo spettacolo che ha conquistato tutta Italia, grazie all’ingegno di Elio, leader della band “Elio e le storie tese”. La sua idea brillante è stata quella di unire comicità e musica, creando un’esperienza unica che lo porta in giro per il Paese con un entusiasmo contagioso. Ogni volta, Elio riesce a inventare qualcosa di nuovo, mantenendo la sua originalità e verve che lo rendono inconfondibile nel panorama musicale.

Un incontro tra comicità e musica - Con la regia di Giorgio Gallione e gli arrangiamenti musicali di Paolo Silvestri, Elio propone un repertorio eclettico che riflette lo spirito degli artisti che lo hanno ispirato. Lo spettacolo rende omaggio a figure eccentriche e controcorrente che hanno segnato un’epoca, come Flaiano, Marcello Marchesi, Dario Fo, Giorgio Gaber, senza dimenticare Cochi e Renato. Il risultato è un incontro tra ironia e note, che strizza l’occhio alla musica e al teatro con un tocco di follia.

Follia e sregolatezza: il segreto del successo - Lo spettacolo è permeato da una follia incommensurabile, un marchio di fabbrica che non manca mai di sorprendere e coinvolgere. La sregolatezza è il filo rosso che unisce tutte le canzoni selezionate: ogni brano, rielaborato in chiave jazz humor, perde ogni connotazione temporale o geografica, diventando una performance senza tempo. La combinazione di musica e comicità crea un’atmosfera surreale che affascina il pubblico, offrendo momenti di puro divertimento.

Tappa a Genova al Politeama - L'11 marzo è arrivato: Elio e la sua band di giovanissimi virtuosi sono saliti sul palco del Politeama per regalare al pubblico un’esperienza unica. Non solo musica, ma anche un gioco coinvolgente con il pubblico, destinato a far ridere in modo anomalo e insolito. 

Elio torna sul palco con un nuovo spettacolo per giocare e ridere con la musica e le canzoni al Politeama Genovese martedi 11 marzo alle ore 21.00.

Il programma - Dopo il successo di CI VUOLE ORECCHIO, Elio e la sua band di giovani virtuosi, sotto la regia di Giorgio Gallione, esploreranno e reinventeranno l’immenso repertorio comico che ha caratterizzato la musica, la canzone, il cabaret e il teatro italiano, dagli anni ‘60 ad oggi.

Lo spettacolo - Con un omaggio a artisti come Fo, Gaber, Jannacci, e altri, lo spettacolo porta in scena una generazione di eccentrico anticonformismo e canzoni scanzonate, rinnovando l’approccio creativo di un’epoca che ha sorpreso e divertito il pubblico.

Ospiti della serata - Come in altre occasioni, è prevista la partecipazione di illustri guest stars, tra cui Carmen Russo, Enzo Paolo Turchi, Petra Conti (Prima ballerina del Teatro alla Scala di Milano, Principal Dancer del Boston Ballet e étoile internazionale), e Chiara Bruzzese, pluricampionessa paralimpica e atleta dell’anno 2023, accompagnata dal ballerino Carlo Froi e dalla professoressa Giulia Ermirio. Ci sarà il Soprano Elisabetta Isola, accompagnata dal pianista Alessandro Demuro, Linda Siciliano e Vittorio Gastaldi (Azzurri del pattinaggio artistico), i ballerini di Naima Academy con il coreografo Matteo Addino, e il gruppo Dance Art Project con la coreografa Cristina Valente, arricchiranno la serata con performance indimenticabili.

La serata - Un vero e proprio spettacolo corale che vedrà più di cento artisti uniti per offrire un tributo emozionante e unico a una delle icone più amate del panorama musicale. Il tutto avrà inizio con la Compagnia Teatrale Baistrocchi, la compagnia teatrale più longeva d’Italia, e porterà la magia della Carrà in ogni angolo della città.

La violenza sulle donne nella cronaca di tutti i giorni - La violenza sulle donne è un tema che richiede una riflessione costante e urgente. Ogni giorno, purtroppo, i media ci riportano notizie di femminicidi, un termine ormai tristemente familiare che racconta le tragiche morti di donne vittime di violenza di genere. I simboli delle panchine rosse e delle scarpette esposte durante le manifestazioni sono emblemi potenti di una battaglia per il diritto delle donne a vivere libere dalla paura, rispettate e al sicuro. 

La scuola delle mogli è un’opera senza tempo - "La scuola delle mogli", scritta da Molière nel 1662, esplora in modo sorprendentemente contemporaneo tematiche come il controllo ossessivo, la gelosia e il tradimento, utilizzando l’arma affilata dell’ironia e della critica sociale. Sebbene l’opera risalga a secoli fa, le dinamiche di potere che essa mette in scena all’interno delle relazioni di coppia sono ancora radicate in una cultura che faticano a rispettare pienamente i diritti delle donne. L’opera, quindi, rimane un monito per le società moderne e una riflessione su quanto ancora ci sia da fare per raggiungere una vera uguaglianza.

Il cast -  In questo adattamento in due atti di Emerico Valentinetti, Solenghi, affiancato da un cast d’eccezione, regala al pubblico una performance intensa sotto la sua stessa direzione. La commedia, che promette di far ridere e riflettere, vede la partecipazione di Mauro Pirovano, Roberto Alinghieri, Claudia Benzi, Stefania Pepe, Laura Repetto, Matteo Traverso, Aleph Viola, e la scenografia curata da Davide Livermore.  

Le repliche - Dopo il debutto del 6 marzo la commedia andrà in scena martedì, mercoledì e venerdì alle 20.30, giovedì e sabato alle 19.30, e domenica alle 16. Lunedì il teatro resterà chiuso.

Concerto mistico per Battiato - Ispirato al repertorio mistico del grande maestro, i due artisti interpretano con grazia e rispetto i messaggi spirituali che hanno reso immortale la sua opera. Un’occasione unica per riscoprire un’eredità preziosa, arricchita da nuovi arrangiamenti curati dal Maestro Valter Sivilotti.  Pochi artisti come Franco Battiato sono riusciti a “unire” terra e cielo con le loro opere, creando una rara armonia capace di risvegliare e accarezzare l’anima.

Franco Battiato - Pellegrino dell’assoluto e rivoluzionario musicale, ha lasciato un patrimonio inestimabile, dove alla canzone si intreccia una profonda ricerca spirituale. Dalla preghiera universale L’ombra della Luce alla struggente La cura, passando per E ti vengo a cercare e fino al suo ultimo brano, Torneremo ancora, titolo scelto per il concerto.

Sul palco del Cavour - Insieme ai due artisti, il Maestro Valter Sivilotti al piano e i solisti dell’Accademia Naonis di Pordenone (Lucia Clonfero, Igor Dario, Alan Dario, U.T. Gandhi, Franca Drioli). A intervallare le esecuzioni, alcune letture tratte dai maestri che hanno influenzato il pensiero di Battiato: Rumi, Gurdjieff, Ramana Maharshi, Willigis Jager e il teologo Guidalberto Bormolini.

Teatro sold out - Tutto esaurito sabato sera 1º marzo alle 20.30, per ascoltare il racconto di Ottavia Piccolo attraverso le parole di Stefano Massini e i suoni de I Solisti dell’Orchestra Multietnica di Arezzo. Ottavia Piccolo: “Uno spettacolo necessario: il teatro che insegna la storia e soprattutto a guardarsi intorno”

Matteotti, anatomia di un fascismo - Lo spettacolo esplora l’ascesa e la consolidazione del fenomeno fascista, che Giacomo Matteotti riuscì a riconoscere sin dall’inizio nella sua gravità assoluta, contrariamente a molti che o non lo videro o preferirono ignorarlo.

La storia - A cento anni di distanza, è il teatro, la musica, le parole di Stefano Massini, la voce di Ottavia Piccolo e i suoni de I Solisti dell’Orchestra Multietnica di Arezzo a farsi carico di raccontare la storia.

Teatro dell'Arca Sandro Baldacci - L’intitolazione del Teatro a Sandro Baldacci rappresenta un gesto simbolico che esprime il profondo rispetto e l’affetto che Genova nutre per un uomo che ha contribuito enormemente alla cultura locale. La sua scomparsa ha lasciato un vuoto difficile da colmare, ma grazie a questa intitolazione e alla continuazione del suo impegno, la sua eredità rimane viva, ispirando le future generazioni di artisti e spettatori. 

Ottavia Piccolo - Una delle attrici più raffinate del panorama teatrale e cinematografico italiano, nota per la sua sensibilità e la capacità di interpretare ruoli complessi. Esordì a undici anni in teatro con Anna dei miracoli, e ben presto iniziò a lavorare con i più grandi registi italiani come Strehler, Visconti e Ronconi. Nel 1970 vinse la Palma d’Oro come migliore attrice al Festival di Cannes per Metello. La sua carriera spazia dal repertorio classico a quello contemporaneo, con interpretazioni in opere come Re Lear, Medea, e Il processo a Dio. È anche una stimata doppiatrice, prestando la sua voce alla principessa Leila in Star Wars. Ha lavorato anche in televisione, apparendo in serie come Le notti bianche e La coscienza di Zeno, e in film come Serafino e Il grande sogno. Tra i suoi ruoli recenti ci sono Sette minuti e Welcome Venice.

Il mese di marzo 2025 - Le maestranze dell'Opera Carlo Felice saranno impegnate in diversi appuntamenti che spaziano dall'opera, alla musica sinfonica, alla musica vocale da camera, a fianco di solisti e interpreti di livello internazionale.

Appuntamenti in programma - da venerdì 7 a giovedì 13 marzo sarà in scena la commedia lirica Falstaff di Giuseppe Verdi, la direzione è affidata a Jordi Bernacer, con la regia di Damiano Michieletto. Domenica 9 marzo riprende il ciclo di musica vocale da camera Novecenti, Claudio Marino Moretti al pianoforte e il mezzosoprano Paola Gardina saranno protagonisti del concerto Chansons e Canzonette. Mercoledì 12 marzo l'Orchestra dell'Opera Carlo Felice e il solista al violino Simon Zhu (vincitore del 57° Premio Paganini) saranno diretti da Sir John Eliot Gardiner nel concerto Beethoveniano. Venerdì 14 marzo, nell'ambito della rassegna Genova nell'800, si terrà un concerto con una selezione di brani dal repertorio operistico italiano di Donizetti, Verdi e Puccini, interpreti il soprano Maria Agresta, il tenore Francesco Demuro, il baritono Gabriele Viviani e Michele D'Elia al pianoforte.

Un viaggio musicale nel tempo e nello spazio - Il gruppo ha proposto molti dei brani contenuti nel nuovo disco "The last frontier" oltre ai successi che hanno reso famosa la band nel mondo come "On the road again", "Galactica" e "Future woman".

Omaggio a Christian Le Bartz - Il gruppo ha dedicato uno spazio al cantante e frontman dei Rockets recentemente scomparso. Nato a Montreuil il 25 aprile 1951, ha vissuto dal 1973, tutta l’era d’oro dei Rockets e cioè dalla nascita della band fino al 1983. Poi Christian Le Bartz ha continuato a seguire i Rockets come road manager. 

Band leggendaria - I Rockets, storica band francese di rock spaziale ed elettronica, sono pronti a tornare con il nuovo album The Final Frontier. Questo lavoro segna un ritorno alle sonorità e ai temi interstellari che li hanno resi celebri in tutto il mondo.

Tour teatrale con effetti speciali - Il loro tour teatrale offre uno spettacolo avveniristico, immerso in atmosfere galattiche, arricchito da effetti speciali e spettacolari giochi di luci laser. Un'esperienza live che si preannuncia unica e indimenticabile.

Gli esordi - Giuseppe comincia a suonare la chitarra tardi, all’età di 16 anni, ma l’impatto che la musica ha avuto su di lui è stato immediato e profondo. I suoi primi riferimenti sono alcuni dei più grandi chitarristi di sempre: Pino Daniele, Eric Clapton, Mark Knopfler e Jimmy Page sono stati vere ispirazioni.

L’Incontro con Edoardo Bennato - La svolta nella sua carriera arriva nel 1997, quando incontra Edoardo Bennato. Giuseppe suonava nei club napoletani e lui si innamorò del suo Trio. All’inizio Bennato andava ad ascoltarlo di nascosto, poi un giorno si avvicinó e gli propose di partire in tour con lui. Da quel momento, Giuseppe ha fatto parte della band di Bennato portando la sua chitarra nei palchi di tutta Italia. La sua carriera dimostra che con passione e costanza, si può costruire un percorso solido nel mondo della musica e il suo talento e dedizione sono un esempio di questa filosofia.

Il mondo di Pirandello - Michele Placido, sia come attore che come autore, si confronta con l’opera di Luigi Pirandello in un inedito viaggio attraverso le sue opere e la sua visione del mondo. Il risultato è Trilogia di un visionario, uno spettacolo che intreccia tre testi del premio Nobel siciliano, combinandoli in una drammaturgia originale che svela nuove sfumature delle inquietudini e delle tensioni pirandelliane. In questa “Trilogia”, Placido unisce testi molto diversi tra loro, non solo per la loro struttura, racconto, monologo e frammenti di epistolario ma anche per il periodo in cui sono stati scritti.

Le opere oggetto dello spettacolo - Il primo elemento della Trilogia è Le Lettere a Marta, selezionate tra le oltre cinquecento missive inviate da Pirandello all’attrice Marta Abba tra il 1925 e il 1936. Questi frammenti rivelano la delicatezza, l’incertezza e l’emotività di un Pirandello intimo e vulnerabile, che si esprime in una corrispondenza personalissima. A seguire L’uomo dal fiore in bocca, il celebre atto unico del 1923 che esplora il flusso di coscienza di un uomo di fronte alla morte, un atto di riflessione amara e poetica sul senso della vita. Infine, La carriola, una novella del 1917, offre un’illuminante radiografia delle contraddizioni della vita, mescolando emozioni contrastanti e una lucida follia che spinge a riflettere sui paradossi dell’esistenza.

Pirandello ieri e oggi - Per questo progetto, Michele Placido si affida alla giovane dramaturga Giulia Bartolini, allieva dell’Accademia d’Arte Drammatica “Silvio D’Amico”, che contribuisce a dare nuova forma alla visione pirandelliana. Il progetto, prodotto da Goldenart Production, è anche un’occasione per mettere in luce i talenti emergenti del teatro italiano. Giulia Bartolini scrive: «La domanda che Pirandello ci pone è ancora oggi attuale: che cos’è l’Io e da quale punto di vista l’essere umano si colloca per definire il proprio tempo e spazio. Nel rispetto dell’autore, sono i personaggi e le loro dinamiche a trasformare la scena, portando improvvisamente le grandi questioni pirandelliane nel nostro presente.»

Michele Placido nasce ad Ascoli Satriano, in provincia di Foggia, come terzo di otto fratelli, tra cui gli attori Gerardo Amato e Donato Placido. Il padre Beniamino proviene da Rionero in Vulture, mentre la madre Maria Iazzetti è originaria di Ascoli Satriano. A 18 anni, dopo gli studi superiori, si trasferisce a Roma dove entra in Polizia e partecipa alla storica battaglia di Valle Giulia. La sua formazione teatrale lo porta a frequentare l’Accademia nazionale d’arte drammatica “Silvio D’Amico” e a imporsi nel panorama cinematografico italiano degli anni ’70, con ruoli in film come Romanzo popolare (1974) di Mario Monicelli e Marcia trionfale (1976) di Marco Bellocchio. Nel 1984, il ruolo di Corrado Cattani nella celebre miniserie La Piovra lo consacra al grande pubblico. Negli anni successivi, Michele alterna il cinema con la televisione, partecipando a film e serie di successo, tra cui Tre fratelli (1981) di Francesco Rosi e Mery per sempre (1989) di Marco Risi. Oltre alla recitazione, si distingue anche come regista, con esordi nel 1990 con Pummarò e successivamente con pellicole come Romanzo criminale (2005) e Vallanzasca - Gli angeli del male (2010).

Nel teatro, debutta nel 1998 con Un’aria di famiglia e in seguito si cimenta con il Don Giovanni di Mozart e con l’interpretazione dell’Otello di Shakespeare. Placido ha anche diretto importanti film per la TV, come Il sequestro Soffiantini (2001) e Aldo Moro - Il presidente (2008), e ha ricevuto numerosi premi per la sua carriera, tra cui il Premio Federico Fellini 8½ e il Premio Culturale MuMi per la regia di I Fatti di Fontamara.

Dal 2021, è presidente del Teatro Comunale di Ferrara. Nel 2024, Michele Placido ha ricevuto il prestigioso Premio alla carriera al Nuovo Imaie, durante l’81ª Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia.

Il confronto - In dialogo con il direttore del Secolo XIX Michele Brambilla, il gionalista e scrittore ha rievocato episodi e personaggi della Bibbia e quei temi attuali che fanno e faranno parte della nostra vita per sempre: l'amore, l'odio, la guerra e la pace: nella Bibbia c'è tutto, c'è la vita.

L'intervista - Aldo Cazzullo andrà in onda su Telenord a FocusCultura: venerdì 24 gennaio alle 12 e poi alle 14, 19.45 e 23; sabato 25 gennaio alle 11, 19.20 e 22.30.  

Il progetto che unisce - Ora, i due artisti, accompagnati dalla talentuosa violoncellista e compositrice Giovanna Famulari, si confrontano con un tema ancora più vasto e profondo: la Bibbia. Il nuovo progetto si propone di esplorare alcuni degli episodi e dei personaggi più noti dell’Antico Testamento, dalla Creazione alla distruzione di Sodoma e Gomorra, da Adamo ed Eva all’Arca di Noè, fino alle profezie di Isaia. Il racconto si intreccerà con le straordinarie testimonianze lasciate dalle opere d’arte nei secoli, che hanno tratto ispirazione da questi temi sacri.

Viaggio nella Bibbia - Con uno stile narrativo che mescola acume intellettuale e passione, Cazzullo e Ovadia intraprendono un viaggio che promette di svelare nuovi significati e angolazioni, stimolando il pubblico a riflettere su questo “bestseller” senza tempo, capace di attraversare culture, religioni e generazioni.

Lo spettacolo, della durata di 1 ora e 40 minuti, è un invito ad approfondire e riscoprire la Bibbia attraverso gli occhi di due protagonisti eccezionali, affiancati dalla musica che darà una nuova dimensione a questa esplorazione spirituale e culturale.

Lo spunto - L'attrice di origine marchigiana ha postato sui suoi canali social una breve storia dal titolo "Mi ricordo quando", registrata al Porto Antico: "Ero venuta a Genova tanti anni fa, avevo poco più di vent'anni, facevo "il Maestro e Margherita" di Bulgakov, uno spettacolo estivo. E mi ricordo quando venivo qui al Porto di Genova, bellissimo, per correre, per prepararmi perché era uno spettacolo dove serviva un po' di atleticità".

La scintilla - Il panorama del Bigo, dei Magazzini del cotone e della città raccolta attorno al suo storico cuore aveva stregato la giovane Mascino versione runner, al punto da far scattare la passione: "Per me Genova è stato un colpo di fulmine, come L’Avana: quanto assomiglia all’Avana... Le palme...", conclude nel finale della storia.

Lo spettacolo - "Amleto²" è andato in scena giovedì 2 e venerdì 3 gennaio al Teatro Nazionale, mentre sono previsti altri due appuntamenti per sabato 4 e domenica 5 gennaio. La tragedia shakespeariana viene rivisitata in "un travolgente elogio della follia", secondo la presentazione ufficiale, con tanti personaggi oltre all'Amleto-Timi: completano il cast infatti Marina Rocco, Elena Lietti, Gabriele Brunelli e naturalmente l'ormai genovese adottiva Lucia Mascino.

L'opera - "Lo schiaccianoci" è una "fiaba musicale" ispirata a un racconto di Hoffmann che Cajkovskij ha rivestito con una fra le più straordinarie partiture del suo repertorio: basta pensare al tema del valzer dei fiori, o alla variazione della fata confetto nella quale il suono argentino e delicato è prodotto da uno strumento nuovo per l'epoca, la celesta.

La rappresentazione - Lo spettacolo proposto al Carlo Felice (oggi sono previste ancora due recite, alle 15 e alle 20) è risultato nel complesso piacevole. Bella la scena di Vjaceslav Okunev che ha mantenuto lo sfarzo ottocentesco dell'ambientazione. E bravi alcuni solisti (in evidenza Elya Aslanyan, Marie e Mariam Garaiyan, la fata) per presenza e buona tecnica. Il corpo di ballo, molto giovane, si è mosso con freschezza denotando qualche ingenuità e un sincronismo non sempre inappuntabile.

L'esecuzione musicale - Sul podio dell'Orchestra del Carlo Felice Karen Durgaryan ha diretto con la preoccupazione consueta nelle esecuzioni ballettistiche di assecondare rigorosamente la compagnia: una lettura dunque a tratti alquanto rallentata e spesso un po' troppo "sonora", ma non priva di slanci lirici ben curati e apprezzabili. Bene, nel suo breve intervento, il coro di voci bianche diretto da Gino Tanasini.

Un Oliva pugile e attore ispirato, accanto all'attrice Rossella Pugliese, nel ruolo della mamma del boxeur. In platea, tanti giovani studenti, provenienti da diversi istituti scolastici genovesi: la connessione tra gli interpreti e il pubblico adolescente si fa sempre più palpabile, fino ai meritati applausi conclusivi.

Pubblico giovane - Il programma dell'evento vedrà l’esibizione del campione olimpico di pugilato a cui farà seguito un dibattito: assieme al pugile-attore, saranno coinvolti la giornalista Raffaella Palumbo, il manager Maurizio Marino e l'attrice Rossella Pugliese, che interpreta il ruolo della mamma di Oliva nello spettacolo. Tra il pubblico saranno presenti gli alunni provenienti da alcuni istituti scolastici del capoluogo ligure.

Educare e sensibilizzare -  “L’obiettivo di questi incontri-spettacolo e del conseguente dibattito è il contrasto dei comportamenti di violenza verbale, fisica e psicologica, il cosiddetto bullismo giovanile – spiega l’organizzatore Maurizio Marino - con la sensibilizzazione, l'educazione e la promozione di un ambiente scolastico sicuro e accogliente, attraverso il racconto dello Sport e di un modello sportivo esemplare quale Patrizio Oliva, campione olimpico e mondiale di pugilato”.

L'approccio del campione - “È uno spettacolo che nasce rivolto ai giovani – aggiunge Patrizio Oliva - Permette di far capire che si possono coronare i propri sogni e avere risultati anche se si proviene da contesti difficili come il mio. Molti ragazzi oggi si sentono avviliti perché non vedono possibilità, ma con la mia storia dimostro che, pur venendo dalle macerie della vita, si possono conquistare risultati, rifiutando anche il richiamo della malavita. All’epoca non avevo neanche i soldi per acquistare il biglietto dell’autobus e facevo ogni giorno quindici chilometri per allenarmi e realizzare il mio sogno. È la dimostrazione che per raggiungere il successo non ci sono scorciatoie ma solo lavoro, fatica e sudore, a differenza di quanto ai giovani traspare frequentando il mondo dei social. Le scorciatoie sono pericolose e avvicinano alla criminalità, mondo dal quale una volta entrati non si può uscire”.

Contenitore - "È un'idea che nasce prendendo spunto da un'esperienza che noi abbiamo già avviato da alcuni anni di attività peer to peer che vede protagonisti i giovani del liceo musicale Pertini - racconta il professor Alberto Macrì, vicepresidente dell'associazione - Hanno presentato opere e partecipato all'attività di carattere divulgativo rivolta ad altri coetanei. E abbiamo deciso nel corso del tempo di creare un contenitore, all'interno del quale potesse confluire questa questa attività che è il punto di partenza, poi, per ulteriori attività di carattere divulgativo, ma anche di eventi che vedranno però protagonisti principalmente i giovani. Vogliamo che il focus di tutta questa attività dell'associazione sia principalmente gli studenti".

Patrimonio - "Una bellissima iniziativa - ha esordito il vicesindaco Pietro Piciocchi - Oggi celebriamo la nascita di questa associazione che lavorerà con il teatro e con il Liceo Pertini per divulgare la conoscenza della musica. Questo immenso patrimonio anche per la nostra città, sappiamo benissimo, ha dato tantissimo e noi abbiamo bisogno di condividerlo sempre di più, di entusiasmare i giovani e di vedere questo teatro sempre più pieno di giovani".

Peer to peer - "I protagonisti sono dei ragazzi che hanno seguito nel corso di questi anni le attività del nostro teatro" Così Claudio Orazi, sovrintendente del Teatro Carlo Felice. "Con intensità hanno preparato a scuola e anche in incontri peer to peer tutte le opere di concerti che abbiamo ottenuto. Ora la mano passa loro. Sono certo che saranno protagonisti del miglior futuro per la nostra città e per il nostro teatro".

Messaggio di pace - "Vedo negli occhi di questi ragazzi una curiosità che ci dà da sperare" dice il presidente della neonata associazione, il musicattore Luigi Maio. "Non si tratta di ragazzi omologati dagli elettrodomestici, dai cellulari e da quanto di di più massificato oggi possiamo trovare in essi. No, sono ragazzi trasgressivi perché sono attratti da ciò che rappresenta il fondamento della nostra società perché noi viviamo in questa società perché ci muoviamo ci comportiamo e parliamo in una certa maniera perché ci sono delle radici e bisogna conoscerle se non conosciamo queste radici, le guerre saranno sempre dietro l'angolo".

Solisti: Pretty Yende (Magda), Deanna Breiwick (Lisette), Charles Castronovo (Ruggero), Juan Francisco Gatell (Prunier), Roberto De Candia (Rambaldo), Marta Pluda (Bianca), Valentina Corò (Suzy), Aleksandrina Mihaylova (Yvette), Przemyslaw Baranek (Périchaud / Rabonnier), Vincenzo Di Nocera (Gobin), Stefano Arnaudo (Crébillon /Un maggiordomo), Chiara Iaia (Georgette), Rossella Antonacci (Gabriella), Federica Spatola (Lolette), Pasquale Ferraro (Adolfo / Studente / Un giovane), Galia Bakalov (Un cantante).

Dichiara il Sovrintendente: «L’invito dell’Orchestra dell’Opera Carlo Felice all’Opéra de Monte-Carlo è motivo di grande orgoglio per la Fondazione, che continua a perseguire un progetto di internazionalizzazione sempre più esteso e a consolidare il rapporto con prestigiose Istituzioni, nella condivisione di valori culturali e artistici che vedono le  nostre maestranze in primo piano. L’esecuzione de La rondine di Puccini in occasione del centenario della morte del compositore si pone inoltre in continuità con le rappresentazioni di Madama Butterfly e La bohème che la Fondazione ha proposto al proprio pubblico con un caloroso riscontro nei i mesi di gennaio e aprile 2024, a celebrare uno dei più importanti nomi della storia dell’opera italiana».

Tindaro ci presenta il frutto di due anni di lavoro, di racconti, di confessioni e condivisioni con le detenute del carcere di Messina, la sua città natale. Un percorso teatrale ma soprattutto umano, che ci arriva come una tempesta di coscienza. Due anni di lavoro in cui la consapevolezza di sé e della propria parte femminile sono essenziali per tirare fuori la voce.

Smettere di sognare significa rinunciare a una parte di sé. -Vorrei una voce- è dedicato a chi deve trovare la forza di ricominciare a sognare.

Lo spettacolo tornerà a Genova il 25 ottobre al Teatro dell’Arca, dopo una serie di prove con i detenuti di Marassi. Il teatro diventa un ponte con il mondo esterno, un ponte che offre uno spazio di espressione creativa, aiutando a sviluppare empatia, consapevolezza e capacità relazionali.

E in quel ponte sospeso tra libertà negate e sogni ritrovati, il teatro diventa voce di chi non può più gridare, di chi cerca una via per ricordare a se stesso la propria essenza.

-Vorrei una voce- è un viaggio nell’animo, un’eco che si alza contro il silenzio, trasformando la sofferenza in forza, il buio in consapevolezza. Ogni battito di scena, ogni nota di Mina, si intreccia ai battiti dei cuori di queste donne, restituendo loro la speranza di esistere, ancora una volta, al di là delle sbarre.

L’evento, nasce per condividere con la città di Genova i frutti dell’incontro internazionale “Imaginer la Paix” che si è appena concluso a Parigi e nel quale "l'Onu di Trastevere" ha riunito leader di tutte le fedi insieme a politici e uomini di cultura per non rassegnarsi passivamente all’estendersi dei conflitti armati, ma tracciare strade nuove per costruire una civiltà del vivere insieme: a tutti i partecipanti è stata consegnata una copia dell’appello di pace firmato a Parigi dai capi delle comunità religiose.

L’orchestra dell’Opera Carlo Felice, diretta da Donato Renzetti e le attrici Lisa Galantini e Barbara Moselli hanno letto testi di Eschilo, Karl Kraus, papa Francesco, san Francesco d’Assisi, san Bonaventura da Bagnoregio, Mario Luzi e Jon Fosse (Premio Nobel 2023 per la Letteratura), accompagnate dalle musiche di Ludwig van Beethoven, Giuseppe Verdi e Charles Ives.

"Se si avesse la fantasia – è uno dei passi di Karl Kraus, poligrafo israelita viennese autore tra le altre opere de "Gli ultimi giorni dell'umanità", a suo tempo messo in scena al Lingotto di Torino da Luca Ronconi,  letti durante la serata – si potrebbero immaginare anche gli orrori più inimmaginabili e si saprebbe in partenza come si fa presto a passare dalla bella frase luminosa e da tutte le bandiere dell’entusiasmo al dolore in uniforme".

Il sindaco della Spezia Pierluigi Peracchini dichiara: “I lavori di restyling dell’interno del Teatro Civico sono in conclusione e noi siamo già pronti per riaccogliere il pubblico con un programma di inaugurazione di alto livello per tutte le età, che anticipano l’inizio della stagione teatrale. Un luogo storico, che presto sarà riconosciuto ufficialmente come Monumento Nazionale, e per il quale in questi anni abbiamo portato avanti una riqualificazione senza precedenti: un primo lotto concluso l’anno scorso con nuovi infissi per l’efficientamento energetico ed un secondo lotto, che completiamo in questi giorni, e che ha visto la sostituzione delle poltrone che saranno più comode e accoglienti, nuovi tendaggi ed arredi che doneranno al teatro un aspetto unico, accattivante, degno del ruolo centrale che ricopre nella nostra città. Il Teatro Civico è un simbolo della Spezia che stiamo valorizzando con questo intervento e portando ogni anno un cartellone di spettacoli che ogni stagione stupisce e sorprende sempre di più, e si unisce al grande progetto di investimenti nel settore della cultura che comprende tutte le strutture, come il Camec, che sarà inaugurato il 5 ottobre, il Museo Lia, con il rifacimento della facciata e mostre internazionali, la Mediateca, oggetto di un recente restyling e molti altre”.

“Dopo tanti anni il Teatro Civico, centro emanatore di cultura fondamentale per La Spezia, indossa un vestito nuovo in vista di una stagione di spettacoli ricca di grandi nomi e spettacoli per tutti i gusti”, afferma il direttore artistico Alessandro Maggi - Un momento che merita l’attenzione di una comunità, per festeggiare con una serie di eventi di inaugurazione una gioiosa riapertura in un teatro rinnovato e più accogliente”.

Il nuovo sipario si aprirà domenica 3 novembre alle 21 con Eravamo quasi in cielo di Gianfelice Facchetti, figlio di Giacinto, indimenticato campione dell’Inter e capitano della Nazionale Italiana di calcio, che racconta la storia dello scudetto vinto dallo Spezia nel 1944. Si prosegue martedì 5 novembre (ore 21) con Pierino e il lupo, condotto da Dario Vergassola e con l’Orchestra Sinfonica di Sanremo diretta dal Maestro Giancarlo De Lorenzo. Giovedì 7 novembre (ore 21) chiusura con il premio Oscar Nicola Piovani, pianista, compositore e direttore d’orchestra di fama nazionale e internazionale, che porterà sul palco del Teatro Civico Note a margine. Si tratta di un racconto musicale narrato da Piovani con l'aiuto di quattro strumenti che agiscono in scena.

In sei episodi, che verranno rilasciati ogni lunedì e giovedì fino al 17 ottobre, Alloisio racconta con 13 canzoni e 12 monologhi teatrali della sua periferia, degli scout, del primo amore, degli anarchici, di Fabrizio De André, di Guccini, del Signor G, di Sandro Luporini, di Sabrina Salerno, di Totò, di Marcello Lippi, dei cavalieri Templari, del numero 3.14, di un dolore grande, di Jean Gabin, del custode dell'Hotel Doria, dell'Apocalisse e di un "ragionevole linguaggio dell'aldilà".

"Tutto il materiale musicale e teatrale è inedito - spiega l'autore - tranne un omaggio all'amico Giorgio Gaber e un altro alla mia sorellina Roberta, cantante etnica prematuramente scomparsa nel 2017".

La serata è stata anche l’occasione per raccontare il programma ottobre – dicembre 2024 e per brindare alla nuova stagione.

Grande entusiasmo di Emanuele Conte, regista, scenografo, presidente della Fondazione Luzzati -

Teatro della Tosse: "La Sala Trionfo credo che sia la più bella della città. Il prossimo anno il nostro teatro festeggerà 50 anni!".

Il programma musicale si apre con la prima esecuzione assoluta della nuova edizione del Concertino per arpa e orchestra di Mario Castelnuovo-Tedesco, compositore fiorentino emigrato negli Stati Uniti nel 1939 a causa delle leggi razziali e voce unica nel panorama italiano del Novecento. Sarà presente al concerto Diana Castelnuovo-Tedesco, nipote del compositore da anni impegnata in una preziosa attività di catalogazione, divulgazione e promozione del suo vasto catalogo musicale (che spazia dalla musica per strumento solo, alla cameristica, al teatro musicale e alla musica per cinema). Il programma prosegue con Deità silvane di Ottorino Respighi, cinque liriche per soprano e piccola orchestra su testi di Antonio Rubino (disegnatore sanremese di cui quest’anno si celebra il sessantesimo anniversario della morte) eseguite per la prima volta con questo organico alla Aeolian Hall di New York nel 1926. In chiusura, la celebre Sinfonia n. 4 Italiana di Felix Mendelssohn. Mario Castelnuovo-Tedesco e Ottorino Respighi rappresentano a pieno quel legame musicale tra Italia e Stati Uniti che il progetto A Bridge of Music mette in luce e che vede nel proprio epigono Lorenzo Da Ponte. Entrambi i compositori furono particolarmente attivi negli USA, dove diverse prime assolute di loro lavori vennero calorosamente accolte dal pubblico e dalla critica (ne sono esempio i successi del Concerto n. 2 per pianoforte e orchestra di Castelnuovo-Tedesco e di Maria Egiziaca e Vetrate di chiesa di Respighi).

A Bridge of Music è un progetto culturale internazionale ideato dal Sovrintendente Claudio Orazi nel 2016 con lo scopo di valorizzare la musica quale volano della diplomazia culturale tra l’Italia e gli Stati Uniti. Nel 2025 ricorrerà il bicentenario dell’esecuzione della prima opera lirica italiana degli Stati Uniti (Il barbiere di Siviglia, novembre 1825). In vista delle celebrazioni per tale significativo appuntamento e dopo il successo della programmazione dedicata del 2023, l’Opera Carlo Felice propone una tournée 2024 che si inaugura a Genova con il concerto diretto da Davide Massiglia, per proseguire attraverso un ponte ideale fino a New York, dove Donato Renzetti – direttore emerito del Teatro –, l’Orchestra dell’Opera Carlo Felice e il violinista Giuseppe Gibboni (vincitore del 56° Premio Paganini) saranno protagonisti di un concerto in doppia data (martedì 8 e mercoledì 9 ottobre alle ore 20.00 alla Saint Patrick’s Old Cathedral) dedicato a Lorenzo Da Ponte e a Niccolò Paganini con musiche di Mozart e Paganini.

La tournée si avvale del supporto di Italea, Ministero degli Affari Esteri, Unione Europea NextGenerationEU, Ministero della Cultura, Comune di Genova, Regione Liguria, Fondazione Corriere della Sera, inLiguria - Agenzia Regionale per la Promozione Turistica, Columbia University, Premio Paganini, Lorenzo Da Ponte Institute, National Italian American Foundation, Comune di New York, Saint Patrick’s Old Cathedral, Friends of the Erben Organ, Italian American Museum, Little Italy Merchants Association e Mulberry Street Partnership.

I The Skatalites arrivano quindi a Genova nell’ambito del proprio tour mondiale che, dopo aver toccato Regno Unito (con Barrington Levy), Francia, Spagna Germania e Olanda, prosegue negli Stati Uniti. Attivi da quasi sessant’anni, la “all star band” ska ha cambiato diverse volte la formazione, innovando sempre la propria produzione artistica e preservando la cultura e la tradizione della musica giamaicana, mettendo in scena live incessanti in tutto il mondo.

A esibirsi al Csoa Pinelli pionieri del genere come Val Douglas al basso, Vin Gordon (aka Don Drummond Jr) al trombone e the Mighty Larry McDonald alle percussioni e lead vocal, accompagnati dai musicisti di sempre come Natty Frenchy alla chitarra, Ken Stewart alle tastiere e Sparrow Thompson alla batteria, con Anant Pradhan al tenor and alto sax e il Okiel McIntyre alla tromba. Aprono il concerto i Groove Yard Sound.

Fondati nel 1964, i The Skatalites hanno contribuito a creare il genere musicale popolare giamaicano dello ska, che successivamente si è sviluppato includendo vari sottogeneri come il rocksteady, il reggae, il 2tone, il third wave, lo jska-azz, lo ska-ounk, il ragga e il dub. Con un ricco repertorio strumentale e una storia impressionante come band di supporto per molti cantanti giamaicani degli anni Sessanta (tra cui Bob Marley, Peter Tosh, Bunny Wailer, Toots and The Maytals, Ken Boothe, Stranger Cole e Alton Ellis), i The Skatalites hanno aperto la strada a innumerevoli band che suonano derivati dello ska o del reggae, come The Specials, The Police, Hepcat, No Doubt, Sublime e Slightly Stoopid.

La Rita andrà in scena da giovedì 18 a domenica 28 maggio, mentre Don Pasquale rimarrà in cartellone dal 6 all'11 di giugno.

Dopo il debutto al Teatro Greco di Siracusa nelle stagioni 2021 e 2022 la trilogia tragica di Eschilo, - unica nel teatro greco ad esserci pervenuta integralmente, composta di Agamennone e Coefore-Eumenidi, andrà in scena a Genova tra il 14 e il 25 marzo. Nelle giornate del 19 e 25 aprile, inoltre, i due drammi verranno rappresentati in modo consecutivo, in una performance di oltre 4 ore e mezza. Come tutti i classici, un racconto sempre attuale che dopo 2500 anni ci parla dei conflitti inossidabili e irrimovibili tra il diritto positivo e quello di natura. Giustizia e vendetta, maschile e femminile, la civiltà e lo sfaldamento dei ruoli sociali i temi attorno a cui ruotano questi capolavori sacrali, che sono alla base della filosofia etica occidentale.

Un’altra novità del 2023 il contest lanciato sui canali social della Baistrocchi “Diventa anche tu protagonista della Bai” in cui si invita il pubblico a girare un breve video di auguri per i 110 anni. Per i tre migliori autori del video: biglietto omaggio, partecipazione sul palco per il gran finale con un regalo da parte dello sponsor. Durante il mese di messa in scena, sul maxischermo del Palazzo della Regione in piazza de Ferrari verranno trasmessi dei video con le date degli spettacoli della Baistrocchi, che anche quest'anno ha ottenuto il patrocinio della Regione Liguria e del Comune di Genova.

«I 110 anni della Compagnia goliardica Baistrocchi sono un compleanno bello e importante – dichiara il presidente di Regione Liguria e assessore regionale alla Cultura Giovanni Toti – anche portati bene se vediamo l’allegria e la vitalità di questo gruppo che ha saputo fare dell’ironia e dell’autoironia la spina dorsale di un’esperienza che dura da oltre un secolo. Sono felice che questa ricorrenza venga celebrata con uno spettacolo di cui peraltro la Baistrocchi è maestra, e penso che un po’ di umorismo e risate dopo anni complicati per il Paese e per la nostra regione non guastino».

«Voglio fare i miei complimenti alla Compagnia Goliardica Mario Baistrocchi per il grande traguardo raggiunto - dichiara il sindaco di Genova Marco Bucci - In questi 110 anni hanno fatto divertire migliaia di genovesi spettacolo dopo spettacolo. La Baistrocchi è e sarà sempre uno dei punti di riferimento del panorama teatrale della nostra città. Tanti auguri e buon lavoro a tutti voi!».

«Sono entrato in questo gruppo per la prima volta nel 1982, in occasione del 70°anniversario e da allora non ho perso un decennale, li ho fatti tutti sino a questo 110° compleanno - dice Osvaldo Olivari, presidente della Compagnia Baistrocchi - tutti gli anni dico sempre che è la mia ultima Bai ma poi non riesco a smettere».

Il Teatro produce lo spettacolo "Ascolta come mi batte forte il tuo cuore", tratto dalla poesia da premio, con Maddalena Crippa (prima nazionale il 27 marzo al Teatro Vittoria di Roma, poi in tour) e la mostra "La gioia di vivere", esposta dal 15 giugno al 3 settembre al Museo d'arte contemporanea "Villa Croce" di Genova, e poi in tour, entrambi ideati da Sergio Maifredi.

"Il nostro errore fu quello di pensare che il popolo di Goethe e di Schiller mai avrebbe potuto credere a Hitler": questa una delle frasi più lapidarie dell'ingegnere austriaco, dal quale nello spettacolo si attinge direttamente per quanto concerne i suoi scritti e le sue memorie. Gallione racconta l'incredibile storia di quest'ebreo che, sopravvissuto a cinque lager nazisti, dedicò il resto della sua esistenza a dare la caccia ai responsabili dell'Olocausto. La scenografia curata da Guido Fiorato presenta uno spazio affollato da pile di schedari, che archiviano 22.500 nomi di SS, e si ispira al Centro di documentazione ebraica fondato da Simon Wiesenthal a Vienna, mentre il fondale è invece una collezione macabra di occhi che fissano il tutto impotenti.

Nel 2003, nel giorno del suo addio al lavoro, il cacciatore di nazisti si rivolge al pubblico, ripercorrendo gli episodi emblematici di ben 58 anni trascorsi a inseguire coloro che pianificarono la morte di più di 11 milioni di persone, tra cui 6 milioni di ebrei. L'ex prigioniero numero 127371, scomparso nel 2005, è riuscito a consegnare alla giustizia in quasi 6 decenni circa 1.100 criminali nazisti. Il testo è una narrazione dura e forte della barbarie nazista: Girone, esperto attore nato ad Asmara nel 1948, alterna le sue riflessioni a letture di lettere e documenti, da Anna Frank alla giovane cronista di Vilnius le cui ultime parole affidate a un diario chiudono lo spettacolo: "Non dimenticatemi mai. Mi fido di voi". Accompagnato da una colonna sonora di Paolo Silvestri, lo spettacolo è non soltanto una drammatica e coinvolgente riflessione storica su uno dei momenti più tragici della storia dell'umanità, ma anche un invito a non abbassare la guardia e a vegliare sugli allarmanti segnali di risveglio di un neonazismo mai davvero debellato totalmente nel Vecchio Continente.

Grounded pone al centro della scena una pilota dell'aviazione statunitense, orgogliosa Top Gun e macchina da guerra indistruttibile al comando del suo F16. Ma una sera conosce un uomo, con cui instaura una relazione, e di cui alla fine rimane incinta. È così costretta ad abbandonare il blu del cielo e dopo la maternità viene destinata a terra a pilotare i droni. Il tema è dunque un argomento già affrontato in teatro: il bivio di fronte al quale si trova inevitabilmente una donna quando deve dividersi fra le sue aspirazioni professionali e il ruolo di madre. Qui a rendere il tutto più originale c'è un mestiere non usuale, che fa sì che la forzata convivenza fra le due "anime" della donna, finirà con il far "vivere" alla donna stessa in maniera del tutto diversa la sua "vocazione" alla guerra, con un finale decisamente forte.

Provato inizialmente durante la pandemia, a teatro chiuso, "Grounded" andato poi in scena davanti al pubblico lo scorso inverno, ottenendo un grande successo. La motivazione del premio a Linda Gennari recita così: "Autorevolezza recitativa e straordinaria presenza scenica in uno spettacolo, preparato, sospeso e rappresentato nel periodo della pandemia, dalle varie e severe esigenze interpretative. La prova è di accattivante intensità ritmica e d'impressionante tenuta psicofisica. Prodezze vocali e mimiche, nel corso dell'estenuante rappresentazione, colpiscono per profondità d'autoanalisi, nell'assillo e nell'emozione di domande intelligenti e terribili sulla propria vocazione, sull'amore umano e sulla guerra".

Lo spettacolo, emotivamente di grande impatto, parte dal "Filottete" di Sofocle per ricordare le storie degli antifascisti deportati nelle isole del confino, come Lemnos, dal 1946 al 1974. La regista da alcuni anni lavora sulla Grecia e il mito, incrociando passato e presente e rileggendo la storia attraverso una forte tensione etica. Il lavoro è interamente basato sulla parola, con il racconto in greco della protagonista che riempie i vuoti e scopre un mondo lontano e vicino con una lucidità e un impatto drammatico ineludibile. Il palcoscenico è spoglio, ha qualche seggiola e un pianoforte, ed è calato in una semioscurità rotta soltanto dal taglio di luci laterali che da una parte illuminano di tanto in tanto un personaggio ma dall'altra nascondono gli altri.

Sullo sfondo la proiezione di un'isola greca deserta, il luogo di Filottete ma anche degli esiliati del XX secolo. In questa desolazione, gli spazi sono riempiti dalle parole pesanti di Filottete, dai lamenti di Neottolemo la cui onestà gli impedisce di ingannare il vecchio amico di suo padre, e dalle false argomentazioni di Ulisse. Alla fine dello spettacolo Sarantopoulou, partendo dal dramma dei deportati greci, invita il pubblico a riflettere sulla continuità che queste tragedie hanno nella storia dell'umanità, soffermandosi anche sulla stretta attualità.

La regista ha dichiarato: "Lemnos è un'isola. L'isola del confino, dell'esclusione. Il luogo dove sopravvivere è il sogno più impossibile. Ma è anche il solo posto in cui Filottete, dal margine, legge chiaramente il passato e riconosce da dove viene. Lemnos è un viaggio sulla tragedia che abitò alcune isole di confino greche creando, anche dopo la Seconda guerra mondiale, veri campi di concentramento in Europa, nel mar Egeo, per chi non rinnegava il proprio antifascismo. Un'epica della crudeltà, di cui non si conosce nulla." 

La regia è stata affidata a Davide Livermore, direttore del Nazionale, che con un attento e illuminato lavoro ha presentato il testo di Schiller (tradotto da Carlo Sciaccaluga) ambientando lo scontro fra le due grandi regine in un tempo sospeso, utilizzando un impianto scenico (firmato da Lorenzo Russo Rainaldi) essenziale e efficace nella sua imponente durezza.  Il quadro storico è stato superbo, grazie anche all'aiuto di Mario Conte alla elettronica e di Giua (bellissima voce e chitarra), che hanno permesso di ottenere una partitura musicale che ha scandito il tempo dell'azione ora con momenti di lirica morbidezza (le atmosfere ispirate al Cinquecento e Seicento inglese) ora con un rock duro e aggressivo a incorniciare, ad esempio nel grande scontro fra Maria Stuarda e Elisabetta, i passaggi più tragici e violenti.

Il cast si è mosso con una precisione e una compattezza ammirevole. Livermore si è inoltre inventato il gioco delle parti, affidando alle protagoniste Laura Marinoni e Elisabetta Pozzi entrambi i ruoli principali da attribuirsi sera dopo sera, su base aleatoria. Lo spettacolo si sviluppa in questo modo: un prologo a imitazione del teatro barocco in cui un angelo fa cadere verso le due attrici una piuma che indicherà quale delle due vestirà i panni di Maria (ieri sera è toccato a Marinoni) e quale quelli di Elisabetta (entrambi di Dolce & Gabbana, mentre gli altri sono di Anna Missaglia). Al di là del 'gioco', Marinoni e Pozzi hanno dimostrato di essere fuoriclasse dando vita a uno scontro di rara potenza drammatica. Ineccepibili anche gli altri attori, cinque artisti che hanno dovuto dividersi fra numerosi personaggi, tutti risolti con bravura: Gaia Aprea, Linda Gennari, Giancarlo Judica Cordiglia, Olivia Manescalchi e Sax Nicosia. 

Alla conferenza stampa tenuta dallo staff del Genovese (la direttrice generale Claudia Scerni e il direttore artistico Danilo Staiti) sono intervenute l'assessore regionale Ilaria Cavo e l'assessore comunale Lorenza Rosso.
Il Genovese conferma anche in questa stagione la sua vocazione a un intrattenimento leggero declinato nelle diverse forme possibili e in stretto rapporto con artisti di sicuro richiamo: oltre al citato Pintus, arriveranno, ad esempio, Ale e Franz ("Atti scenici in luogo pubblico", 11-12 novembre), Maurizio Lastrico (2-4 gennaio con il 31 dicembre fuori abbonamento), Vanessa Incontrada ("Scusa sono in riunione, ti posso richiamare?", 10-12-gennaio), Elio (dedicato a Jannacci, 21 gennaio), Sabina Guzzanti ("Le verdi colline dell'Africa", 25 gennaio), e, ancora, Enrico Bertolino (15 febbraio), Gioele Dix (2 marzo), Veronica Pivetti (3-4 marzo), Antonio Ornano (17-18 marzo). Nutrita la sezione musical con titoli ormai storici come "Mamma mia" (23-27 novembre) accanto a curiose novità come "Pretty woman" (dal celebre film con Julia Roberts e Richard Gere, 15-17 dicembre), "Casanova Opera pop" (musiche di Red Canzian, 27-28 gennaio) e "Legally Blonde, la Rivincita delle Bionde" (24-25 febbraio). Nella sezione commedie, da seguire, "Il malato immaginario" di Moliere con Emilio Solfrizzi e Lisa Galantini (19-20 gennaio). Infine la sezione danza che proporrà il classico e il moderno: fra i vari appuntamenti da segnalare "Notre-Dame de Paris" con il Balletto di Milano (15 novembre), la Parsons Dance (29 novembre) e "Kataklò Athletic Dance Theatre" (16 marzo).

"Quest'anno - ha dichiarato Conte - abbandoniamo la confortevole e sicura eleganza del giardino all'italiana per addentrarci nel folto del bosco che circonda la villa per decine di ettari. Riporteremo William Shakespeare proprio nel mondo da dove vengono tanti dei suoi personaggi; fra alberi, cascate, grotte e camminamenti oscuri, sorprenderemo l'immenso Fastaff, benfornito di corna di cervo, in attesa di due dame misteriose, le streghe di Macbeth intente a celebrare i loro riti spaventosi, Ofelia oppure il suo fantasma, librarsi sulle acque delle carpe centenarie, un Puck, forse due Puck, forse cento Puck a farci da guida nel buio e dispettosamente sparire per lasciarci da soli con la notte e il bosco".

"Shakespeare by night" andrà in scena dal 5 al 24 luglio: a partire dalle ore 20 con ingresso ogni 15 minuti. I testi sono dello stesso Conte con la collaborazione di Amedeo Romeo. Fra gli attori, Alessandro Bergallo, Enrico Campanati, Pietro Fabbri, Rita Falcone, Susanna Gozzetti, Edda Marrone, Mariella Speranza. Importante novità sarà "Shakespeare on the rocks", il nuovo servizio di ristorazione e bar che darà la possibilità di un aperitivo o di una cena nello splendido giardino all'italiana della Villa. L'estate della Tosse non si fermerà a Voltri. Dal 5 al 15 agosto riprenderà infatti, dopo due lunghi anni di assenza, la collaborazione ultratrentennale con il Comune di Apricale dove il Teatro genovese tornerà mettendo in scena, nell'ambito della rassegna "E le stelle stanno a guardare" "Un Flauto Magico", lo spettacolo omaggio ad Emanuele Luzzati (cittadino onorario del borgo imperiese) realizzato lo scorso anno in occasione del centenario della sua nascita. La regia sarà di Emanuele Conte, le scene di Luzzati riprese da Conte.

"Prima nel bosco della Villa Duchessa di Galliera a Genova con Shakespeare poi nel borgo di Apricale nell'imperiese con Luzzati - ha dichiarato l'assessore regionale alla cultura Ilaria Cavo - La stagione estiva del Teatro della Tosse vive negli spazi pubblici come nella sua tradizione: con la produzione artistica diventa stimolo per la valorizzazione dei luoghi e la loro attrattività turistica".

La programmazione è realizzata con il sostegno del ministero della cultura, della Regione Liguria, del Comune di Genova e della Fondazione Compagnia di San Paolo.

"Quest’anno - prosegue Derba - la rassegna ha un valore ancora più importante per noi, perché grazie al Patto di collaborazione con il Comune di Genova, quattro associazioni si sono unite per far rivivere il Forte e valorizzare i suoi spazi, creando una vera e propria rete: la Rete Forte Santa Tecla, di cui fanno parte Associvile, Gruppo Radio Liguria, I Conviviali e Agesci Genova 3. Negli anni, grazie al lavoro di tanti volontari, il Forte di Santa Tecla ha visto un’intensa manutenzione volta a riqualificare la struttura; è un vero gioiello sulle colline del quartiere di San Fruttuoso, dal quale si gode di un panorama unico sulla città e si possono osservare molti altri forti genovesi. Con la rassegna “Al Forte al Tramonto”, una delle principali iniziative estive delle Rete, vogliamo invitare i cittadini a godersi spettacoli e concerti in un luogo magico, per molti ancora inedito".

La IV edizione della rassegna “Al Forte al Tramonto”, al Forte di Santa Tecla, si apre venerdì 1° luglio con lo spettacolo itinerante “Due gocce di Noir”, scritto da Maria Grazia Tirasso e diretto da Iula Rossetti. La commedia noir andrà in scena per tutto il weekend, per il fine settimana successivo e tornerà in programma a settembre. “Due gocce di Noir” è uno spettacolo giallo e al tempo stesso surreale e divertente.  Il testo è ambientato ai giorni nostri e tutta la storia si svolge proprio al forte, dove ha sede un’azienda di profumi e dove una carrellata di bizzarri personaggi portano in scena una trama intricata e divertente. Le scene, curate da Paolo Derba e Giampaolo Campanella con il contributo di Enrico Musenich, si inseriscono con prudenza nel contesto settecentesco, andando a creare ora uno studio ora un laboratorio chimico; i costumi, scrupolosamente “cuciti” su ogni personaggio, sono di Laura Iadeluca.

La rappresentazione teatrale, in modalità itinerante, attraverserà gran parte del forte, creando per gli spettatori uno “spettacolo nello spettacolo”: «Attraverso sette soste/scene, si andrà a comporre un itinerario mozzafiato all’interno del Forte Santa Tecla di Genova, per offrire allo spettatore la fruibilità della magia teatrale e la godibilità delle soluzioni architettoniche del Forte nonché siti di veduta sulla città, assolutamente singolari e spettacolari». – afferma la regista Iula Rossetti. “Due gocce di Noir” va in scena da venerdì 1 a domenica 3 luglio, replica da venerdì 8 a domenica 10 luglio. In ogni giornata, dalle ore 18.30, è prevista la partenza di un gruppo di spettatori (massimo 40 persone) ogni 30 minuti, ultimo gruppo ore 20.30. “Due gocce di Noir” replica a settembre da venerdì 2 a domenica 4 dalle ore 18.30. È prevista la partenza di un gruppo di spettatori (massimo 40 persone) ogni 30 minuti. Ultimo gruppo ore 19.30.

Il secondo appuntamento della rassegna “Al Forte al Tramonto” è in programma mercoledì 3 agosto, alle ore 19.30, con Marco Rinaldi in “Eroi Superbi”. Uno spettacolo in cui il comico, membro del duo Soggetti Smarriti e del collettivo Bruciabaracche, veste i panni di alcuni grandi protagonisti genovesi e li racconta in “zenéise”. Uno show divertente e adatto a ogni tipo di pubblico, in cui Rinaldi unisce le sue due grandi passioni: il cabaret e il teatro di narrazione. Nello spettacolo, si parlerà di Guglielmo Embriaco, nobile genovese che troviamo nella storia di Genova e in quella dell'Oriente latino nel 1099, al momento della partecipazione navale dei Genovesi alla prima crociata, Cristoforo Colombo, che deve la sua fama alla scoperta del continente americano, e Niccolò Paganini, il violinista del diavolo, virtuoso di fama leggendaria, primo violinista al mondo a soli 31 anni. I racconti dello spettacolo “Eroi Superbi” fanno parte dell’omonimo libro del comico genovese.

Chiude la rassegna, sabato 17 settembre alle ore 18.30, lo spettacolo concerto della Camerata Musicale Ligure “Viaggio in Italia”, un omaggio all’opera, al cinema italiano e alla canzone d’autore. Nella prima parte del concerto, verranno celebrati Nicolò Paganini con “Sonate per violino e chitarra” e Gioacchino Rossini con Sinfonia dall’opera “La Gazza Ladra” nella versione originale dell’epoca di Ferdinando Carulli; a seguire, la Camerata Musicale Ligure terrà un omaggio al cinema italiano, con musiche del compositore Nino Rota, e alla musica da Oscar di Ennio Morricone. A chiudere il concerto un omaggio alla canzone d’autore “in viaggio da Napoli, Genova e New York”, da Frank Sinatra a Fabrizio De André.    

I biglietti per ciascun spettacolo costano 12 euro e sono acquistabili su www.happyticket.it oppure al forte la sera stessa dell’evento. I posti sono limitati (per “Gocce di Noir” gruppi di 40 persone ogni 30 minuti, per “Eroi Superbi” e per il concerto della Camerata Musicale Ligure massimo 150 persone) perciò si consiglia di acquistare online la prevendita (Per informazioni: www.iconviviali.it, iconviviali@gmail.com, +39 377 509 4754).

Questa intitolazione prosegue l'omaggio a Conte dopo l'intitolazione pubblica, il 21 marzo scorso da parte del Sindaco Marco Bucci, del Belvedere Tonino Conte, l'area accanto alla sede del Teatro e contigua ai Giardini Emanuele Luzzati. Nel Foyer , inoltre è stata installata un'opera della scenografa e ceramista Danièle Sulewic: un grande mosaico, fatto di immagini -foto di spettacoli, manifesti - e parole tratte da alcune delle sue poesie, tutte dedicate a Genova e al suo rapporto d'amore " tribolato" con la città.

“Dopo la partecipazione alla rassegna "Nin Sentire" di Giovanni Berretta presso il teatro Impavidi di Sarzana, questa nuova serata nel teatro della nostra città vede il ritorno sul palco per tutti gli allievi della scuola, grazie alla possibilità offerta alle associazioni del territorio dall'Open call del Comune della Spezia, che ci ha concesso il patrocinio.

Il lungo periodo di fermo dovuto alla pandemia ha fornito pochissime occasioni di performance ma, una volta riprese le lezioni in presenza, le classi hanno vissuto il rientro con grande energia e con il desiderio di esibirsi e mostrare i risultati ottenuti. Le difficoltà in questi due anni sono state indubbie e per tale motivo ha ancora più valore il tema centrale scelto che vuole regalare al pubblico suggestioni di bellezza nelle più diverse accezioni.

Per tornare a guardare e a vivere l'arte e per tornare a guardarci e a vivere attraverso essa”, spiegano le insegnanti Francesca Domenici e Greta Sabbadini.

“Ricercheremo sulla scena la risposta alla domanda di Dostoevskij: la bellezza ci salverà? E quale bellezza? Bellezza da godere e da temere. Bellezza che aiuta ma anche nuoce. Da nascondere o da esaltare. Da ricercare. Da limitare. Bellezza che a volte è gioventù.

A volte no. Bellezza e il suo contrario, ovviamente, bruttezza. Allacciate insieme in un abbraccio, così come accade a tutti gli opposti, che solo in questo modo acquistano senso. Compagne di un viaggio che è vita. Così si danza insieme in un corpo unico ricco di diversità. Scontro e incontro. Ciascuno se stesso ma parte di un tutto, alla ricerca di bello e buono come un Idiota ci ha mostrato”.

Danseàvie Corpo Unico raccoglie quest'anno anche grandi soddisfazioni da due giovanissime allieve, Aurora Aurilia e Matilde Blasi, che sono state scelte con borsa di studio dall'Ateneo della danza di Siena lo scorso autunno per un percorso pre-accademico, che si conclude l'11 giugno a Siena con un saggio di fine anno. Inoltre Greta Sabbatini, già diplomata insegnante di danza presso AED di Livorno, ha conseguito il diploma di alta formazione presso l'Ateneo della danza di Siena con il maestro Marco Batti e con l'ex direttrice della Scala Anna Maria Prina. L'ingresso allo spettacolo è libero. 

Il successo avuto ha spinto il Teatro a riproporre a partire da domani e fino al 14 giugno la Congiura di Schiller nella nuova location individuata quest'anno per gli spettacoli estivi, il Parco dell'Acquasola.

"Una nuova sfida. L'anno scorso eravamo immersi nel centro storico, ma anche il Parco ha un profondo legame con la storia della nostra città. Qui sotto c'è l'ossario che raccoglie i morti di peste del Seicento e qui arrivavano i giardini dei Doria. E' insomma un luogo particolare e importante per tutti noi genovesi. La struttura scenica riprenderà quella dello scorso anno, ma certo il contesto sarà differente. Come genovesi dobbiamo essere grati a Schiller per il lavoro che ha fatto sulla nostra città", spiega il regista Sciaccaluga.

Il teatro fuori dal teatro, risponde al desiderio dei genovesi di stare insieme, insieme all’aperto. Due le rappresentazioni previste: La congiura del Fiesco a Genova, un classico di Friedrich Schiller e Via della Maddalena di Marco Taddei.

Uno spettacolo ricco di humour e di poesia che mescola dramma e commedia con misura in un susseguirsi di intelligenti trovate.

Lo spunto iniziale è la pandemia che imperversa da ben nove anni (si immagina l'azione nel novembre del 2029): il protagonista, un ex attore ed ex scrittore fallito, decide di suicidarsi e per non morire da solo assolda una prostituta sul web e la incontra in un hotel (quello del titolo) ormai abbandonato.

L'avvio dunque è cupo, ma l'incontro fra i due porta a una trasformazione graduale della situazione fino al lieto fine e alla decisione di una fuga insieme verso una vita differente e nuova.

Il testo, molto bello, mescola espressioni poetiche a linguaggi più crudi, il gioco della svestizione regala momenti di ilarità, l'irrompere nella stanza di un uccello che faticosamente cerca una via d'uscita offre un'improvvisa pausa di riflessione e di stupore interrompendo per sempre il tentativo di suicidio.

Un concatenarsi di eventi, insomma, che Ribatto padroneggia con intelligenza e interpreta magnificamente insieme a Sarah Pesca, simpatica e bravissima nel restituire un personaggio ricco di verve che si lascia gradualmente conquistare e scoprire dal suo 'cliente-innamorato'.

Unico appunto, il finale un po' troppo ritardato con le luci che si spengono e si riaccendono più volte quando il pubblico ha la sensazione che ormai tutto sia concluso. Repliche fino a domenica. 

“Sono prontissimo, non vedo il momento di andare in scena”, sottolinea il comico Daniele Raco a poche ora dallo spettacolo, al quale “i genovesi hanno risposto bene con l’acquisto dei biglietti”, rimarca sorridente il comico, che sulla mission benefica legata all’evento afferma: “Questo spettacolo è qualcosa di importante, sosteniamo l’Associazione Gigi Ghirotti, che non ha necessità di presentazioni e la Fondazione Banca degli Occhi, anch’essa importantissima e che fa un lavoro prezioso. Sono fiero che il Lions Club abbia pensato a me per questa serata”. Daniele, visibilmente divertito dal titolo dell’evento “Non è uno scherzo” infine, svela: “E’ un titolo dalla doppia valenza, quando stavamo scegliendo la data è uscito il primo aprile, così ho detto: “Beh, lo intitoliamo non è uno scherzo visto che il 1 aprile in Italia è il giorno degli scherzi’. Dicevo della doppia valenza del titolo perché l’opera dei volontari non è uno scherzo”.

Per vero il titolo è anche tanto altro perché legato ad una motivazione importante e di cuore. “L’intero incasso della serata – spiega Francesco Lorenzo Ricci, presidente pro-tempore del Lions Club Genova Ducale – verrà devoluto in favore dell’Associazione Gigi Ghirotti, Fondazione Banca degli Occhi e Fondazione Lions LCIF”.  Lo spettacolo non seguirà un copione preciso. Per l’occasione Daniele Raco ha scelto di improvvisare in base all’ispirazione del momento, traendo comunque spunto da tutti gli spezzoni che, negli anni, lo hanno reso famoso. “È la prima volta che infrango un tempio della prosa come il Teatro Eleonora Duse con la mia ‘cialtroneria’”, racconta con tono ironico Daniele Raco.

Per la serata inaugurale, grazie a una collaborazione con la Giovine Orchestra Genovese, si esibirà Giuseppe Gibboni, il violinista vincitore dell'ultima edizione del Premio Paganini.

"Oggi - dichiarano Clemente Tafuri e David Beronio - ritorniamo nel luogo dove tutto è cominciato, uno spazio completamente rinnovato e ripensato, che sarà la casa e il luogo d'incontro di linguaggi diversi, dal teatro, alla musica, alla danza, portando Genova ad essere vista come una delle principali città dove si fa innovazione teatrale in Italia. Ma soprattutto sarà il centro da cui si irradierà il lavoro di ricerca che ha coinvolto, fino ad oggi, alcune tra le più importanti realtà della nuova scena nazionale".

La disposizione degli spazi della sala e l'ideazione di un luogo in grado di ospitare diverse tipologie di spettacolo grazie alla modularità delle strutture (gradinata, quintatura, luci e fonica) sono stati ideati dalla direzione artistica di Teatro Akropolis.
La tribuna modulare è stata invece progettata e realizzata dallo scenografo Dino Serra, premio Ubu 2019. La grande gradinata potrà aprirsi a metà e ospitare 100 posti a sedere con un palco a terra che è particolarmente adatto per gli spettacoli di danza. L'apertura completa della gradinata permetterà di ampliare l'agibilità a 200 posti, con un grande palco all'italiana, completo di sipario. Sarà possibile usare lo spazio anche come cinema o per concerti.

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La prima assoluta è prevista martedì prossimo (ore 20,30) al Teatro Modena con repliche fino al 3 aprile. Introdotti da Alessandro Giglio, presidente del teatro, alla conferenza stampa sono intervenuti, con Livermore, Andrea Porcheddu, cui si deve la drammaturgia dello spettacolo, Elisabetta Pozzi, protagonista del lavoro, il critico Alberto Mattioli (in video) e Carlo Sciaccaluga, aiuto regista.

La battuta iniziale di Livermore è servita a chiarire subito l'obiettivo di fondo dello spettacolo: non una semplice e pomposa celebrazione della diva dell'Ottocento, ma attraverso lei, la sua personalità fortissima, il suo modo rivoluzionario di vivere il teatro, una festa del teatro stesso calata nel tempo della Ristori e nostro.

In scena dunque ci sarà Elisabetta Pozzi, cui toccherà interpretare anche passi dalla Lady Macbeth nella versione in versi adattata per la Ristori da Giulio Carcano nel 1860. Ma il palcoscenico sarà anche visitato da spiriti (e qui entrerà in campo il critico Mattioli che per una volta lascerà la penna per passare dall'altra parte della barricata) a dar voce ad altri personaggi (da Cavour a Verdi alla Eleonora Duse) che aiuteranno a calare Adelaide nel suo tempo.

"Sarà - assicura Livermore - un viaggio divertente, una festa del teatro nel nome di un'artista che ha saputo dare dignità alla professione dell'attore: prima di lei non eravamo neppure sepolti in terra consacrata!".

"Personalmente - ha aggiunto Pozzi - condividerò la scena con vari spiriti. E più che celebrare la Ristori vorremmo in qualche modo farla rivivere con un gioco di teatro in cui si fonderanno tecniche e stili differenti". 

"Il concerto con il teatro Mariinskij di San Pietroburgo al momento è stato rinviato nella speranza di poterlo riprendere nel prossimo futuro. Era previsto a luglio 2022, tutti ci auguriamo che questo conflitto possa interrompersi e che possa riprendere la collaborazione", auspica Orazi.

Poi il sovrintendente ha fatto un annuncio importante. "Il Teatro Carlo Felice bandirà un concorso da 26 posti appena il Ministero della Cultura approverà la nuova dotazione organica, che prevede 258 unità di personale, con un'attenzione particolare all'orchestra".

La nuova dotazione organica sarà così articolata: 92 professori d'orchestra, 60 artisti del coro, 63 tecnici, 5 maestri collaboratori, 35 amministrativi, più una serie di dipendenti e collaboratori. "Dopo le 40 stabilizzazioni dell'ultimo biennio - ricorda Orazi - l'organico del Carlo Felice cresce in continuità con la grande storia del teatro, nei prossimi anni vogliamo offrire una produzione con la più grande qualità artistica e intensità, abbiamo un'orchestra formidabile e un coro stupendo, che continueranno a crescere con le nuove assunzioni, senza contare i nostri tecnici veramente imperdibili per gestire tutti i comparti".

Gli incontri si svolgeranno nel Foyer del Teatro Ivo Chiesa. Titolo della rassegna "Marco Sciaccaluga, storia di un minatore ostinato", una definizione che si era scelto lo stesso artista per evidenziare la sua vocazione di "interprete" rigorosamente attento a cercare la "verità" di un testo senza usare scorciatoie culturali. Il primo incontro sarà dedicato a un ricordo di Marco Sciaccaluga con interventi di Davide Livermore, regista e direttore del Teatro Nazionale, dell'attrice Elisabetta Pozzi (attuale direttrice della Scuola di Recitazione), del figlio Carlo (attore e regista) e del critico Roberto Iovino.

Venerdì 11 (ore 15,30) il pubblico potrà vedere due video: "Making of Il Gabbiano", un documentario in cui si potrà seguire la messa in scena del "Gabbiano di Cechov" del 2017 dalle prime prove di lettura alla generale e "La favola del principe Amleto" realizzata da Sciaccaluga nel suo ultimo anno di attività (2019) con gli allievi neodiplomati della Scuola.

Introdurrà i due filmati l'attore Roberto Alinghieri, uno fra gli interpreti di Cechov accanto a Elisabetta Pozzi.

Mercoledì 16 (ore 15,30) la rassegna proseguirà con "Morte di un commesso viaggiatore" di Miller uno degli spettacoli in assoluto più belli di Marco Sciaccaluga e una delle più grandi interpretazioni di Eros Pagni che interverrà con un contributo video.

Infine, il 18 marzo (ore 15,30) un altro grande lavoro di Sciaccaluga, "John Gabriel Borkman" di Ibsen, del 2018 con la straordinaria interpretazione di Gabriele Lavia che invierà in video una sua testimonianza.

A presentare lo spettacolo sarà l'attore e compositore Andrea Nicolini che ha collaborato per anni con Sciaccaluga per le musiche di scena.
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I bandi scadranno giovedì 31 marzo 2022 e si possono scaricare sul sito del comune di Santa Margherita Ligure. La classe vincitrice rappresenterà il proprio spettacolo, e verrà premiata, venerdì 27 maggio, giornata che coincide con la ratifica, da parte della Repubblica Italiana, della Convenzione Onu dei diritti dell'Infanzia e dell'Adolescenza. La rappresentazione avverrà in un'area del nuovo 'Sentiero degli Animali', all'interno del Parco di Portofino. L'opera vincitrice, fra quelle presentate dalle compagnie di professionisti operanti nell'ambito del teatro per ragazzi, verrà invece rappresentata e premiata una settimana dopo, venerdì 3 giugno, giorno della nascita di Emanuele Luzzati, al Parco del Flauto Magico di Santa Margherita Ligure.

Il progetto è stato illustrato e condiviso questa mattina ai rappresentanti delle amministrazioni del Tigullio. "Nel riaprire, nel giugno scorso, i cancelli del Parco del Flauto Magico - ha ricordato l'assessore all'istruzione di Santa Margherita Ligure Beatrice Tassara - ci interessava anche ripercorrere le linee pedagogiche del maestro Luzzati e tra queste proprio il teatro, con la sua attitudine a raccontare la realtà con linguaggio adeguato all'infanzia, assume un ruolo preponderante come strumento didattico".

L'iniziativa, voluta dai vertici del Teatro, coinvolge già oltre 1500 studenti, tra scuole dell'obbligo e Università di Genova. 

"A causa di un caso di positività al Covid19 riscontrato all'interno della compagnia - si legge nella nota del Teatro Nazionale - tutte le repliche dello spettacolo 'La mia vita raccontata male', a partire dalla prima di questa sera, sono state annullate. Cancellato anche l'incontro con il pubblico previsto per il 21 gennaio nel Foyer del Teatro Ivo Chiesa".

Lo spettacolo, esaurite le date di Genova, deve partire per il tour che toccherà diverse città italiane a febbraio e marzo. Le modalità per il rimborso dei biglietti, cambio o annullo prenotazione sono indicate sul sito teatronazionalegenova.it

A dirigerlo il regista Giorgio Gallione a cui è legato da un sodalizio artistico che ha dato vita a una lunga serie di successi. 

Con i testi di Francesco Piccolo e le scene di Guido Fiorato, "La mia vita raccontata male" andrà in scena dal 18 al 23 gennaio al Teatro Ivo Chiesa, accompagnato dalle musiche composte da Paolo Silvestri ed eseguite dal vivo da due chitarristi: Marco Bianchi e Pietro Guarracino.  

Con una cerimonia nel foyer del Teatro Ivo Chiesa è stato inaugurato il nuovo anno accademico della Scuola di recitazione “Mariangela Melato” del Teatro Nazionale di Genova. A fianco del presidente del teatro Alessandro Giglio, del direttore Davide Livermore e della direttrice didattica della Scuola Elisabetta Pozzi, hanno partecipato Ilaria Cavo, assessore alla cultura della Regione Liguria e la Prorettrice vicaria dell’Università di Genova, Nicoletta Dacrema. 

Ma naturalmente i protagonisti principali sono stati i 13 nuovi allievi: Francesco Biagetti, Nicoletta Cifariello, Lorenzo Crovo, Manfredi Gimigliano, Ludovica Iannetti, Camilla Iarlori, Bianca Mei, Davide Niccolini, Adriano Paschitto, Alfonso Pedone, Lorenzo Scarpino, Dalila Toscanelli, Federica Trovato. Di età compresa tra i 19 e i 26 anni, provenienti da tutta Italia, da Roma a Milano, da Napoli a Teramo, dal Trentino alla Sicilia, dalla Toscana alla Puglia, inclusi due liguri (Lorenzo Crovo e Lorenzo Scarpino, rispettivamente di Chiavari e Sestri Levante), hanno superato tre diverse fasi di selezione, che si sono svolte dal 15 novembre al 12 dicembre 2021.

Sostenuto da Regione Liguria, il Corso di Alta Formazione per Attore da quest’anno si svolge in convenzione con l’Università degli Studi di Genova: grazie a un accordo quadro stipulato qualche mese fa, gli allievi potranno avere accesso ai Corsi della Scuola di Scienze Umanistiche dell’Università degli Studi di Genova, acquisendo crediti formativi riconoscibili in caso di iscrizione all’Università stessa, una novità importante che riguarda sia i nuovi allievi sia quelli che sono entrati adesso al secondo anno di Corso. 

«Siamo felici di dare il benvenuto ai nuovi allievi del Corso di Alta Formazione, che sono stati selezionati con scrupolo tra quasi 400 iscritti alle audizioni - dichiara Elisabetta Pozzi - Sono certa che siano consapevoli di intraprendere una strada - non solo professionale ma esistenziale - assai impegnativa, fatta di dedizione, studio, sacrificio e pazienza perché, come ho potuto sperimentare io stessa, il Teatro è un luogo dove la dialettica e il confronto non si arrestano mai ed è anche un esercizio spirituale, che si può svolgere solo in un totale abbandono di sé e ponendosi continuamente nuove sfide».

«È davvero una grande gioia potere inaugurare un nuovo biennio del Corso di Alta Formazione per Attore, che darà poi accesso a un terzo anno di master - le fa eco Davide Livermore - Tra gli obiettivi principali del Teatro Nazionale di Genova c’è la formazione ma anche l’affermazione del lavoro dell’attore: dobbiamo raccontare che fare l’attore è importante per la società e che è un mestiere che richiede arte, studio, dedizione. Questa Scuola deve potere continuare a produrre talenti, essere attrattiva per i giovani che qui si formano incontrando l’eccellenza del teatro italiano, a partire dalla direttrice Elisabetta Pozzi. Dobbiamo ringraziare la Regione Liguria: il ruolo dell’Assessore Ilaria Cavo, dedita alla creazione e alla valorizzazione di eccellenze in questo territorio, è stato determinante per l’istituzione di questo nuovo biennio. Un sentito ringraziamento va anche all’Università degli Studi di Genova, nella persona della Prorettrice vicaria Nicoletta Dacrema, per la preziosa opportunità offerta ai nostri allievi attori».

«Le quasi 400 candidature arrivate confermano, se ce ne fosse bisogno, la capacità attrattiva della Scuola di Recitazione: alle selezioni si sono presentati aspiranti attori da tutta Italia - dichiara l'assessore allo spettacolo e alla formazione di Regione Liguria Ilaria Cavo - In questa scuola il Teatro Nazionale di Genova ha forgiato sempre grandi attori e deve continuare a farlo, ed è per questo che la selezione è stata particolarmente dura riducendosi a 13 studenti che, ne sono sicura, al termine del loro percorso contribuiranno a fare ancora grande il Teatro e in qualche modo l'intera città. Regione Liguria è da sempre a fianco della Scuola “Mariangela Melato”; questa volta, con fondi propri ha reso possibile l'istituzione del nuovo biennio e ha sostenuto la Masterclass di quello precedente. Abbiamo inoltre promosso l'accordo con l'Università degli Studi di Genova, che offre agli allievi attori alcuni corsi specifici e la possibilità di acquisire crediti formativi».

Attualmente composto da Elena Belfiore, Paola Bigatto, Enrico Bonavera, Francesca Della Monica, Daniele Granone, Alessandra Manari, Mercedes Martini, Claudia Monti, Silvia Piccollo, Andrea Porcheddu, Alessio Maria Romano, Margherita Rubino, Renzo Trotta, il corpo docente della Scuola di Recitazione prende in carico un programma didattico assai ambizioso, che spazia dalla recitazione alla danza, dal canto dall’aikido alla storia del teatro, per formare artisti completi sotto il profilo della tecnica teatrale, vocale e corporea.

Ricordiamo che il Corso di Alta Formazione per Attore si compone di due annualità, ciascuna con 1200 ore di lezione; è gratuito ed è previsto l’obbligo di frequenza per tutte le materie e le attività formative, di ricerca e di spettacolo programmate dalla Scuola. Al termine del biennio viene conferito un Diploma di Qualifica professionale, che permette di avere accesso a una Masterclass della durata di circa 800 ore.

Le lezioni del primo anno di corso avranno inizio il 12 gennaio. Parallelamente continuano le lezioni del secondo anno di corso, a cui sono stati ammessi tutti i 17 allievi della classe precedente. Tutte le attività del Teatro Nazionale di Genova sono realizzate in partnership con il Ministero della Cultura, il Comune di Genova, la Regione Liguria, a cui si affiancano la Fondazione Compagnia di San Paolo e Iren con il loro fondamentale contributo e i sostenitori ETT, Leonardo, Gruppo Unipol, Assiteca, Coop Liguria, Cambiaso Risso, Banco BPM, Saar e Rhea Vendors. 

Ad accompagnare al pianoforte sarà il maestro Massimo De Stefano, mentre la direzione sarà affidata al maestro Giovanni Battista Bergamo, direttore del Coro e direttore artistico dell’associazione. Il sipario si alzerà alle ore 16 e l’accesso sarà possibile con green pass rafforzato e mascherina FFP2.

E' richiesta la prenotazione telefonica presso la biglietteria del teatro Verdi. 

Dopo 175 anni di attività mai interrotta, la Filarmonica Sestrese ha festeggiato la sua ripartenza con un concerto gratuito al Carlo Felice. un'associazione di solidarietà e promozione sociale che svolge dal 1845, anno della sua fondazione, un ruolo di spicco in ambito culturale genovese, parteciapando ad eventi,m festival musicali, produzioni teatrali e concorsi in Italia e all'estero.

Il programma della serata si è aperto con l'Inno nazionale di Mameli per poi dar spazio, tra gli altri brani eseguiti, alla colonna sonora di Nuovo Cinema Paradiso di Ennio Morricone e culminare nel gran finale con il Christmas Festival.

Quasi due ore di concerto con la partecipazione del cantante Matteo Merli e il direttore maestro Matteo Bariani.

Immancabile il saluto del sindaco Marco Bucci, l'assessore comunale alla cultura Barbara Grosso e l'assessore comunale agli eventi Paola Bordilli. 

Ingresso libero fino ad esaurimento posti e con le modalità in sicurezza.

"Credo che sia importante dare alla popolazione la possibilità di potersi riaprire al mondo", ha commentato Roberto Parodi, presidente della Filarmonica Sestrese. 

Il Festival toccherà 16 differenti location, tra le più prestigiose della città, dai palcoscenici del Teatro Nazionale di Genova e della Fondazione E. Luzzati Teatro della Tosse – Teatro del Ponente alle sale e ai cortili di Palazzo Ducale e del centro storico. Per la prima volta anche il Museo Civico di Storia Naturale Giacomo Doria sarà coinvolto nella manifestazione con una delle performance più originali in programma, il 'bestiale' "Little Garden" di Fabrizio Solinas in programma il 30 dicembre con un’ode alla vita organica e inorganica che si inserirà perfettamente nell’atmosfera delle splendide collezioni scientifiche in esposizione.

"Circumnavigando già nel suo nome racconta dell'esplorazione di un mondo, quello del circo teatro che si propone in più luoghi della città dal centro alla periferia - dichiara l'assessore alla cultura e allo spettacolo di Regione Liguria Ilaria Cavo - Le 16 compagnie che arrivano da tutto il mondo e le 16 location scelte lasciano intendere questa volontà di continuare a fondersi con la città di Genova e forse questo è uno dei segreti della longevità di un evento giunto alla 21-esima edizione. Il festival trova spazio in contesti più tradizionali come il Teatro Nazionale e Palazzo Ducale ma anche in scenari insoliti come il Museo di Storia Naturale. E' dunque spettacolo, ma anche cultura e persino formazione con un percorso per sviluppare progetti creativi nello spazio pubblico. Non manca il legame con i più giovani con laboratori gratuiti e il coinvolgimento di un liceo coreutico. L'insieme della proposta, che arriva in un periodo speciale come quello natalizio, rende il Festival unico nel suo genere trovando il pieno sostegno di Regione Liguria".

“Torna, e siamo ormai alla 21esima edizione, la rassegna internazionale di Circo Teatro Circumnavigando Festival, che dal 19 al 30 dicembre porterà a Genova spettacoli da tutto il mondo - commenta l’assessore alle Politiche culturali del Comune Barbara Grosso – un appuntamento che è ormai entrato a pieno diritto a far parte delle iniziative natalizie genovesi. Oltre ad animare di spettacoli i palazzi storici e i teatri, quest’anno il Festival entra per la prima volta al Museo di Storia Naturale e rialza il sipario dell’ex Teatro Altrove, nello storico palazzo Fattinanti-Cambiaso”.

“Giunti quest’anno alla 21esima edizione - dichiara l'ideatore e curatore artistico del Festival Boris Vecchio - possiamo affermare che Circumnavigando ha contribuito alla scoperta di questo ‘nuovo’ mondo del circo da parte di gran parte del pubblico genovese e non solo, attraverso molti ed estremamente differenti spettacoli, senza però voler dimenticare come anche dal circo tradizionale siano arrivati molti input, e la giocoleria ha trovato spazio per dare vita a nuovi percorsi e spettacoli favolosi”.

“Con piacere partecipiamo all’inaugurazione del Festival Circumnavigando - dichiara Nicoletta Viziano, membro del Comitato di Gestione della Fondazione Compagnia di San Paolo - La Fondazione Compagnia di San Paolo sostiene da sempre la cultura attraverso la valorizzazione dei beni e del patrimonio culturale e il supporto alla produzione e alla programmazione artistica e creativa. In tale ambito la Fondazione ha promosso il Bando “Art Waves. Per la creatività, dall’idea alla scena” con l’obiettivo di consolidare l’identità creativa dei territori di Piemonte, Liguria e Valle D’Aosta ed attrarre realtà culturali innovative, sostenendo la programmazione e la produzione creativa orientata alla ricerca d’avanguardia e all’innovazione dei linguaggi contemporanei, dei media e delle metodologie e favorendo il consolidamento di un ecosistema che unisca ricerca, produzione, offerta e distribuzione in una strategia pluriennale dei soggetti coinvolti”.

Gli artisti, i critici e gli studiosi saranno finalmente presenti in un programma di performance, spettacoli e incontri che rilancia l’ispirazione che ha portato Teatro Akropolis a dar vita a una comunità in cui si incontrano tutte le arti per la scena, creando occasioni di riflessione e aprendo un’importante prospettiva sul linguaggio del video. La sala di Teatro Akropolis, ancora per questa edizione, non sarà uno dei luoghi del festival, perché oggetto di importanti lavori di ristrutturazione che si concluderanno nei prossimi mesi e che restituiranno alla città uno spazio d’arte totalmente rinnovato e potenziato nelle sue caratteristiche funzionali.

"Per noi è un grande emozione poter tornare in presenza - spiega David Beronio, direttore artistico del Teatro Akroplis - la nostra è una proposta davvero originale. Si tratta di un festilval multidisciplinare dove convivono la danza, linguaggio del video e il circo contemporaneo. Insomma un'offerta per un pubblico davvero molto ampio".

Si tratta di otto mesi di lunga marcia, da novembre 2021 a giugno 2022, periodo durante il quale saranno coinvolti i cittadini che vorranno partecipare. Ognuno potrà raccontare, cantare, farsi fotografare ma anche portare fotografie e documenti sulla storia di Recco e di se stesso nel periodo che va dal 1943 a oggi. Il progetto sarà presentato al pubblico dallo stesso Maifredi e da Corrado d’Elia venerdì 5 novembre, alle ore 18, nella Sala Polivalente di Recco, in via Ippolito D’Aste 21. L'adesione e il sostegno al progetto conferma l'attenzione dell'Amministrazione comunale di Recco per la promozione di iniziative culturali di elevata qualità.

"Il nostro Comune ha una grande immensa ricchezza: la nostra cultura, le radici, le memorie - sottolinea il sindaco di Recco Carlo Gandolfo -. È nostro compito prendercene cura, tutelandole e mettendole a disposizione delle nuove generazioni. Sarà cura dell’Amministrazione rendere partecipe la città di un progetto che non avrà bandiere o etichette, visto che è una ricostruzione storico culturale della nostra memoria collettiva. È mio desiderio che tutta la città venga coinvolta perché Sergio Maifredi costruirà uno spettacolo corale, che nasce dai ricordi e dalle voci dei cittadini, partendo dai devastanti bombardamenti del 1943, incentrandosi poi sulla Pro Recco, la nostra squadra, con cui Recco ha un rapporto storico e incrollabile. La società bianco-celeste fa parte della nostra identità e ne rappresenta il riscatto post-bellico. È tra i principali emblemi della città che, partendo da momenti dolorosi e difficili ha saputo risollevarsi, attraverso la vitalità e l'intraprendenza dei suoi cittadini".

“Argonauti. Recco per Recco” è dedicato agli ottant’anni cruciali in cui Recco è stata distrutta dai bombardamenti e ricostruita come la vediamo ora. Ma proprio quando tutto sembrava perduto, negli anni più neri, la città ha trovato una sua speciale forma di riscatto negli straordinari successi sportivi di una squadra di pallanuoto, la Pro Recco, formata da un gruppo di giovani amici a misura di campione. Gli eroi della Pro Recco sono come nei poemi omerici gli Argonauti: hanno compiuto imprese leggendarie e appartengono a un tempo mitico, lontano eppure sempre vivo.

"Il Teatro di Comunità – dichiara Sergio Maifredi – è un forma d’arte a cui sto lavorando da dieci anni. Parto dall’idea di Calvino che le Città sono luoghi in cui, oltre alle merci, si scambiano storie. Le storie individuali si intrecciano con la Storia. Noi plasmiamo artisticamente la preziosa materia che le vita di chi abita una città contiene. Questa volta la sfida è grande e la affronto con una grande Città, Recco, una grande squadra, la Pro Recco, e dei grandi artisti, in primis Corrado d’Elia, premio nazionale della critica, Mario Incudine, candidato al David di Donatello proprio quest’anno. Scendiamo in campo per vincere".

Due sono le date da ricordare. Mercoledì 10 novembre 1943, in una notte di luna piena, i recchesi subiscono il primo di tanti bombardamenti sulla città, decisi dagli alleati per distruggere lo strategico ponte della ferrovia. Domenica 2 agosto 1959, primo scudetto della Pro Recco in serie A, conquistato dopo una partita epica disputata a Trieste. Il mare, i fischi del treno, gli aerei, le bombe, i cumuli di macerie, il pallone e le partite in acqua, il fischietto dell’arbitro, i sacchi di cemento per costruire la piscina regolamentare, il profumo della focaccia al formaggio, un tempo cibo domestico di poco conto, oggi specialità gastronomica a marchio Igp. Tutto parla di crisi e rinascita, di un passato a cui è possibile rivolgersi per trovare di nuovo la forza di ricominciare. Guardando al futuro con i piedi ben piantati nel passato anche e soprattutto dopo un periodo così difficile com’è stato quello segnato da un’altra forza distruttiva, quella della pandemia.

Gli “Argonauti. Recco per Recco” sono il racconto dei padri per un progetto di rigenerazione affidato e rivolto alla comunità che è chiamata ancora una volta a farsi teatro. Allora intorno ad un campo in mare, ora intorno a se stessa. C’è stato e ci sarà ancora da divertirsi, lasciandosi alle spalle la paura. Da novembre 2021 a giugno 2022 i cittadini di Recco saranno chiamati a seguire diversi percorsi coordinati e diretti da Sergio Maifredi. Il primo è “Recco per Recco. Autobiografia di una città”, un grande gioco durante il quale saranno raccolti i racconti individuali di chi ha voglia di ricordare, portare una fotografia, un documento, per comporre un grande affresco collettivo, una mappa biografica, una nuova carta d’identità cittadina. Proprio come se da una carta geografica uscissero le persone che la abitano, ognuno con la sua storia. Gli abitanti e le pietre svelano il mistero che le tiene insieme in una serie di azioni, il cui calendario verrà comunicato in seguito. Un altro è “Sinfonia di una città”. L’obiettivo è creare un grande coro popolare composto dai cittadini di Recco. Al coro saranno affidate le musiche e le canzoni composte da Mario Incudine, intrecciando le storie degli eroi della Pro Recco con quelle dei cittadini. Gli arrangiamenti e la direzione musicale è di Antonio Vasta. Un ulteriore percorso è “Ritratto di una città”: il fotografo Ruggiero Di Benedetto eseguirà i ritratti dei cittadini di Recco per comporre l’istantanea della città oggi.

Solo alla fine, dopo mesi di incontro e di azioni pubbliche, Sergio Maifredi trasformerà tutto questo in vero e proprio spettacolo, che vale quanto la marcia di avvicinamento da cui ha avuto origine. Per due giorni, 10 e 11 giugno 2022, andrà in scena “Argonauti. Recco per Recco”, uno spettacolo di Sergio Maifredi per la città di Recco, prodotto da Teatro Pubblico Ligure. Scritto da Corrado d’Elia e da Maifredi, con le musiche e le canzoni di Mario Incudine, mastro concertatore Antonio Vasta, sarà interpretato da Corrado d’Elia.

«Un luogo della cultura, nel cuore del quartiere della Maddalena, torna fruibile per la cittadinanza per riprendere più forte di prima il dialogo che si era interrotto prima della pandemia, anche per lavori di adeguamento impianti. Un teatro che riparte è sempre un buon segno, oggi è più che mai un messaggio di fiducia nel futuro, che non può prescindere dalla cultura e dalla creatività. Nel caso delle piccole realtà teatrali, l’impatto sul territorio è ancora più forte: non solo un contenitore di spettacoli, ma anche un punto di incontro, di scambio, di socializzazione – spiega l’assessore alle Politiche culturali Barbara Grosso – I miei sinceri ringraziamenti all’associazione Sarabanda con l’augurio che, anche attraverso la proposta artistica, il teatro diventi un punto di riferimento per i giovani e per tutti coloro che coloro che vorranno vivere la cultura nel centro storico».

«Sono felice di poter riaprire e far rivivere questo meraviglioso spazio, insieme all’amico e partner Diego Dettori e alla cooperativa il Fabbro, con cui lavoreremo per ricondurre anche il mondo culinario a quel valore culturale che caratterizzerà tutte le nostre proposte – dice il direttore di Sarabanda, Boris Vecchio - Anche in questa avventura Sarabanda porterà la propria essenza, fatta di un’esperienza trentennale nel campo dello spettacolo dal vivo, partendo dal nostro territorio per arrivare all’internazionale, collaborando con diverse realtà».

Dalla sinergia tra Sarabanda e Il Fabbro nasce dunque TIQU/Teatro Internazionale di Quartiere, un progetto di respiro internazionale pensato sul territorio e per il territorio. Una commistione tra due realtà diverse ma complementari e da anni attive in centro storico: la cultura e lo spettacolo dal vivo e il mondo della ristorazione, con significativa impronta sociale. Una trasversalità progettuale che spazierà dai progetti europei volti alla fruizione delle arti e alla promozione territoriale, ai progetti di natura imprenditoriale ma con valenza socio/culturale, con l’obiettivo di creare un polo ricreativo, scegliendo come collante la formazione e il valore della trasmissione.

TIQU sarà “un teatro abitato” e inclusivo, capace di creare interazione, tra persone, luoghi e progetti. Oltre agli spettacoli dal vivo, Sarabanda riserverà uno spazio alle attività di SiRCUS Centro delle Arti del Circo, a cui saranno affiancate altre discipline quali il movimento creativo/danza, il teatro, la musica e la clownerie. L’attività, già in corso da alcuni anni, si articolerà su una programmazione pomeridiana e serale. Non mancheranno proiezioni cinematografiche, workshop, post scuola, eventi.

Un’attenzione particolare verrà dedicata al Circo Sociale, un progetto teso al valore dell’inclusione in piena sintonia con Il Fabbro, il quale lavorerà a un piano di formazione lavoro, con persone provenienti da luoghi e contesti differenti, in un’ottica di valorizzazione delle risorse umane, di cura, dignità e senso di appartenenza.

"Abbiamo scelto di sostenere la rassegna del Teatro Pubblico Ligure – ha commentato il Segretario Generale di AdSP Paolo Piacenza – perché l’iniziativa si inscrive in un progetto più ampio di valorizzazione di Palazzo San Giorgio. Insieme ad altri eventi come ad esempio la partecipazione ai Rolli Days, la collaborazione con il Fai ed il Complesso Monumentale della Lanterna, l’apertura del Palazzo alla città rientra nel filone della sostenibilità sociale declinata come accesso all’istruzione e alla cultura. Avvicinare il porto alla città significa anche sostenere tutte quelle iniziative che favoriscono la reciproca conoscenza e la creazione dell’identità di cittadini della città portuale".

"È con grande soddisfazione – dichiara Sergio Maifredi – che, grazie all’importante accordo con l’Autorità di Sistema Portuale del Mar Ligure Occidentale, portiamo a compimento il progetto sulla letteratura del mare nella sede più prestigiosa e propria che si potesse immaginare: Palazzo San Giorgio. Una sintonia così esatta tra contenitore e contenuto, quanto mettere in scena una tragedia greca a Epidauro. Nella sala simbolo della storia di Genova sui mari, racconteremo le avventure antiche quanto l’uomo di chi si è misurato con la sfida, il sogno, persino il mito, in un viaggio a tappe che sono come scali di una rotta attraverso gli oceani".

I cantori di oggi Paolo Rossi, Andrea Nicolini e Alberto Giusta, Giuseppe Cederna, Amanda Sandrelli, Moni Ovadia, David Riondino, Federico Sirianni con Raffaele Rebaudengo e Filippo Quaglia, Corrado d’Elia, Roberto Alinghieri con l’Ensemble Hemingway, Massimo Minella con Franco Piccolo, dopo avere salito lo Scalone d’onore, si esibiranno nella Sala del Capitano, dove sono entrati i grandi navigatori e potenti genovesi del passato: l’ammiraglio Andrea Doria, il doge Simon Boccanegra, il condottiero Guglielmo Embriaco, l’ammiraglio del Mar Oceano Cristoforo Colombo, il generale delle galee Biagio Assereto, effigiati sulla facciata rinascimentale di Palazzo San Giorgio insieme a Caffaro, autore degli Annali. La Sala del Capitano è dedicata a Guglielmo Boccanegra, Capitano del Popolo, che nel 1260 commissionò la costruzione di Palazzo San Giorgio a frate Oliverio. Il Palazzo assume questo nome quando nel 1407 diventa sede del Banco di San Giorgio, una delle prime istituzioni bancarie nate nell’Italia dei Comuni, che espresse un’enorme influenza nel mondo dei traffici e del commercio, amministrando il debito pubblico e gestendo gli introiti delle gabelle, ruolo che mantenne fino al 1797 con la caduta della Repubblica di Genova.

È come se fosse Genova stessa a parlare, prendendo in mano una storia che l’ha resa grande in ambito mercantile, economico e politico, con un potere riconosciuto in tutto il Mediterraneo e anche oltre, per avvicinare il suo passato illustre a un presente in cui lo sviluppo non può più fare a meno della conoscenza e della cultura. Il valore della parola, del sogno e della scoperta era già tutto presente a Palazzo San Giorgio, dove transitò Marco Polo che durante la prigionia genovese dettò Il Milione a Rustichello da Pisa. Un resoconto di viaggi che trasporta il lettore nel favoloso mondo orientale, dentro al fascino dell’ignoto e all’attrazione irresistibile del viaggio. Bastano poche pagine. Lo stesso mistero insondabile e smisurato con cui si confronta chi solca, o anche solamente guarda, il mare. L’acqua lambiva Palazzo San Giorgio, che si affacciava sulle banchine del porto e oggi osserva il via vai del Porto Antico disegnato da Renzo Piano.

L’avventura, l’epica, la solitudine, il fascino esercitato dalle creature marine femminili, le leggende, la scoperta, la caccia, l’esplorazione degli abissi, il naufragio, i viaggi sono fra i temi di alcuni dei libri più belli della letteratura del mare. Roberto Alinghieri con l’Ensemble Hemingway metterà in scena, tra musica e parole, “Il vecchio e il mare” di Ernest Hemingway, spettacolo che giovedì 14 ottobre alle ore 17 inaugura “Capitani coraggiosi a Palazzo San Giorgio”, con la storia del vecchio Santiago che pesca il marlin e poi inizia la lotta atroce contro i suoi limiti e le sue paure. Si prosegue con la forza e la dolcezza della “Ninfa Calipso” interpretata da Amanda Sandrelli giovedì 28 ottobre alle 17, il canto V di “Odissea un racconto mediterraneo” sull’abbandono di Odisseo, che preferisce la sua libertà alla promessa dell’immortalità. Giovedì 18 novembre si entra nella storia e nel mito con “La leggenda del Rex. Dal Nastro Azzurro a Fellini” di e con Massimo Minella che, accompagnato da Franco Piccolo alla fisarmonica, ricostruisce gli anni brevi e intensi della nave dei record, costruita dai cantieri navali Ansaldo di Sestri Ponente, transatlantico affondato e rinato nell’immaginario collettivo grazie a un genio del cinema. Giovedì 16 dicembre David Riondino farà rivivere il “Corsaro nero” di Emilio Salgari, uno dei più popolari romanzi d’avventura, scritto proprio a Genova e dedicato al Signore di Ventimiglia, divenuto corsare per vendicare i fratelli uccisi a tradimento dal duca Wan Guld al soldo degli spagnoli.

Il 20 gennaio 2022 va in scena “Le isole del tesoro” con Giuseppe Cederna, autore del testo insieme a Sergio Maifredi che ne cura la regia. Il punto di partenza è “L’isola del tesoro” di Robert Louis Stevenson, altro grande romanzo d’avventura, ma con il tempo le isole sono diventate due, perché a quella letteraria si è unita quella vera, in Grecia, frequentata appena può da Cederna, per ritrovarsi, com’è accaduto quando la pandemia glielo ha permesso. Si passa all’epica di “Moby Dick”, immensa storia di Herman Melville, che giovedì 17 febbraio sarà portata in scena da Corrado d’Elia, impegnato anche come regista. Sarà il capitano Achab, furioso e in cerca di vendetta contro ogni ragione, e anche la balena bianca, simbolo della sua folle caccia e di una ricerca che non finisce mai. Prima assoluta giovedì 10 marzo per Paolo Rossi in “Ventimila leghe sotto i mari” di Jules Verne, autore antesignano di tanta fantascienza, che qui immagina l’esplorazione degli abissi marini a bordo del Nautilus. Rossi ne esalta il senso metaforico, guardandolo con gli occhi di oggi. Secondo debutto giovedì 24 marzo con “Robinson Crusoe” da Daniel Defoe, interpretato da Andrea Nicolini e Alberto Giusta, storia di un naufrago, un eroe moderno campione di resilienza, che si adatta all’isolamento e non smette mai di credere nel futuro né di affidare al mare i suoi sos. Giovedì 31 marzo Moni Ovadia traccia una linea che unisce “Ulisse Achab Noè”, personaggi legati da un sentiero d’acqua in cui rintracciare il pensiero dell’Uomo che attraversa i secoli ponendosi le identiche domande sullo stesso mare, con gli occhi sull’orizzonte e il cuore impegnato in un viaggio infinito. Infine, “Capitani coraggiosi a Palazzo San Giorgio” si chiude giovedì 7 aprile con “Maqroll, gabbiere” di Federico Sirianni, autore e musicista che lo interpreta con Raffaele Rebaudengo alla vilola e alle tastiere e Filippo Filoq Quaglia alle sequenze e al basso, diretti da Maifredi. Liberamente ispirato ai romanzi di Alvaro Mutis da cui già deriva “Smisurata preghiera” di Fabrizio Da Andrè, descriva la figura del marinaio più isolato e cruciale, quello che passa la maggior parte del tempo sull’albero più alto, quello che vede le cose per primo pagando questo privilegio con un’incollocabilità dal forte sapore esistenziale.

Con il progetto “Capitani coraggiosi a Palazzo San Giorgio” prosegue la riflessione sull’infinito iniziata con la XIV edizione dei “Dialoghi sulla rappresentazione”, dedicati a “L’infinit∞ da Achille e la tartaruga a Leopardi”, che ne costituisce la premessa. A cominciare questo percorso, a Palazzo Tursi e Palazzo Reale, sono stati l’antropologo Marco Aime, il filosofo Ermanno Bencivenga, l’italianista Corrado Bologna e il matematico Piergiorgio Odifreddi. Il viaggio prosegue con il mare nello sguardo dei capitani coraggiosi.

Un'offerta ampia e diversificata, quella proposta dal Teatro Nazionale di Genova,  così come diversificata è anche la rosa di abbonamenti disponibili, arrivando anche a proporre la possibilità di pagare a rate gli abbonamenti, dilueando così la spesa totale.

Il manifesto che pubblicizza il cartellone della nuova stagione è un arcobaleno con sette colori: sono i colori che richiamano altrettanti obbiettivi di Sviluppo Sostenibile dell'Agenda Onu 2030, cui il Teatro genovese ha deciso, primo palcoscenico in Italia, di aderire.  

"Il programma della serata, che trova nella fascinazione per la notte e nei riferimenti alla luna nella letteratura musicale il suo fil rouge – spiega il Sovrintendente Claudio Orazi - presenta, incastonati tra la Sinfonia dall’opera Il mondo della luna di Franz Jospeh Haydn e, nella seconda parte, la Sinfonia n. 2 in re minore op.36 di Ludwig van Beethoven, Il tramonto di Ottorino Respighi, poemetto lirico per mezzosoprano e orchestra d’archi su versi di Percy Bysshe Shelley e Piccola musica notturna di Luigi Dallapiccola. La scelta di tali composizioni di due dei più importanti esponenti, rispettivamente, della “generazione dell’Ottanta” e del primo Novecento italiano attesta di uno dei primari interessi della nuova programmazione del Teatro Carlo Felice: l’approfondimento e la diffusione del repertorio strumentale italiano del XX e del XXI secolo. Siamo lieti che, ad affrontare tale programma, compiendo una scelta di repertorio audace da parte di un direttore della nuova generazione internazionale, assieme all’Orchestra del Teatro Carlo Felice, sia un giovane direttore di grandissimo talento e carisma, qual è Dmitri Matvienko, che si è rivelato appieno con la sua vittoria della Malko Competition quest’anno, con la partecipazione di un’interprete lirica del livello di Sonia Ganassi".

A questo punto entra in gioco la seconda classificata in graduatoria, l'associazione Sarabanda, storica realtà teatrale cittadina. A confermare il subentro è l'assessore comunale alla Cultura Barbara Grosso. "A breve consegneremo le chiavi ai nuovi gestori", afferma. In queste ore fervono i lavori di pulizia e sistemazione del teatro, che avrà più posti a sedere del passato, per ammortizzare meglio i costi, e gli impianti rinnovati. Manca ancora l'ufficialità ma la conferenza stampa di presentazione del nuovo cartellone dovrebbe essere il 22 settembre.

Si inizierà con una call che avrà il compito di individuare i nuovi soggetti che saranno protagonisti del progetto. I partecipanti potranno essere non ancora costituiti formalmente nel momento della presentazione della candidatura.

Dopo la selezione verranno attivati percorsi di formazione con gli esperti di Hangar, progetto voluto all’assessorato alla Cultura e Turismo della Regione Piemonte e realizzato dalla Fondazione Piemonte dal Vivo, che dal 2014 si occupa di supporto e sviluppo del comparto culturale.

Gli esperti di Hangar assieme al Teatro Pubblico Ligure e il Comune di Genova affiancheranno i giovani selezionati su diversi temi, dal project management al fundraising, dalla consulenza aziendale e organizzativa alla comunicazione strategica fino al digital marketing. Verranno affrontati temi come la riforma del terzo settore e le necessarie pratiche per la realizzazione degli spettacoli dal vivo.

«Valorizzare l’offerta teatrale – afferma l’assessore comunale alle Politiche culturali Barbara Grosso – significa rendere la nostra città più attrattiva e vitale favorendo così anche l’indotto e dare la possibilità a dei giovani creativi di sviluppare importanti azioni imprenditoriali attraverso formule innovative e di qualità. Vorrei inoltre sottolineare, sotto questo punto di vista, il ruolo quasi maieutico del progetto: in fase di call infatti abbiamo deciso di accettare candidature anche di giovani che ancora non sono costituiti formalmente in gruppo. Ciò contribuirà a far venire alla luce realtà potenziali che ancora non ci sono ma che potrebbero rappresentare linfa vitale nel panorama artistico e culturale futuro».

«Questo progetto – dichiara Sergio Maifredi, presidente e direttore artistico di Teatro Pubblico Ligure – si è sviluppato all’interno dell’incarico che Teatro Pubblico Ligure ha ricevuto dalla Città di Genova, per contribuire a disegnare il piano strategico dei teatri a Genova. L’ho ideato per Genova, pensando ai giovani che vogliono trasformare la loro passione in un lavoro. Il proposito è fornire una formazione professionale a giovani compagnie ma anche incentivare la creazione di nuove, garantendo un percorso formativo manageriale e organizzativo. Si tratta di dare una visione ampia a chi si affaccia alla professione, con la concretezza che occorre per fare un ragionamento d’impresa e gettare le basi per costruire una realtà solida dentro la quale realizzare i propri sogni. Mi sono ispirato all’esperienza personale, vissuta ai tempi del Decentramento culturale negli anni Ottanta, quando si sono sviluppate molte esperienze nuove e interessanti. All’inizio le giovani compagnie teatrali non affrontano un percorso facile, ma Start and Go vuole offrire la possibilità di incamminarsi nella strada della professione acquisendo competenze per essere imprese culturali col profilo organizzativo oggi necessario».

L'appassionante concerto del Coro del Teatro Carlo Felice, è stato dedicato all'appena scomparso Giuseppe Giacomini, leggendario e storico tenore del '900 italiano.

“Cantare in coro ed ascoltare il coro è un’esperienza fantastica”, commenta Pierangelo Conte, direttore artistico del Teatro Carlo Felice. Il coro è un’emozione coinvolgente per il pubblico. In paesi come la Germania, la Svezia, l’Austria  e la Norvegia, la pratica corale è molto più diffusa rispetto all’Italia. Ma in Italia abbiamo voci più calde e ricche di armonici.

Un luglio intensissimo ricco di appuntamenti e di successi per il Coro del Teatro del Carlo Felice che si è esibito per esempio al Festival di Sarzana, a Cogoleto, a Cogorno ed anche ad Alessandria.

Il Coro è stato fortemente apprezzato in Liguria e fuori regione. L’invito è quello di provare ad ascoltarlo, apprezzarlo e applaudirlo. È un'esperienza singolare che si deve provare almeno una volta nella vita.

Il Coro del Teatro Carlo Felice sarà protagonista anche nella prossima stagione non solo nel repertorio operistico. Infatti, senza svelare i dettagli del programma, il maestro Pierangelo Conte annuncia un ciclo di concerti pensati ad hoc per offrire al pubblico pagine musicali poco conosciute del repertorio corale.