Il museo si trova all’interno dell’Opera Don Bosco di Sampierdarena e si sviluppa attorno alla cameretta del Santo, tuttora conservata, e raccoglie reliquie, lettere e documenti storici che testimoniano il profondo legame tra Don Bosco e il capoluogo ligure.

Alla cerimonia di inaugurazione hanno partecipato il rettor maggiore dei Salesiani Fabio Attard, undicesimo successore di Don Bosco, e suor Chiara Cazzuola, madre generale dell’Istituto delle Figlie di Maria Ausiliatrice.

Fu proprio da Torino-Valdocco, l’11 novembre 1875, che Don Bosco affidò ai primi dieci missionari il mandato di partire per l’Argentina. Nei giorni successivi, salparono dal porto di Genova con un compito preciso: seguire e sostenere i figli degli emigrati italiani nelle terre lontane della Patagonia e della Terra del Fuoco.

“Accogliere i vertici della Congregazione e i nuovi missionari è per noi un onore e uno stimolo a rendere la vita un dono d’amore”, ha dichiarato don Sergio Pellini, direttore dell’Istituto Don Bosco di Genova Sampierdarena. “Questo anniversario è un invito a rinnovare la passione missionaria e a vivere il carisma salesiano con creatività e coraggio”.

Fondata nel 1872, l’Opera Don Bosco di Sampierdarena è una delle realtà più radicate nella storia sociale e spirituale di Genova. “Parlare di quest’Opera significa parlare della vita di un quartiere e di una città intera. Da 150 anni il Don Bosco vive in simbiosi con Genova e con la sua vocazione operaia e industriale”, ha aggiunto Pellini.

L’esposizione guida il visitatore attraverso i grandi temi del romanzo – l’ossessione, la sfida alla natura, l’infinito, il mistero del mare – grazie a una selezione di opere d’arte, illustrazioni, documenti, edizioni rare e installazioni multimediali. Un racconto per immagini che dialoga con la potenza evocativa del testo e la sua eredità nella cultura visiva contemporanea.

Pensata per un pubblico trasversale, la mostra non è solo un omaggio letterario, ma anche una riflessione sul rapporto tra uomo e natura, tra conoscenza e ignoto.

L’iniziativa è realizzata dalla Fondazione Museo Nazionale dell’Emigrazione Italiana (MEI) e dalla Fondazione Migrantes, in occasione del Giubileo dei migranti e del mondo missionario (4‑5 ottobre). Il percorso espositivo intende ripercorrere la storia delle Missioni cattoliche italiane e raccontarne l’attualità, intrecciando tematiche di migrazione, fede, accoglienza e memoria.

La delegazione camogliese, guidata dal vicesindaco Lorenzo Ghisoli, dall’assessora all’Ambiente Cristina Gambazza (promotrice dell’iniziativa), dal consigliere delegato alla Cultura Paolo Terrile e dal responsabile dell’Ufficio tecnico Maurizio Canessa, parteciperà all’inaugurazione presso il suggestivo Monastero di Santa Maria di Colonna.

In esposizione - “Un mondo che scompare” di Marco Gaiotti, già successo a Camogli con oltre 12.000 visitatori;

“Camogli nascosta – Fede, Arte e Tradizione”, con immagini di Sabrina Losso che raccontano il patrimonio religioso camogliese;

Una mostra inedita che unisce, attraverso pannelli fotografici, le identità di Camogli e Trani, rafforzando il legame tra le due città.

L’iniziativa, realizzata con la collaborazione dell’associazione culturale “Forme” di Trani, è curata dall’Ufficio Lavori Pubblici – Ambiente del Comune di Camogli e sostenuta da alcune imprese locali. Un’occasione importante per valorizzare e condividere i tesori di Camogli, rafforzando il dialogo tra territori nel segno della bellezza e della sostenibilità.

Tre racconti fotografici, una sola umanità - La mostra presenta una selezione di fotografie tratte da tre progetti centrali del percorso di Battiloro: Sanità, Santa Lucia e Le Petit Souffle. - In questi lavori, l’autore esplora la quotidianità di comunità ai margini, restituendo attraverso l’obiettivo una narrazione intima, diretta e profondamente umana. Le sue immagini non documentano semplicemente luoghi o persone, ma svelano storie di intimità, fragilità, resistenza e legami.

Sanità: la vita dietro le mura del Rione - Il cuore della mostra è Sanità, progetto pluriennale dedicato al Rione Sanità di Napoli, uno dei quartieri più densamente popolati d’Europa. In questi scatti, Battiloro restituisce la complessità di una comunità fortemente coesa, ma spesso schiacciata tra stigmatizzazione sociale e processi di gentrificazione.

Attraverso ritratti domestici spontanei e autentici, il fotografo mette al centro le persone, con uno sguardo che rifugge la retorica e si concentra sul linguaggio dei corpi e sulla profondità delle relazioni.

Santa Lucia: vite invisibili nel cuore di Cosenza - Con Santa Lucia, lo sguardo si sposta nel centro storico di Cosenza, in un quartiere segnato da marginalizzazione e abbandono politico. Un tempo noto come “quartiere delle lucciole”, oggi Santa Lucia è un microcosmo in resistenza.

Le fotografie raccontano la vita che persiste: famiglie, volti, gesti quotidiani che sfuggono ai riflettori, ma che Battiloro coglie con delicatezza e rispetto, valorizzando la dignità di chi abita questi spazi dimenticati.

Le Petit Souffle: solitudini normanne - Il percorso si chiude con Le Petit Souffle, il più recente tra i progetti esposti, ambientato in Normandia, tra i porti di Honfleur e Trouville. Qui, il fotografo documenta la vita dei pescatori e le dinamiche del lavoro in mare: solitudine, fatica, legami di bordo, ritorni silenziosi e intimità tra uomini.

Anche in questo caso, le immagini diventano frammenti poetici, sospesi tra realtà e simbolo, dove il paesaggio si fa specchio di emozioni profonde.

Una fotografia che richiede tempo - "Solo attraverso il tempo la fotografia può rivolgersi realmente all’altro" afferma Battiloro.

La sua scelta di lavorare in analogico non è casuale: implica uno sguardo più lento, più consapevole, più vicino all’ascolto che alla cattura. Ogni progetto dura anni, nasce dalla vicinanza e dal rispetto, non dall’urgenza del reportage.

“Lo spazio del silenzio” sarà visitabile dal 3 ottobre al 28 novembre 2025 a PRIMO PIANO di Palazzo Grillo, in vico alla Chiesa delle Vigne 18R, Genova.

Un progetto che esplora il mare come metafora del viaggio - Curata da Giorgio Cellini ed Elena Scovazzi Lucarda, la mostra indaga il mare come spazio di trasformazione e soglia tra mondi, ispirandosi a miti antichi, rotte migratorie e visioni contemporanee. Il mare diventa così simbolo di un doppio viaggio: quello interiore, fatto di emozioni e mutamenti, e quello esteriore, vissuto nel corpo e nello spazio.

Opere nate dai Musei del Mare di Genova - Gli artisti Giorgio Cellini, Daniele Coppola, Andrea sCroce e Marco Strappato hanno sviluppato opere – inedite o rielaborate – nel contesto di una residenza di ricerca presso i Musei del Mare di Genova, in particolare il Galata Museo del Mare, l’Istituzione Musei del Mare e delle Migrazioni e l’Archivio Fotografico Leoni.

Con il supporto dell’Associazione Promotori Musei del Mare, gli artisti hanno potuto immergersi nelle collezioni e dialogare con storici, archivisti e operatori museali. Il risultato è un’esposizione che unisce arte contemporanea e memoria storica, all’interno di uno spazio profondamente identitario come la Bottega Lucarda.

Quattro visioni artistiche del mare e del viaggio -  Ogni artista interpreta il tema in modo personale:

Giorgio Cellini intreccia memorie familiari e narrazioni collettive legate alle traversate oceaniche;

Daniele Coppola, artista e marinaio, crea sculture ispirate agli astri e ai fenomeni atmosferici;

Andrea Croce realizza un’opera site-specific che riflette sui codici visivi della marineria attraverso moda e styling;

Marco Strappato rilegge l’orizzonte come spazio performativo, decostruendo i simboli del mare.

Il tocco di Luzzati: Genova nel dopoguerra - A completare il percorso espositivo, una preziosa selezione di disegni del Maestro Emanuele Luzzati, appartenenti alla serie La vecchia Genova, che raccontano la città nel dopoguerra. Le opere sono esposte grazie alla collaborazione con la Lele Luzzati Foundation e Casa Luzzati, che custodiscono e promuovono il lascito del Maestro.

L’arte nei luoghi della quotidianità: il progetto “I miei musei sono i negozi”

La mostra fa parte del progetto itinerante “I miei musei sono i negozi” ideato da Giorgio Cellini, che mira a portare l’arte contemporanea in luoghi non convenzionali – come botteghe storiche, negozi, spazi urbani – trasformandoli in luoghi di scambio culturale e umano.

La Bottega Lucarda, con la sua lunga storia legata al porto e alla città, si conferma spazio ideale per questa contaminazione tra arti visive, storia e identità urbana.

Un titolo evocativo, tra poesia e possibilità - Il titolo della mostra, I haven’t known the silence of the stars and of the sea, è ispirato a un verso di Edgar Lee Masters, ma rivisitato con l’aggiunta della negazione “NOT”. Un gesto simbolico che non indica mancanza, ma apertura verso l’ignoto: un altrove possibile, carico di mistero, desiderio e scoperta.

La Lanterna: icona familiare e misteriosa - Simbolo indiscusso di Genova, la Lanterna non è solo un faro, ma anche una presenza costante nel paesaggio urbano e nell’immaginario collettivo. Nella mostra, Zammarrelli la esplora come punto di riferimento visivo ed emotivo, sfuggendo ai cliché iconografici per restituire immagini inedite, cariche di significato e suggestione.

Tra vicoli stretti, panorami aperti e scorci quotidiani, il faro si rivela familiare ma anche enigmatico, un soggetto che “ritorna” in modo ossessivo ma mai ripetitivo.

Un progetto fotografico tra memoria e contemporaneità - Realizzato tra il 2016 e il 2018, il progetto è il frutto di un lungo lavoro di osservazione e composizione. Le fotografie sono stampate ai pigmenti e montate su alluminio, con un’estetica che richiama la grande scuola della fotografia americana a colori – da William Eggleston a Joel Meyerowitz.

Le immagini, apparentemente semplici, si rivelano complesse nella loro capacità di suggerire connessioni, rimandi e giustapposizioni, invitando il visitatore a un’osservazione lenta e riflessiva.

Genova come spazio di ritorno - La mostra è anche un racconto della città. Genova, con la sua natura portuale, è un luogo da cui si parte e a cui si ritorna. La Lanterna diventa il simbolo di questa ambivalenza: una presenza fissa in una città in continua trasformazione.

Tra memoria e presente, ordine e caos, costanza e cambiamento, Zammarrelli restituisce un ritratto urbano personale e universale, che parla tanto ai genovesi quanto a chi guarda la città da fuori.

Il catalogo e i curatori - La mostra è accompagnata da un volume edito da Il Canneto Editore, con testi di Stefano Fera e del curatore Andrea Botto, che ha sostenuto il lavoro di Zammarrelli lungo tutto il percorso. Il catalogo diventa parte integrante dell’opera, offrendo ulteriori chiavi di lettura e approfondimento.

Inaugurazione l’11 settembre - La mostra sarà inaugurata giovedì 11 settembre alle ore 18.00. All’evento interverranno, oltre all’artista, Maurizio Daccà, presidente dell’associazione Promotori Musei del Mare. L’ingresso è libero. Durante tutto il periodo del Salone Nautico, i visitatori che presenteranno il biglietto del Salone avranno uno sconto di 5 euro sull’ingresso al museo.

Un viaggio tra vele, materiali e libertà - Negretti, artista comasca dal tratto inconfondibile, torna a dialogare con il tema del mare. Le sue opere, molte delle quali realizzate con materiali di recupero come manifesti strappati e oggetti raccolti sulla spiaggia, evocano il movimento delle onde, la salsedine, la leggerezza delle vele. Una grande tela di cinque metri guida i visitatori in una navigazione artistica e sensoriale.

Omaggio alla vela femminile e alla libertà - La mostra è anche un omaggio alle donne veliste e include una dedica personale alla figlia dell’artista, che ha ispirato le tonalità della collezione. “Rotte in libertà” è un invito a vivere con lo spirito del velista: pronti al cambiamento, sempre aperti al vento della scoperta.

La campagna Hiroshima Appeals - Nasce dallo spirito resiliente della città di Hiroshima, devastata nel 1945 dalla prima bomba atomica usata contro civili. I poster, realizzati da celebri designer giapponesi della Japan Graphic Designers Association (JAGDA), veicolano un messaggio chiaro: denunciare l’orrore della guerra e promuovere il disarmo nucleare.

Il ricordo di della tragedia di Hiroshima e Nagasaki - "Una rassegna che rappresenta un potente messaggio di pace e speranza. Attraverso una selezione di pere di artisti internazionali, l’esposizione ci invita a ricordare il drammatico passato, ma soprattutto a impegnarci per un futuro di armonia tra i popoli. Ringrazio la Fondazione Internazionale per la Cultura di Hiroshima, JAGDA e tutti i partner coinvolti per aver reso possibile questa iniziativa", piega l’assessore alla Cultura Giacomo Montanari.

La campagna Hiroshima Appeals iniziò nel 1983 con il manifesto Burning Butterflies di Yusaku Kamekura. Da allora, ogni anno un designer JAGDA ha realizzato un manifesto contro la guerra e l’uso delle armi nucleari. Interrotta nel 1990, la campagna è stata ripresa nel 2005 in occasione del 60º anniversario della fine della Seconda Guerra Mondiale, rafforzando il legame con la città di Hiroshima e il network internazionale Mayors for Peace.

Un messaggio in tutto il mondo - I manifesti, spesso donati al sindaco di Hiroshima e mostrati in contesti internazionali – come il G7 dei ministri degli Esteri del 2016 – sono stati esposti in mostre in tutto il mondo, dalla Spagna all’Italia, fino agli Stati Uniti. Sono venduti al pubblico ed esibiti nella Peace Poster Exhibition, una tournée globale che diffonde il messaggio di pace oltre i confini giapponesi.

La mostra sarà visitabile fino al 29 agosto 2025 nella Galleria delle Esposizioni, con il biglietto d’ingresso al museo. - Scultura come viaggio interiore e marino - Attraverso una selezione di opere realizzate tra il 2019 e il 2024, Louise Durocher invita il visitatore a un percorso intimo ed evocativo, fatto di forme scolpite in marmo di Carrara e granito nero dello Zimbabwe. Dieci le sculture in mostra, disposte su piedistalli per una fruizione libera e immersiva, che evocano la dimensione spirituale del rapporto tra uomo e mare.

“Il mare / una massa d’acqua / che ispira, ipnotizza… / il mare accende l’ultima candela, di SPERANZA.”
— Louise Durocher, 2025

Le opere - La Vague Noire, La Barca, Hope, Envol, Surf, Fond de Mer, Primo Volo e Abbraccio non sono semplici rappresentazioni di elementi marini. Sono piuttosto visioni emotive e simboliche del mare, inteso come spazio di memoria, speranza e trasformazione.

Un allestimento poetico e contemplativo - Il percorso espositivo, allestito su pareti nere, guida il visitatore verso un’esperienza contemplativa e sensoriale, che culmina in un video finale con il volto e le parole dell’artista. In questo spazio sospeso tra luce e materia, lo spettatore è chiamato a riflettere sulla propria relazione con l’infinito e sull’idea di libertà che il mare rappresenta.

La mostra si inserisce nel ricco programma culturale del Galata, rafforzando il dialogo tra arte contemporanea e identità marittima. Un’occasione per scoprire la profondità emotiva e simbolica della scultura contemporanea attraverso lo sguardo di un’artista che ha fatto del mare la sua voce creativa.

Il progetto - Documenta ambienti naturali a rischio e culture minacciate dall’omologazione globale, ha attirato l’interesse del Comune di Trani come iniziativa di alto valore ambientale e culturale. Marco Gaiotti, fotografo genovese classe 1983, attraverso i suoi scatti accompagna i visitatori in un viaggio visivo potente e poetico, capace di suscitare riflessioni profonde sul rapporto tra uomo e natura.

Il commento - Soddisfazione è stata espressa da Cristina Gambazza, assessora all’Ambiente del Comune di Camogli, che fin dall’inizio ha sostenuto la mostra. In occasione dell’arrivo a Trani, Gambazza ha proposto di arricchire l’esposizione con una sezione speciale dedicata ai paesaggi, alle peculiarità ambientali e alle tradizioni culturali delle due città, Camogli e Trani. Un’idea accolta con entusiasmo, che trasformerà l’evento in un ponte che unisce bellezza e impegno per la tutela del patrimonio di due territori: natura e identità.

Residenza d’artista: un atelier aperto al pubblico - La mostra sarà anticipata da una Residenza/Atelier che prenderà vita negli spazi di Palazzo Ducale dal 5 al 30 giugno, grazie al progetto curato da BLU – Breeding and Learning Unit. Il primo appuntamento è fissato per giovedì 5 giugno alle ore 17, nella Sala del Maggior Consiglio. Benassi trasformerà il proprio processo creativo in un’azione pubblica, coinvolgendo la città e il pubblico in momenti di confronto, produzione e performance.

Fotografia come gesto e materia - Jacopo Benassi – LIBERO! esplora le tappe fondamentali del percorso dell’artista, partendo dai suoi soggetti iconici – ritratti, musica underground, oggetti quotidiani – fino a installazioni immersive che fondono fotografia, scultura e azione. Un’indagine sul linguaggio fotografico contemporaneo e la sua capacità di interrogare il presente, rompendo le barriere tra immagine e spazio.

Un progetto collettivo e formativo - Durante la residenza, l’artista lavorerà anche con gli studenti del Dipartimento di Arti Visive e Fotografia di NABA – Nuova Accademia di Belle Arti di Milano, in un percorso formativo in cui l’esperienza e la sperimentazione diventano strumenti di apprendimento condiviso. Il lavoro prodotto entrerà a far parte della collezione permanente del Museo di Arte Contemporanea Villa Croce.

Un’azione sostenuta dalla cultura pubblica - Il progetto è reso possibile grazie a Strategia Fotografia 2024, iniziativa promossa dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura, con il supporto di Fondazione Palazzo Ducale, Museo Villa Croce e NABA. Un’occasione per riflettere sul ruolo dell’arte contemporanea nel generare partecipazione, innovazione e nuove forme di libertà espressiva.

Giugno per Benassi - L'artista realizzerà un’opera fotografica inedita, trasformando Palazzo Ducale in uno studio aperto al pubblico e attivato da incontri, workshop e performance.
Il progetto è ideato e curato da Associazione BLU – Breeding and Learning Unit di Genova, con la collaborazione di Fondazione Palazzo Ducale, Museo di Arte Contemporanea Villa Croce e NABA – Nuova Accademia di Belle Arti di Milano.

Sabato 14 giugno ore 19, Sala Liguria - Performance “ROLLERS” di Sissi e Jacopo Benassi - ROLLERS è un'opera collaborativa in cui si intrecciano due diversi modi di indagare il corpo umano. Un’azione in cui il corpo attraversa lo spazio con battiti, rumore e lampi di luce. Sissi disegna lo spazio di un club attraverso una danza ipnotica, illuminata unicamente dai flash diretti di Jacopo Benassi. Le ruote dei suoi pattini segnano il ritmo dell’azione. Rollers è un cuore pulsante, è la meccanica di una "macchina" che tuona il proprio rumore, cercando, con un colpo secco di luce, un’immagine lontana dall’ossessione contemporanea per la perfezione. Il pubblico, alieno e coinvolto in una tribù metropolitana, è spettatore di una scena di caccia moderna, dove il cacciatore insegue la sua preda provocatoria, che lo cerca e al tempo stesso gli sfugge. E lui la congela, in una posa imprevedibile, rubata nel buio.

Giovedì 19 giugno ore 17, Cortile Maggiore - Apertura atelier/residenza di Benassi e prove aperte

“Life in Transit”, questo il titolo della mostra, raccoglie 18 tele originali in cui Hawke reinventa la villeggiatura mediterranea attraverso personaggi e scorci ispirati a Genova, alle sue spiagge e alla ricca architettura della villa stessa. L’artista ha reinterpretato anche gli affreschi cinquecenteschi del Salone d’Onore, opera di Giovanni Battista Castello, detto il Bergamasco, trasportando i personaggi mitologici in una scena balneare contemporanea. Un omaggio ironico e raffinato alla stratificazione di storie e suggestioni che abitano questo luogo unico.

L’esposizione, aperta al pubblico e con opere acquistabili, si inserisce nel programma di rilancio della villa promosso da Filippo Fabbri, presidente della neonata Palazzo Foundation e amministratore delegato del gruppo assicurativo Lockton P.L. Ferrari, oggi insediato nel complesso. Obiettivo della fondazione è quello di finanziare, anche attraverso eventi artistici e culturali, il restauro della Grotta Pallavicino, una straordinaria struttura decorata con materiali policromi situata nel parco della villa.

Oltre alla mostra di Hawke, il calendario prevede una stagione di Opera in Villa, che il prossimo 19 giugno ospiterà una versione ridotta della celebre Cavalleria Rusticana. Per chi volesse sostenere il progetto di restauro, è attiva una campagna di raccolta fondi sulla piattaforma Rete del Dono, al link: https://www.retedeldono.it/onp/pf.

La genesi dell'esposizione - Il progetto nasce da un’esperienza diretta dell’autore a bordo del Vespucci – simbolo della Marina Militare Italiana – durante il suo tour mondiale iniziato nel 2023, e offre uno sguardo intimo sulla vita dell’equipaggio. Le immagini restituiscono emozione, disciplina, tradizione e spirito di squadra, intrecciando arte, storia e umanità.

La collaborazione storica - La mostra si inserisce nell'ormai saldo rapporto tra il Galata e la Marina Militare e anticipa l’atteso arrivo del Vespucci a Genova. In occasione della Giornata Mondiale degli Oceani (8 giugno), sono previste anche iniziative speciali per tutte le età, in sinergia con il MEI - Museo Nazionale dell’Emigrazione Italiana.

Archivi storici – La giornata conclusiva coinvolge archivi di rilievo nazionale, da Fondazione AEM a Fondazione ISEC, dal Museo Nazionale del Cinema alla Fondazione Antico Ospedale Santa Maria della Scala. L’iniziativa mette a tema i diversi modi in cui la fotografia ha documentato nel tempo gli ambienti produttivi, i cambiamenti nei ruoli lavorativi, le identità collettive e il rapporto tra fabbrica e territorio. Un percorso che valorizza il patrimonio fotografico come fonte di riflessione storica e sociale.

Acquisizioni recenti – Tra i materiali inediti presentati spiccano quelli dell’archivio fotografico di Eduard Safarik, storico dell’arte di origini ceche, recentemente acquisito dalla Fondazione Antico Ospedale Santa Maria della Scala. I negativi e le stereoscopie su vetro offrono uno sguardo dettagliato su infrastrutture, cantieri e grandi eventi come l’Esposizione Universale di Parigi del 1900, restituendo visivamente il lavoro umano nelle trasformazioni urbane e industriali tra la fine dell’Ottocento e i primi decenni del Novecento.

Condizioni lavorative – Giorgio Bigatti della Fondazione ISEC si concentra sulla documentazione fotografica delle imprese Breda e Marelli a Sesto San Giovanni. Le immagini raccontano la distinzione tra meccanica pesante a prevalenza maschile e elettromeccanica con significativa presenza femminile, offrendo una lettura sul cambiamento dei ruoli di genere, il conflitto sociale e le connessioni tra fabbrica e città. “Attraverso queste immagini si ricostruiscono relazioni complesse tra produzione, società e territorio”, sottolinea Bigatti.

Identità aziendale – Federica Miotti, per Fondazione AEM, propone una lettura del rapporto tra spazio aziendale e lavoratori, dalle immagini degli anni Trenta in cui il dipendente è elemento dell’ingranaggio produttivo, alla progressiva valorizzazione dell’identità collettiva nel dopoguerra. Il materiale d’archivio racconta anche il lavoratore fuori dalla fabbrica, attraverso rubriche e reportage visivi, come quelli dei fotografi Paolo Moreschi e Adolfo Ferrari.

Modernità industriale – Il contributo del Museo Nazionale del Cinema, presentato da Roberta Basano, ruota attorno all’opera di Vittorio Zumaglino. Fotografo amatoriale e giornalista, negli anni Trenta raccontò la Torino del ventennio fascista ritraendo fabbriche, cantieri e operai come simboli della modernità. “L’uomo e la macchina convivono in un racconto coerente, dove ogni soggetto è parte di un sistema in mutamento”, osserva Basano. L’archivio, donato dalla figlia Piera, custodisce oltre 28.000 fotografie.

Produzione fotografica – Pietro Repetto di Fondazione Ansaldo riflette sulle forme del lavoro fotografico e sui processi che accompagnano la realizzazione delle immagini aziendali. “Dallo scatto alla stampa, fino alla pubblicazione: ogni fase è parte di una catena produttiva che richiede competenze specifiche”, spiega. L’archivio Ansaldo offre casi studio emblematici dell’uso della fotografia come strumento di comunicazione d’impresa.

Esperienze professionali – Infine, Isabella Colonnello porta una testimonianza diretta sull’evoluzione del lavoro fotografico in ambito aziendale. Attiva fin dagli anni Sessanta alla Foster Wheeler, ha affiancato fotografi come Gabriele Basilico e Toni Nicolini nella comunicazione visiva d’impresa, contribuendo alla produzione di materiale promozionale e alla costruzione dell’immagine aziendale nel tempo.

Le opere - Il percorso si snoda tra epoche, linguaggi e suggestioni differenti, unificate dal filo conduttore del viaggio: un attraversamento visivo che parte dalla città stratificata degli anni Ottanta, si perde nei resti archeologici di Roma, si specchia nella classicità di Piero della Francesca e Canova, fino ad aprirsi agli orizzonti sfumati della contemporaneità.

L’allestimento - Accoglie il visitatore con una composizione ideale di opere accostate in modo inedito, dove le “scritture” urbane si dissolvono in paesaggi immaginati, infiniti, per poi ritornare a due città-cardine: Roma e Genova, luoghi reali e simbolici della memoria.

Le sezioni - Di queste una è dedicata all’architettura come processo creativo: Prati, attraverso il disegno, esplora gli strati invisibili della costruzione, fino a raggiungere la dimensione intima della casa. Qui l’architettura non è solo tecnica, ma gesto artistico, capace di rivelare emozioni e visioni.

Proseguendo, l’architettura si frammenta, si fonde con la scultura e il paesaggio diventa teatro immenso: è il “Granteatro” della mente, spazio metafisico dove i ricordi si fanno struttura e la città immaginata diventa guida nel disorientamento. In una sala più raccolta, prende forma una Wunderkammer personale: uno spazio sospeso in cui le forme del classico tornano a parlare, sfumate e mutevoli, tra architettura, paesaggio e scultura.

Il viaggio - Tema chiave dell’intera mostra, culmina nell’ultima sala: da una Roma canoviana si salpa verso isole possibili, in paesaggi acquatici e visionari. Qui, l’architettura cede il passo al sogno. Le immagini diventano metafore naviganti, stimolando riflessioni sulla condizione contemporanea e sull’essenza mutevole della vita.

La mostra sarà visitabile fino al 5 giugno 2025, con ingresso libero, nei seguenti orari:
Giovedì e venerdì: 16:00 – 20:00
Sabato e domenica: 14:00 – 20:00

Giovedì 22 maggio alle ore 15:00, Franz Prati guiderà personalmente una visita attraverso le opere in mostra, offrendo uno sguardo intimo sul proprio percorso creativo.

Organizzata da Cime, Ambassador ufficiale per l’Italia della World Press Photo Foundation, in collaborazione con la Fondazione Palazzo Ducale, l’esposizione riunisce circa 140 fotografie realizzate da 42 fotografi selezionati tra le oltre 59.000 immagini candidate da 3.778 fotoreporter provenienti da 141 Paesi.

Il concorso, nato nel 1955, rappresenta oggi il massimo riconoscimento per il fotogiornalismo contemporaneo. Le immagini vincitrici sono scelte attraverso un rigoroso processo di selezione: prima da giurie regionali, poi da una giuria globale indipendente, presieduta quest’anno dalla curatrice italiana Lucy Conticello, che ha sottolineato come il premio offra uno spaccato, seppur parziale, dei principali eventi del mondo, premiando “fotografie che stimolano il dialogo”.

Le storie in mostra documentano con forza e sensibilità i grandi fatti del 2024: dall’attentato a Donald Trump alla campagna elettorale in Venezuela, dalla violenza delle gang ad Haiti alle proteste in Kenya, Georgia e Bangladesh. Non mancano reportage sui conflitti in Sudan, Ucraina e nella Striscia di Gaza, con immagini toccanti di sopravvissuti, come la piccola Anhelina, in fuga dall’Ucraina, o Mahmoud Ajjour, bambino palestinese gravemente ferito da un attacco militare.

Tra i progetti a lungo termine premiati figura quello dell’italiana Cinzia Canneri, che ha documentato le vite delle donne in fuga dal regime eritreo e dal conflitto etiope. Altri reportage raccontano la difesa dell’identità culturale maori in Nuova Zelanda (Tatsiana Chypsanava), la repressione in Russia (Aliona Kardash), la crisi democratica in Salvador (Carlos Barrera) o la traversata estrema dei migranti nel Darién (Federico Ríos). Spicca anche il lavoro di Ebrahim Alipoor, dedicato ai kolbar, i corrieri clandestini del Kurdistan.

Ogni scatto è una testimonianza potente e umana, capace di raccontare ciò che accade nel mondo e toccare corde profonde della nostra coscienza.

Dieci vedute veneziane commissionate dal Marchese Durazzo nel 1745, per Villa Bombrini di Cornigliano e conservate presso il prestigioso Museo Langmatt, Sidney and Jenny Brown Foundation, in Svizzera, torneranno nella propria originale dimora mediante altrettante accurate riproduzioni, grazie alla collaborazione tra ASCOVIL e Società Per Cornigliano.

Il ritrovamento - L’eccezionale ritrovamento, rimasto per qualche tempo riservato, sarà presentato al pubblico genovese il 23 aprile alle ore 17.30 a Villa Bombrini.
Le riproduzioni dei dipinti saranno inoltre visibili, il 26 e 27 aprile prossimi, in occasione dell'apertura di Villa Durazzo Bombrini, per le visite guidate, in occasione dei Rolli Days.

Fiori e vita - Le sue opere si distaccano dal realismo botanico per offrire presenze imponenti, cariche di energia pittorica e valore metaforico, capaci di toccare corde profonde dell’inconscio e risvegliare un senso intimo di connessione con l’essenza stessa della vita.
"Da sempre subisco il fascino del fiore, mi rapisce la bellezza, la potenza taumaturgica del suo apparire improvviso, puntuale ad annunciare la nuova stagione. Ma soprattutto il mistero e l’irraggiungibilità della sua essenza, che stimola un continuo tentativo di approfondimento", racconta l’artista.

Il titolo -  Put flowers in your guns, è un gesto tanto poetico quanto politico. Un invito a riscoprire la delicatezza come forma di resistenza, la bellezza come strumento di trasformazione, la pittura come possibilità di riconciliazione. In un tempo segnato da fratture e disincanto, l’arte di Maria Tagliafierro ci ricorda che la rivoluzione più autentica può ancora sbocciare, silenziosa, dal cuore segreto di un fiore.

Prossimamente Maria Tagliafierro sarà ospite a Focus Cultura...

Era il 29 gennaio 1951 quando, nel Salone delle Feste del Casinò, si svolgeva la prima edizione del Festival. Un evento pensato inizialmente per i clienti del casinò e per la città, che ben presto si trasformò in un fenomeno di portata nazionale e, in seguito, internazionale. Fino al 1976, il Casinò fu il cuore pulsante della manifestazione, prima del trasferimento al Teatro Ariston, dove tuttora va in scena.

La mostra fotografica propone uno sguardo unico su quel periodo d’oro, attraverso immagini in bianco e nero che raccontano l’essenza più autentica del Festival. Scatti intimi, “fuori scena”, ritratti spontanei di artisti colti lontano dai riflettori: un racconto visivo capace di trasportare i visitatori in una dimensione sospesa nel tempo.

L’iniziativa è stata accolta con entusiasmo dall’Amministrazione comunale di Sanremo e ha potuto contare sulla preziosa collaborazione di Walter e Carla Vacchino, che da oltre sessant’anni contribuiscono alla diffusione della cultura cinematografica, teatrale e musicale della città. Il Teatro Ariston diventa così il palcoscenico ideale per questa celebrazione visiva della storia del Festival.

Nel 2025, anno in cui il Casinò festeggia i suoi 120 anni di attività, questa mostra rappresenta anche un tributo alla sua storia culturale e artistica. Il Festival di Sanremo, nato tra quelle mura, si conferma come uno dei più importanti eventi musicali d’Europa e simbolo dell’identità italiana nel mondo.

Visitare la mostra “Non ha l’età” significa rivivere le edizioni più romantiche e significative del Festival, cogliendo il fascino di un’Italia in bianco e nero, dove musica, costume e società si fondono in un racconto senza tempo.

Heart of the Sea - Un evento di alto valore simbolico, da cogliere con attenzione nelle singole opere, ognuna delle quali ha un deciso richiamo alla storia dell'umanità, passata ma anche attualissima.
In alcuni dipinti, ad esempio, appaiono aerei da caccia che “riposano” nei fondali marini tridimensionali, depotenziando il loro arsenale offensivo per diventare elementi armonici dell’ecosistema, abitazioni tecnologiche di pesci, molluschi e crostacei.
Con queste particolari opere, Vespasiani ha voluto richiamare il valore attualissimo della pace, la fondamentale necessità dell’uomo moderno di convivere in armonia con sé stesso, con gli altri e con la natura. Come raccontano questi fondali, che annullano ogni forma di conflitto e rumore stridente, la mostra includerà anche un disco, disposto a parete come un quadro, che raccoglie alcune canzoni realizzate dall’artista.
Questi brani rendono in forma sonora le atmosfere narrate dalle opere pittoriche, così da coinvolgere più sensi. Tutti questi lavori possono essere identificati nel termine di "volume", riferendosi sia ai brani che alle superfici a rilievo dei dipinti.
La mostra sarà visitabile fino all’11 maggio, con il biglietto d’ingresso del Museo.

Vernissage -  Venerdì 11 aprile alle ore 18.30 presso InArte_Off, via del Molo 71r. La mostra sarà aperta dal lunedì al sabato, dalle 14:00 alle 20:00 con ingresso libero.

"La bellezza è asimmetrica" - Un’indagine pittorica sull’universo femminile, tra sensualità e intimità, che prende forma attraverso corpi e oggetti in perenne tensione, in bilico tra zone delimitate e spazi più liberi.La forza della composizione si esprime in colori intensi e stratificazioni delicate, che sfuggono a un equilibrio centralizzato, dando vita a una visione in cui “la bellezza è asimmetrica”.

Ritratti - Accanto a questo universo, Galifi propone una seconda serie di opere dedicate al tema del potere, ritraendo uomini e donne in chiave critica: non più celebrazione, ma trasfigurazione. Il ritratto diventa così uno strumento per smascherare l’ambiguità e la fragilità di chi detiene autorità.

Chi è Silvano Galifi - Diplomato al Liceo Artistico Paul Klee e all’Accademia Ligustica di Belle Arti, Galifi torna con questa mostra dopo un periodo di pausa dalle esposizioni, durante il quale ha però continuato a dipingere con costanza e ricerca personale.

Il progetto - Un racconto fatto di immagini unite a parole che vogliono suscitare emozioni ed evocare riflessioni. La scelta del bianco e nero, accompagnata da un sottofondo musicale, vuole sottolineare i dettagli e l'essenzialità degli scatti, nel tentativo di focalizzare l'attenzione del nostro sguardo lontano dalla distrazione del colore, in un'atmosfera immersiva e sensoriale.

Un viaggio attraverso l’ultimo decennio di creatività - La mostra si concentra sulla fase neometafisica dell’artista, un periodo di intensa e innovativa produzione che ha ridefinito le sue opere giovanili. L’esposizione racconta la fusione di vecchi temi con nuove ideazioni, mescolando suggestioni degli anni Venti e Trenta con il suo linguaggio metafisico, dando vita a una nuova e brillante stagione artistica.

Grafica e litografia - Un focus particolare è dedicato alle litografie realizzate in collaborazione con lo stampatore Alberto Caprini, un sodalizio che ha prodotto opere straordinarie, espressione della maturità creativa di de Chirico. Le litografie esplorano un ampio spettro di temi e simboli, tra cui la figura del “Trovatore”, il “sole nero” e le iconografie più celebri dell’artista.

Un rinnovato dialogo col passato - 
De Chirico reinterpreta i suoi soggetti più celebri in modo nuovo. Tra le opere in mostra si trovano varianti del “Trovatore” e “Il riposo di Arianna”, che raccontano storie di solitudine e malinconia, ma anche della profonda ricerca interiore dell’artista. Le litografie e dipinti degli anni ’60 e ‘70 presentano una sintesi tra passato e presente, con figure iconiche e un’esplorazione sempre più personale dei temi universali.

Scultura e visione poetica - Oltre alla pittura e alla grafica, la mostra include anche alcune sculture significative dell’artista. De Chirico ha sempre avuto un interesse per la scultura, che si riflette nelle sue opere più mature. Le sculture esposte, come “Gli Archeologi (Oreste e Pilade)” e “Le muse inquietanti”, rappresentano l’evoluzione del suo linguaggio tridimensionale e l’approfondimento di tematiche simboliche.

De Chirico e la sua influenza globale - 
De Chirico, gigante dell’arte del Novecento, continua a ispirare artisti di tutto il mondo. La mostra, che rappresenta un’intensa riflessione sulla contemporaneità dell’artista, invita i visitatori a immergersi nelle sue opere, esplorando la sua forza espressiva e la capacità di coniugare tradizione e innovazione.

Sarzana e la Fortezza Firmafede come luoghi di cultura - La città di Sarzana, con la sua lunga storia, diventa il palcoscenico ideale per ospitare una mostra di tale portata. La Fortezza Firmafede, simbolo della città, si conferma come centro culturale di riferimento, capace di attrarre appassionati e studiosi, consolidando il ruolo di Sarzana nella scena artistica contemporanea.

Mostre parallele e nuove proposte - Accanto alla mostra di De Chirico, saranno allestite altre esposizioni, tra cui “Big Sur Painting Series” di Ivan Vitale Lazzoni e “Tutto il mare in una buca” di Alessandra Gasparini. Queste mostre offrono un’opportunità unica di esplorare la produzione di artisti contemporanei, in un dialogo che arricchisce ulteriormente l’offerta culturale della Fortezza Firmafede.

Eventi edi apertura e visite -  Le mostre rimarranno aperte fino al 21 luglio 2025, offrendo un’occasione straordinaria per visitatori, appassionati e studiosi di immergersi nel mondo di uno dei più grandi maestri dell’arte del Novecento.

Giorgio Griffa – Pittore tra i più significativi della scena contemporanea italiana, Griffa ha esposto in tre Biennali di Venezia (1978, 1980 e 2017) e in oltre duecento mostre personali in tutto il mondo. La sua ricerca, partita negli anni Sessanta, si è sviluppata attraverso tredici cicli pittorici, caratterizzati da segni essenziali, colori diluiti e una riflessione profonda sul tempo e sulla memoria della pittura. «Si dipinge sempre il pensiero» afferma Griffa. «A un certo punto ho dovuto abbandonare la figura, non per una scelta astrattista, ma perché le figure erano diventate superflue, si sovrapponevano alla pittura e le toglievano significato».

Luce e spazio – Uno degli elementi chiave della mostra è l’interazione, "il dialogo", tra le opere di Griffa e l’architettura del Palazzo. Su suggerimento dello stesso artista, sono state riaperte dopo vent’anni le finestre dell’Appartamento del Doge, lasciando entrare la luce naturale. «Diamo luce, facciamo rientrare la vita» sottolinea Griffa. «La luce naturale fa respirare lo spazio e le opere, dando loro una dimensione diversa, più profonda». Anche Ilaria Bonacossa spiega il significato di questa scelta: «La pittura di Griffa ha la forza silenziosa dell’acqua e crea una sospensione temporale. La luce è fondamentale nel suo lavoro e per questo abbiamo voluto che anche il Palazzo riflettesse questa trasformazione».

Memoria e segni – Il lavoro di Griffa si basa sulla ripetizione e sulla variazione di segni primari, tracciati su tele grezze non intelaiate, appoggiate a terra. «Tutta la conoscenza avviene per frammenti» afferma l’artista. «La pittura può continuare a raccontare il mondo, anche in questo universo in perenne movimento». Per il curatore Sébastien Delot, la ricerca di Griffa è un continuo dialogo con il tempo: «Dare vita a un tratto, a una linea, a una forma significa per lui esprimere il rapporto con la memoria della pittura. Come un musicista, Griffa costruisce variazioni sottili su spazio, colore e segno, dimenticando tutto per avvicinarsi il più possibile all’origine».

Un legame con Genova – Nonostante la sua carriera internazionale, Griffa ha un rapporto profondo con la città ligure. Già negli anni Settanta aveva esposto nella Superba e nel 1975 proprio nel Palazzo Ducale, insomma questa mostra è un ritorno a radici profonde. «Genova ha conservato una memoria fortissima, non solo della sua epoca barocca, ma anche della Repubblica Marinara» spiega l’artista. «Il fatto che abbia mantenuto la sua struttura medievale mi aiuta a identificarmi con la memoria altissima della città. E poi c’è la sua luce bellissima».

Un nuovo capitolo per Palazzo Ducale – Con questa mostra, Palazzo Ducale rafforza il suo impegno nell’arte contemporanea. «Non è un salto nel vuoto – sottolinea Beppe Costa, presidente della Fondazione per la Cultura – Genova ha sempre avuto un ruolo centrale nel dibattito artistico del Novecento, e questa esposizione rinnova una tradizione importante». Anche l’assessore alla Cultura Lorenza Rosso evidenzia il valore dell’evento: «Le opere di Griffa ci invitano a esplorare l’invisibile e a confrontarci con l’ignoto, offrendo al pubblico un’esperienza unica».

Arte e conoscenza – Per Griffa, l’arte non è solo espressione, ma anche strumento di comprensione: «Ho sempre avuto un rapporto molto stretto con la musica e la poesia, non solo per il ritmo, ma per il loro valore conoscitivo. Le arti esplorano la parte nascosta del mondo, o meglio, la parte nascosta di noi stessi. Aprono una porta che non offre risposte generali, ma dà a ciascuno la sua via».

Un evento di prestigio con ospiti internazionali - All’inaugurazione parteciperanno il Sindaco di Portofino Matteo Viacava, il Vicesindaco Giorgio D’Alia, il direttore del Mu.MA Pierangelo Campodonico, il presidente dell’Associazione Promotori Musei del Mare Maurizio Daccà e le curatrici Anna Dentoni e Paola Leoni. Saranno inoltre presenti i direttori dei principali musei marittimi mondiali, riuniti a Genova per l’annuale incontro dell’Executive Committee dell’ICMM.  

Il fascino della Riviera nelle immagini d’epoca - L’esposizione presenta una selezione di 35 fotografie tratte dall’Archivio Fotografico Francesco Leoni, immortalando star del cinema come Marlon Brando, Greta Garbo, Orson Welles, Ingrid Bergman, Elizabeth Taylor e molti altri, fotografati tra un ciak e l’altro in vari angoli della Liguria. Una sezione speciale è dedicata al film La Contessa Scalza (1954) con Ava Gardner e Humphrey Bogart, simbolo di un’epoca dorata.  

Portofino: una cornice d’eccezione - Castello Brown, con la sua posizione privilegiata sulla baia e la sua storia ricca di figure storiche, è il luogo perfetto per ospitare questa mostra, celebrando il legame tra il cinema e la Riviera Ligure. Il castello, oggi dedicato alla cultura e all’arte, è noto per ospitare eventi internazionali di grande rilevanza.  

Un evento nel cuore di Portofino Days International Fiction Festival - Hollywood in Riviera si inserisce nel programma del Portofino Days International Fiction Festival, che si terrà dal 28 al 30 marzo 2025, offrendo tre giorni di eventi e incontri dedicati alla fiction e al mondo del cinema.

L'arrivo di una nuova tela - L’esposizione, curata da Raffaella Besta, Martina Panizzutt e Margherita Priarone, include un'opera recentemente acquisita: Alloggiare i pellegrini che si unisce alle già presenti Visitare i carcerati e Visitare gli infermi, parte della serie de Le sette opere di Misericordia. L'idea della mostra è dunque nata dall’arrivo in museo di questa nuova tela di Cornelis de Wael recentemente riemersa dal mercato antiquario, acquistata dalla famiglia Peloso e generosamente ceduta in comodato ai Musei di Strada Nuova. La mostra si concentra su due delle sue serie più celebri, evidenziando il suo stile raffinato e la sua capacità di ritrarre la realtà con una straordinaria naturalezza.

Collezione privata - Grazie alla collaborazione con il Banco BPM, sarà possibile visitare anche un’importante collezione privata che conserva un ciclo completo de Le sette opere di Misericordia.

L’obiettivo dell’evento - Sostenere il Centro Mascherona, che da anni aiuta le donne vittime di violenza, offrire visibilità agli artisti emergenti e promuovere i produttori locali attraverso degustazioni di prodotti tipici. Durante la mostra, il pubblico avrà anche la possibilità di fare offerte per supportare le attività del centro.

Il programma -  Tanta musica dal vivo, con esibizioni di artisti locali ed emergenti, tra cui Vera Ingrid Canepa, Il Trio Zvilli, Amberixa, Mad Puffin e molti altri. Tra gli artisti esposti, ci saranno Milena Barbieri, Cosmin Luchian, Maurizio Carrara, Desire Arcuri e altri ancora.

LineOut Gallery - È stata fondata da Elisa Nicolini, è un’arte galleria digitale che unisce arte, musica, gastronomia e cause sociali. Gli eventi organizzati dalla galleria si svolgono in luoghi storici e simbolici di Genova, Pavia e Pistoia, supportando talenti emergenti e attività locali.

Le opere – In mostra troveranno spazio capolavori provenienti dai principali musei europei e da prestigiose collezioni private. Un ruolo centrale sarà riservato alle opere conservate nelle collezioni civiche genovesi, con un dialogo tra i dipinti di Van Dyck e quelli dei suoi contemporanei fiamminghi e italiani.

Il percorso espositivo – La mostra non seguirà un ordine cronologico, ma tematico, evidenziando i diversi aspetti della produzione di Van Dyck: il ritratto aristocratico, il sacro, la moda, i valori dell’epoca. Si partirà dalla formazione ad Anversa, passando per il periodo genovese (1621-1627), fino alla maturità artistica a Londra, dove divenne pittore ufficiale della corte di Carlo I.  

Un evento di rilievo – «Questa mostra ci ripropone al centro della scena culturale europea», ha dichiarato l’assessore alla Cultura Lorenza Rosso. Anche il sindaco facente funzione Pietro Piciocchi ha sottolineato l’importanza dell’iniziativa: «Abbiamo ottime aspettative: Van Dyck rappresenta un pezzo di storia di Genova e questa mostra richiamerà un pubblico internazionale».  

Il Network Van Dyck 2026 – Come già avvenuto per Rubens a Genova nel 2022, la città si animerà con eventi collaterali, percorsi tematici e un convegno organizzato dall’Università di Genova.  Un omaggio alla Genova del Seicento – «Van Dyck maturò il suo stile a Genova, in contatto con l’aristocrazia locale», ha ricordato il presidente della Regione Liguria Marco Bucci. Anche il presidente di Palazzo Ducale, Beppe Costa, ha evidenziato la continuità con il passato: «Genova nel Seicento fu un centro culturale di riferimento e Palazzo Ducale il cuore di questo splendore».