Guidato da Giancarlo Balduzzi, il negozio rappresenta da decenni un punto di riferimento imprescindibile per collezionisti, appassionati e professionisti del settore. Con questo riconoscimento, Disco Club viene premiato per la sua capacità di difendere un’idea di musica lontana dalle logiche del consumo veloce, valorizzando invece qualità, identità e legame con il territorio.

L’iniziativa dei Presìdi Slow Music si ispira al modello Slow Food e nasce per sostenere quelle realtà che promuovono una filiera musicale etica e consapevole. Non a caso, la cerimonia si svolgerà durante il Record Store Day, la giornata internazionale dedicata ai negozi di dischi indipendenti, simbolo della resistenza culturale del vinile.

Per l’occasione, Disco Club si trasformerà in un vero e proprio spazio performativo. Dalle 15:30, si susseguiranno tre progetti musicali: L’Albero, progetto solista di Andrea Mastropietro, aprirà il pomeriggio con un mix di cantautorato italiano e suggestioni internazionali. Seguirà Paolo Bollero con il suo progetto Rice on the Record, impegnato nella presentazione del nuovo album Keeping Patience in the Chaos. A chiudere sarà Paolo Gerbella, figura storica della tradizione cantautorale genovese.

A rappresentare l’associazione Slow Music sarà Massimo Poggini, giornalista e tra i fondatori del movimento, che proprio tra le mura del Disco Club mosse i primi passi della sua carriera negli anni Settanta.

La storia del negozio è profondamente intrecciata con quella della cultura musicale italiana: tra le sue collaborazioni editoriali figurano nomi come Enrico Ghezzi, Renato Tortarolo e Flavio Brighenti. Nel tempo, Disco Club ha attirato artisti, critici e appassionati di rilievo, da Luca De Gennaro a John Vignola, fino a ospiti internazionali come lo scrittore Nick Hornby e icone della musica italiana come Gino Paoli.

L’ingresso nella rete dei Presìdi, sostenuto da figure come Claudio Trotta e Franco Mussida, rappresenta un passo importante verso la creazione di una comunità musicale fondata su collaborazione e trasparenza. Da sabato, una targa con QR code accoglierà i visitatori, offrendo accesso immediato al portale dedicato ai Luoghi della Musica e alla storia di questo straordinario spazio culturale genovese.

Il nuovo lavoro si muove su più livelli: da una parte l’ironia leggera e mai banale che contraddistingue la sua narrazione, dall’altra temi profondi come la fede, i rapporti umani e le contraddizioni della società contemporanea. Il risultato è una storia capace di far sorridere, ma anche di lasciare spazio a domande più intime.

A Genova, città da sempre sensibile al cinema d’autore, l’arrivo del film rappresenta un momento di incontro diretto tra artista e spettatori. Non solo una proiezione, ma anche un’occasione per dialogare, condividere impressioni e approfondire i contenuti dell’opera.

Pif, fedele al suo stile, non usa toni predicatori e preferisce raccontare attraverso situazioni quotidiane, personaggi imperfetti e momenti di vita reale. È proprio in questa semplicità che riesce a toccare corde profonde, affrontando temi complessi della vita. 

Il pubblico genovese si prepari ad accogliere un film che promette emozioni e riflessioni, confermando la capacità di Pif: unire intrattenimento e significato in un equilibrio piuttosto raro nel cinema contemporaneo.
Appuntamento domenica 12 aprile alle ore 21.15 al cinema Corallo di via Innocenzo IV 13, a Genova. 

La serata è stata segnata anche dalla sostituzione all’ultimo momento del soprano Anastasia Bartoli, con Carmen Giannattasio che ha interpretato il ruolo della protagonista conquistando la platea. Particolarmente apprezzata la sua esecuzione di “Vissi d’arte”, accolta da una lunga ovazione.

Accanto a lei sul palco Giorgio Berrugi (Cavaradossi) e Lucas Meachem (Scarpia), insieme a un cast di alto livello e all’Orchestra del Teatro Carlo Felice diretta da Giuseppe Finzi. Molto applaudito anche l’allestimento storico ispirato ai bozzetti originali di Adolf Hohenstein.
La produzione, che replicherà nelle prossime date previste fino al 19 aprile, conferma il forte legame tra il teatro genovese e il grande repertorio operistico, con una risposta calorosa da parte del pubblico e quasi 2.000 spettatori in sala.

La rassegna nasce da una forte sinergia tra alcune delle più importanti realtà culturali del territorio, tra cui Fondazione Teatro Carlo Felice, Giovine Orchestra Genovese, il Conservatorio Niccolò Paganini e il Centro Teatro Ipotesi, insieme ai nove Municipi del Comune di Genova. A questi si aggiunge il coinvolgimento di numerose chiese, conventi, oratori e confraternite, che diventeranno spazi vivi e accessibili per spettacoli, concerti e iniziative artistiche.

Il progetto si inserisce in una visione di cultura diffusa, pensata per raggiungere quartieri e comunità diverse, mettendo in rete competenze, spazi e sensibilità artistiche. Un modello che punta a rendere l’arte sempre più accessibile e partecipata, rafforzando al contempo il legame tra cittadini e patrimonio culturale.

Determinante il sostegno degli sponsor istituzionali del Comune di Genova, come Iren e Coop Liguria, che contribuiscono alla realizzazione della rassegna.

“Genova delle Arti” è stata presentata mercoledì 1 aprile nella Sala della Giunta Nuova di Palazzo Tursi, alla presenza dei principali protagonisti del progetto. Tra i relatori intervenuti Giacomo Montanari, assessore alla Cultura del Comune di Genova; Michele Galli, sovrintendente della Fondazione Teatro Carlo Felice; Pietro Borgonovo, direttore artistico della Giovine Orchestra Genovese; Nicola Costa, presidente della GOG; lo stesso Pino Petruzzelli; Paola Verri per Iren e Andrea Mantero per Coop Liguria.

La manifestazione si candida così a diventare un appuntamento di riferimento nel panorama culturale cittadino, con l’obiettivo di far emergere e raccontare i “capolavori nascosti” di Genova, offrendo al pubblico nuove chiavi di lettura del territorio. Tutti i dettagli e le anteprime saranno approfonditi nella trasmissione “Il salotto della Cultura” di Telenord.

https://www.facebook.com/telenordliguria/videos/oggi-pomeriggio-al-salotto-della-cultura-le-opere-di-giovanni-carlone-e-nicol%C3%B2-d/967027415800377/

“La partita fantasma” si muove tra il periodo della guerra e quello della ricostruzione, intrecciando vicende personali e grandi eventi storici. Il racconto alterna tensione, intrighi e relazioni umane, dando spazio anche a sentimenti come amicizia e amore in un contesto segnato da incertezze e cambiamenti.

La storia prende forma in Liguria — con scenari che includono città come Genova, Sanremo e Savona — per poi allargarsi progressivamente a un contesto più ampio, attraversando diverse località italiane e assumendo un respiro internazionale. Non mancano richiami al mondo sportivo dell’epoca, tra calcio e ciclismo, e accenni alle prime edizioni del Festival di Sanremo.

Al centro della trama emergono interrogativi legati a un carico di carburante scomparso durante la guerra e a una rete clandestina coinvolta nella fuga di ex nazisti verso il Sud America. A far riemergere questi misteri sono due ex spie, ormai anziane, che si ritrovano nella Roma contemporanea e ripercorrono un passato fatto di segreti, tensioni e verità mai chiarite.

Attraverso flashback e colpi di scena, il romanzo costruisce un racconto che unisce dimensione storica e invenzione narrativa, seguendo le vicende di personaggi alle prese con scelte difficili e speranze di riscatto.

Il volume è pubblicato da Edizioni Leucotea, realtà editoriale indipendente fondata a Sanremo, mentre la copertina porta la firma di Simona Binni.

"Non ci volevo nemmeno andare", racconta. "Poi un’amica ha insistito: devi partecipare, ti piace e lo fai bene".

Arrivata alla competizione, però, le aspettative erano tutt’altro che alte: "Quando sono arrivata in finale ho pensato: arriverò ultima. E invece mi hanno chiamata per prima".

L’emozione è stata forte: "Mi sono anche commossa, non me lo aspettavo proprio".

Pensa non è una cuoca professionista, e lo sottolinea con semplicità: "Io non sono una cuoca, ho sempre fatto il pesto per casa". Un sapere tramandato in famiglia: "È una cosa che mi ha insegnato mia mamma quando ero piccola".

Il suo segreto? Nessuna ricetta precisa: "Io non ho mai pesato niente, vado a intuito".

Anche davanti alla giuria e al pubblico ha mantenuto lo stesso approccio: "Ho lavorato come faccio a casa, senza cambiare niente".

Non sono mancati i momenti di difficoltà: "C’era tanta gente che mi guardava, mi sono sentita in soggezione".

Alla fine, però, la soddisfazione ha superato ogni dubbio: "Adesso sì, sono contenta di aver partecipato".

E a chi sogna di provarci? Il consiglio è semplice e concreto: "Allenarsi e cercare di farlo bello omogeneo".

L’iniziativa si articolerà in tre appuntamenti – sabato 11 aprile, sabato 9 maggio e sabato 6 giugno – con inizio alle ore 18:30. In programma tre film iconici legati al tema del mare: Mamma Mia!, Travolti da un insolito destino nell’azzurro mare d’agosto e Sapore di mare.

Al termine di ogni proiezione, il pubblico potrà partecipare a una degustazione, trasformando la visione cinematografica in un’esperienza conviviale che unisce cultura e gusto.

“Tonno da Oscar” nasce con l’obiettivo di valorizzare il legame tra il mare, il racconto cinematografico e la tradizione gastronomica, offrendo un format coinvolgente e innovativo che arricchisce l’offerta culturale cittadina.

Le serate si terranno presso il Cineclub Nickelodeon in via della Consolazione 5r. Il costo del biglietto è di 7 euro. Un’occasione per vivere il cinema in modo diverso, tra immagini, emozioni e sapori.

L’evento si inserisce nella quarta edizione della rassegna “Donne In’Canto” ed è a ingresso gratuito, con prenotazione consigliata. Durante la serata sarà attivata una raccolta fondi a favore della onlus Cerchi d’Acqua, impegnata da oltre vent’anni nel sostegno alle donne vittime di violenza.

“Viva le donne” è un monologo brillante e coinvolgente che attraversa, con ironia e intelligenza, il rapporto tra uomo e donna nella storia e nella società contemporanea. Tra riferimenti culturali, stereotipi ribaltati e momenti di riflessione, lo spettacolo alterna comicità e consapevolezza, proponendosi come un vero e proprio inno alla libertà e alla forza femminile.

Nel corso della serata, Debora Villa coinvolgerà attivamente il pubblico, rendendolo parte integrante dello spettacolo: risate, musica e riflessioni si intrecceranno per affrontare temi attuali come la violenza di genere, la discriminazione e la necessità di una cultura più inclusiva ed empatica.

Attrice, comica e conduttrice tra le più apprezzate del panorama italiano, Debora Villa ha costruito una carriera poliedrica tra teatro, televisione e cinema, distinguendosi per uno stile diretto, ironico e mai banale. Con questo spettacolo, porta sul palco non solo intrattenimento, ma anche un messaggio forte e attuale.

Simona Ferro, vicepresidente di Regione Liguria, ha risposto così all'interrogazione presentata dal consigliere regionale di Vince Liguria e presidente del Municipio Levante Federico Bogliolo in merito alle azioni che la Regione può intraprendere per garantire "la piena continuità annuale della manifestazione, alla luce delle difficoltà organizzative ed economiche emerse nelle ultime settimane".

"I Balletti di Nervi rappresentano un'eccellenza culturale ligure di rilevanza internazionale, con una storia che parte dal 1957 e oltre 50 edizioni - ha dichiarato Bogliolo -. Da 2019, anno in cui l'amministrazione Bucci ha riportato il Festival a Nervi, si sono alternati artisti di grande spessore: da Polunin a Bolle, da Battiato a De Gregori, dall'Opera de Paris al Tokyo Ballet. Il Festival è inoltre un grande simbolo per tutte le realta della danza genovese e ligure, che in questi giorni ci hanno chiesto a gran voce di non rinunciare all'edizione 2026. Non possiamo pensare che la fatica di riportare il Festival a Nervi e la grande visibilità di questi anni si esaurisca in poche semplici parole: non ci sono soldi. A questo riguardo, prendo atto con soddisfazione della conferma del sostegno regionale".
Per Bogliolo "adesso però è fondamentale che il Comune di Genova arrivi rapidamente a una proposta strutturata considerando che tutti gli altri enti coinvolti stanno facendo la loro parte. Perdere la continuità annuale per la scarsa capacità delle Giunta Comunale sarebbe un passo indietro che non possiamo permetterci".

Questa scelta, tipicamente brahmsiana, bilancia architettura e intimità: la viola diventa il luogo in cui queste tensioni trovano sintesi, trasformando il quintetto in un organismo sonoro unico. Nel concerto del Gringolts Quartet al Teatro Carlo Felice di Genova, lunedì 13 marzo alle 20:30, questa dimensione prende vita grazie alla presenza di Lilli Maijala alla viola, che trasforma il quartetto in quintetto. Non si tratta di aggiungere una semplice voce in più: è un suono che si apre, capace di ampliare l’esperienza dell’ascolto e di svelare nuovi dettagli della musica di Brahms. Il programma prevede l’esecuzione del Quintetto in fa maggiore op. 88 e del Quintetto in sol maggiore op. 111.

Per la prima volta, il cantiere aprirà anche ai visitatori, che potranno salire sui ponteggi e ammirare da vicino i dettagli artistici e architettonici della facciata. Le visite si terranno venerdì 10 aprile con il primo turno alle 14.30 e il secondo alle 16, mentre sabato 11 aprile i turni saranno alle 10, 11.30, 14.30 e 16.

La prenotazione è obbligatoria all’indirizzo chieseincantiere@diocesi.genova.it. Il costo di partecipazione è di 20 euro a persona.

Ulteriori informazioni e dettagli sul restauro sono disponibili sul sito della Diocesi di Genova.

L’incarico dura due anni, è rinnovabile e a titolo gratuito, con rimborso delle spese vive documentate. Le candidature devono essere inviate tramite PEC all’indirizzo archgenova@pec.aruba.it entro le ore 23:59 del 2 maggio 2026, indicando nell’oggetto: “Manifestazione di interesse nomina CdA Fondazione OAPPCGE – candidatura cognome nome”. È possibile candidarsi singolarmente o in gruppo; la Commissione di valutazione potrà selezionare anche singoli membri dei gruppi proposti.

La documentazione richiesta include dichiarazione sostitutiva, curriculum vitae, lettera motivazionale e copia di un documento di identità valido. Le candidature saranno valutate in base a esperienze e competenze professionali, titoli accademici, pubblicazioni e coerenza della lettera motivazionale rispetto agli obiettivi statutari della Fondazione.

Per maggiori informazioni e per scaricare i moduli, è disponibile il sito ufficiale dell’Ordine degli Architetti di Genova.

La galleria, guidata da Daniele Comelli, classe 1985, membro di una famiglia di galleristi attiva dal 1950, rappresenta un nuovo segnale di vitalità culturale per il centro cittadino, spesso colpito da chiusure commerciali. Dopo il successo della galleria online fondata nel 2018, Comelli porta ora lo spazio fisico in città, offrendo un contatto diretto tra opere, pubblico e collezionisti.

La Daniele Comelli Art Gallery propone artisti italiani e internazionali selezionati per tecnica, originalità e concetto, tra cui Daniele Oldani, Valeria Vaccaro, Roberto Bernardi, Marco Tamburro e Lino Lago. Oltre a Genova, la galleria organizza esposizioni in contesti esclusivi come Alpemare a Forte dei Marmi e Porto Cervo, e sono già previste nuove aperture a Genova e a Dubai.

Il premio vuole celebrare chi, attraverso letteratura, immagini e musica, ha donato “un farmaco salvavita” per l’anima e la società, incarnando lo spirito di figure come Cosimo del Barone Rampante di Italo Calvino, che non sarebbero “scesi dagli alberi”. Tra i precedenti vincitori figurano Emilia Lodigiani, Claudio Pozzani e Gian Luca Favetto.

Quest’anno il riconoscimento sarà attribuito a Moni Ovadia, attore, drammaturgo, musicista e cantante, noto per il suo impegno artistico e sociale. La motivazione ufficiale recita: “A Moni, uomo e artista che ha portato il suo messaggio artistico e sociale, sempre schierato e partigiano, con il suo impegno contro l’indifferenza”.

La cerimonia vedrà la partecipazione di ospiti speciali tra cui Ilaria Olcese, Francesca Rapetti, Elena Cimarosti, Lu J Fois e Slate Rill, per celebrare insieme arte, impegno e creatività in una manifestazione che unisce cultura e riflessione sociale.

Negli anni, questa consuetudine si è trasformata in un appuntamento fisso, quasi un “evento” privato ma molto sentito, in cui la coppia dà libero sfogo alla propria creatività. Tra video ironici, sketch improvvisati e messaggi fuori dagli schemi, Michele e Cristina hanno costruito uno stile riconoscibile, fatto di leggerezza e spontaneità, che li rende particolarmente apprezzati da amici e conoscenti.

La tradizione si rinnova anche oggi, confermando l’originalità della coppia, sempre pronta a mettersi in gioco con autoironia e spirito giocoso. Un modo diverso di fare gli auguri, lontano dalle formule più tradizionali, ma proprio per questo ancora più efficace nel trasmettere vicinanza e buonumore.

Non è la prima volta che Michele si distingue per iniziative di questo tipo. Era stato protagonista del nostro Capodanno a Telenord, portando sul palco la sua energia e la sua capacità di coinvolgere il pubblico.

E anche questa volta, con un nuovo video di auguri, la coppia conferma una semplice verità: a volte basta un’idea originale e un pizzico di ironia per rendere speciale una ricorrenza e rafforzare quei legami che, nel tempo, diventano tradizione.

Anche per il 2026, il calendario propone un ciclo di incontri aperti al pubblico e a ingresso gratuito, tutti in programma alle ore 18.30 presso l’Auditorium del Galata. Un palcoscenico dove si raccontano uomini e donne fuori dall’ordinario, accomunati da un legame profondo con il mare: sportivi, esploratori, innovatori e protagonisti dell’impegno ambientale.

Ad aprire la rassegna, giovedì 9 aprile, sarà Davide Carrera, apneista e campione mondiale, capace di raggiungere i -130 metri in assetto costante monopinna. Il suo racconto porterà il pubblico negli abissi, tra performance estrema, disciplina mentale e rispetto per l’ambiente marino.

L’evento, accreditato presso l’Ordine dei Giornalisti, riconosce 2 crediti formativi. Anche agli studenti dell’Istituto Nautico San Giorgio che prenderanno parte all’incontro, grazie all’accordo con l’Istituto, saranno riconosciuti crediti formativi.

Seguirà, giovedì 7 maggio, Merijn Tinga, windsurfista, biologo e attivista ambientale olandese, tra i 50 sportivi più influenti al mondo e fondatore del progetto Plastic Soup Surfer. Una testimonianza che unisce impresa sportiva e impegno civile nella lotta all’inquinamento da plastica, in un percorso che lo porterà, dopo l’incontro genovese, a essere ricevuto dal Papa.

Giovedì 4 giugno sarà protagonista Vittorio Malingri, navigatore, marinaio e progettista, primo italiano a partecipare al Vendée Globe e figura di riferimento della vela d’altura. Un incontro che ripercorre una vita dedicata all’oceano, tra sfide, innovazione e cultura del mare.

Dopo la pausa estiva, la rassegna riprenderà sabato 3 ottobre con una serata speciale “da Azzurra a Luna Rossa” insieme a Riccardo Bonadeo, che è stato una delle "menti" della prima sfida italiana all'America's Cup e attuale presidente della One Ocean Foundation, e Giulio Bertelli, vicepresidente di Luna Rossa. Un dialogo tra passato e futuro della grande vela, con uno sguardo attento anche ai temi della sostenibilità e della salvaguardia del mare.

A chiudere il ciclo di incontri, venerdì 30 ottobre, sarà Caterina Banti, velista e doppia medaglia d’oro olimpica, protagonista di uno straordinario percorso sportivo e oggi impegnata nella promozione dell’inclusione femminile nello sport.

La rassegna sarà trasmessa su Telenord, canale 11 del digitale terrestre regionale, e sarà visibile anche sui portali galatamuseodelmare.it e telenord.it.

Un ringraziamento particolare ai sostenitori della settimana edizione della rassegna: Gruppo Grendi; Marmoinox - Ombralus; Psa Italy; Giuseppe Pierucci (azienda del Gruppo Finsea); Tarros Group. Hotel Astoria (sponsor tecnico).

La settima edizione della rassegna “Incontri in Blu. Uomini, donne e storie di mare” vanta il patrocinio di: Accademia della Marina Mercantile, Assarmatori, Collegio Nazionale Capitani, Confindustria Nautica, Confitarma, Federlogistica, Federagenti, FIV-Federazione Italiana della Vela, Fondazione Centro Velico Caprera, Fondazione Tender to Nave Italia, Guardia Costiera, Istituto Nautico San Giorgio, Mare Vivo Fondazione ETS, One Ocean Foundation, Rai Liguria, Regione Liguria, Yacht Club Italiano.

Nelle passate edizioni sono saliti sul palco del Galata Museo del Mare, intervistati da Fabio Pozzo, 36 protagonisti tra sport, shipping e nautica, tra cui Chris Bertish, Daniele Cassioli, Laura Dekker, Leonardo Ferragamo, Giancarlo Pedote, Simone Perotti, Ambrogio Beccaria, Paolo Bassignani, Alessia Zecchini, Max Sirena, Hugo Vau, Santiago Lange, Cecilia Eckelmann Battistello, Michael Bates (Michael di Sealand), Norberto Ferretti, Luca Bassani Antivari, Mauro Morandi, Jean Le Cam, Sir Robin Knox-Johnston, Massimo Perotti, Francesca e Rachele Fogar, Costanza Musso, Chiara Obino, Rodi Basso, Grant Dalton, Matteo de Nora, Marco Trombetti, Isabella Andrieu, Alberto Galassi, Giovanni Soldini, Checco Bruni, Rosalba Giugni, Francesca Clapcich, Giovanna Vitelli, Umberto Pelizzari e Mariella Amoretti.

Sarà un’occasione per immergersi nel mondo della poesia contemporanea, scoprire le nuove voci e le prospettive editoriali di una rivista che unisce arte, parola scritta e riflessione culturale. L’evento promette momenti di confronto con autori, curatori e appassionati di letteratura, offrendo a tutti i presenti la possibilità di esplorare la poesia in tutte le sue sfumature, in un’atmosfera intima e stimolante.

Un appuntamento imperdibile per chi vuole lasciarsi sorprendere dalle parole e dalla creatività che animano il Festival Internazionale di Poesia di Genova.

Il capolavoro del compositore toscano sarà proposto in un allestimento del Teatro dell’Opera di Roma ispirato ai bozzetti originali delle scene e ai figurini dei costumi firmati da Adolf Hohenstein per la prima rappresentazione del 1900, frutto di un attento lavoro di ricostruzione compiuto dai laboratori di scene e sartoria del Teatro della Capitale circa dieci anni fa, che è stato inoltre proposto in una importante ripresa televisiva RAI lo scorso mese di novembre. La regia è firmata da Alessandro Talevi, ripresa da Anna Maria Bruzzese, le luci sono di Vinicio Cheli. Il lavoro restituisce il fascino della tradizione pittorica del teatro all’italiana, attraverso scenografie dipinte, prospettive architettoniche e una cura minuziosa dei dettagli che superano l’intento restaurativo per farsi rilettura consapevole della tradizione, in dialogo con lo sguardo contemporaneo per valorizzare di forme del patrimonio storico tipiche del teatro musicale. Sul podio dell’Orchestra del Teatro Carlo Felice salirà Giuseppe Finzi, alla guida anche del Coro e del Coro di voci bianche della Fondazione, preparati rispettivamente da Claudio Marino Moretti e Gino Tanasini.

Il cast riunisce interpreti di rilievo internazionale: nel personaggio del titolo si alterneranno Anastasia Bartoli (10 e 12 aprile), Carmen Giannattasio (17 e 19 aprile) e Valentina Boi (11 e 18 aprile); Mario Cavaradossi avrà la voce di Giorgio Berrugi (10, 12, 17 e 19 aprile) e Carlo Ventre (11 e 18 aprile), mentre il barone Scarpia sarà interpretato da Lucas Meachem (10, 12, 17 e 19 aprile) e Ivan Inverardi (11 e 18 aprile). Completano il cast, tra gli altri, Luca Tittoto e John Paul Huckle (Angelotti), Fabio Maria Capitanucci (Sagrestano), Manuel Pierattelli (Spoletta), Franco Cerri (Sciarrone) e Loris Purpura e Roberto Conti (Carceriere).

Questo il calendario delle recite: venerdì 10 aprile (ore 20, Turno A), sabato 11 aprile (ore 20 FA2), domenica 12 aprile (ore 15 Turno C), venerdì 17 aprile (ore 20 Turno B), sabato 18 aprile (ore 17 FA2) e domenica 19 aprile (ore 15 Turno F).

«Tosca – dichiara il Sovrintendente Michele Galli – è uno dei titoli che meglio rappresentano la forza del teatro musicale nel suo rapporto diretto con il pubblico. È un’opera che unisce temi politici, grandi sentimenti, ideali e profondità, capace di parlare a tutti con un linguaggio teatrale potentissimo. Riproporla oggi in un allestimento che guarda alle sue origini, significa valorizzare la storia del teatro italiano e al tempo stesso restituire al pubblico un’esperienza autentica. È anche simbolo del percorso che il Teatro Carlo Felice sta portando avanti: coniugare grande repertorio, qualità artistica e attenzione alla memoria, mantenendo vivo il dialogo con il presente e con le nuove generazioni».

La regia si concentra dunque sulla dimensione psicologica dei personaggi, mettendo in luce la complessità delle relazioni e la sottile ambiguità che attraversa il dramma, al di là della sua apparente immediatezza. «Esiste un livello di dettaglio, un sottotesto e un’ambiguità sofisticata nella scrittura delle scene centrali di Tosca che è paragonabile alla finezza di opere come Pelléas et Mélisande», osserva il regista Alessandro Talevi. «Il duetto degli amanti nell’atto primo con il suo mix di chimica erotica, sospetto e bugie bianche; il terrificante metodo di pressione psicologica di Scarpia e la sua capacità di passare immediatamente da gentiluomo a psicopatico nel suo incontro con Tosca nell’atto secondo; la vaga ed evanescente scena finale tra Tosca e Cavaradossi sicuramente più fedele alla realtà di un epico duetto d’amore, che alcuni dei detrattori di Puccini si aspettavano nel 1900. La sfida per un regista di Tosca è rivelare queste sottigliezze drammatiche a un cast di cantanti in continuo cambiamento, i quali spesso hanno interpretato quel ruolo centinaia di volte in altre produzioni, per non parlare del pubblico che potrebbe aver visto tante di quelle recite! […] Ciascun cantante porta il proprio talento drammatico e la propria esperienza, nonché particolari qualità vocali e abilità tecniche. Per questo trovo molto utile riportare i cantanti al testo, alle motivazioni che stanno dietro alla sapiente architettura pucciniana, così da riscoprire la sincerità e la ragione di ogni azione drammatica in scena».

Ambientata nella Roma del giugno 1800, Tosca racconta una vicenda che si consuma nell’arco di poche ore, tra passioni amorose, intrighi politici e violenza. La cantante Floria Tosca, il pittore Mario Cavaradossi e il capo della polizia Scarpia sono i protagonisti di un dramma serrato, in cui il potere si intreccia con il desiderio e l’amore si trasforma in ossessione. La vicenda si apre nella chiesa di Sant’Andrea della Valle, prosegue nel Palazzo Farnese e si conclude tragicamente a Castel Sant’Angelo, in un susseguirsi di scene rapide e quasi cinematografiche che rappresentano uno degli elementi più visionari e profetici dell’opera. Fin dalla sua prima rappresentazione del 14 gennaio 1900, al Teatro Costanzi di Roma, Tosca si impose come opera capace di intercettare il clima storico e culturale del tempo: una società attraversata da tensioni politiche e sociali oltre che da una nuova sensibilità teatrale, più diretta e realistica.

 Dal punto di vista musicale, Tosca segna una tappa fondamentale nello sviluppo del linguaggio pucciniano. La scrittura si fa essenziale, incisiva, costruita su una continua aderenza tra parola e musica, con un uso raffinato del leitmotiv e una forte caratterizzazione dei personaggi attraverso il colore orchestrale. La tensione drammatica attraversa tutta la partitura, culminando in alcune delle pagine più celebri dell’opera lirica: “Recondita armonia”, “Vissi d’arte”, “E lucevan le stelle”. Ma è l’intero tessuto musicale a restituire la complessità dei rapporti tra i protagonisti, in un continuo gioco tra verità e menzogna, desiderio e potere, in cui ogni dettaglio contribuisce alla narrazione.

In occasione della messa in scena di Tosca, torna anche Navigare Insieme, il nuovo progetto di accessibilità, pensato per rendere l’esperienza dell’opera lirica ancora più aperta, inclusiva e condivisa. “Navigare Insieme” nasce dalla volontà di riconoscere il diritto di tutte le persone a partecipare pienamente alla vita culturale, rafforzando il ruolo del Carlo Felice come luogo accogliente e accessibile da parte di tutta la comunità. L’iniziativa si rivolge in particolare alle principali aree di disabilità – motorie, sensoriali, intellettive e alle neurodivergenze – e si fonda su un percorso di co-progettazione con le associazioni del territorio, coinvolte fin dalle prime fasi come interlocutori attivi nella definizione dei bisogni e delle soluzioni.

Per Tosca saranno attivati alcuni servizi di accessibilità testati a gennaio con Il trovatore, tra cui mappe tattili e contenuti audio sul sito operacarlofelice.it per persone cieche e ipovedenti; audiodescrizione dello spettacolo tramite sistemi digitali in fase di test; traduzione in LIS e sottotitoli per persone sorde e ipoudenti; schede dell’opera in linguaggio Easy to Read; percorsi multisensoriali pre-spettacolo e possibilità di accesso anticipato al Teatro, per favorire un’esperienza più autonoma e consapevole.

Per la recita di sabato 18 aprile sono in corso le prenotazioni per due gruppi di persone sorde, ipoudenti, cieche e ipovedenti che, un’ora prima dello spettacolo, potranno partecipare a un’attività condivisa di presentazione dell’opera e della produzione. Durante la rappresentazione, due interpreti LIS – Jenny Costa e Titta Arpe – si alterneranno raccontando dal vivo l’opera al pubblico con disabilità uditive.

«Sono davvero felice ed entusiasta che il progetto prosegua con una nuova opera» – racconta Noemi Zerbone, ideatrice del progetto di accessibilità per la realtà della disabilità visiva e referente della formazione per il Consiglio regionale UICI Liguria – «Abbiamo lavorato con passione e impegno a questo progetto, rendendo accessibile a tutte le persone con disabilità visiva un’opera straordinaria come Tosca. Ci siamo concentrati su diversi aspetti, ragionando su un progetto di più ampio respiro, che non si soffermasse solo sull’opera stessa. Le persone con disabilità visiva, infatti, saranno accolte da personale formato, avranno la possibilità di toccare con mano gli oggetti e i costumi di scena, di fruire di numerosi contenuti accessibili pubblicati sul sito del teatro e, infine, potranno godere dello spettacolo attraverso un’audiodescrizione dal vivo, che consentirà loro di non perdersi nulla di ciò che accadrà sul palcoscenico. Questo, per noi, è motivo di grande orgoglio e credo che possa essere uno stimolo per molte altre realtà, sia del mondo dello spettacolo sia di altri settori».

Con questo progetto, la Fondazione Teatro Carlo Felice conferma quindi il proprio impegno verso una cittadinanza culturale inclusiva, nella convinzione che l’accessibilità non sia un servizio aggiuntivo, ma una dimensione essenziale della qualità artistica e civile del teatro contemporaneo.

Sempre per Tosca il Teatro Carlo Felice porta avanti il consueto percorso di divulgazione articolato nei consueti due incontri di presentazione al Teatro Auditorium Eugenio Montale (già avvenuti) e poi non mancano le introduzioni all’ascolto di circa 30 minuti che gli spettatori delle singole recite potranno seguire in Sala Paganini, da 45 minuti prima dell’inizio, a cura degli allievi del Conservatorio “Niccolò Paganini” con il coordinamento di Federico Pupo direttore artistico del Carlo Felice.

Franceska ha completato il suo percorso formativo proprio a Genova, presso la Naima Academy, prima di esibirsi su palchi importanti come quelli dell’Eurovision e di X-Factor. La loro intesa è nata durante le tappe del tour della cantante italiana.

La giovane ballerina genovese, con alle spalle esperienze artistiche di rilievo, è ora al centro dell’attenzione mediatica non solo per il suo talento ma anche per il legame con Elodie, che conferma come Genova continui a essere culla di nuovi talenti e connessioni nel mondo dello spettacolo italiano.

Due serate all’insegna della musica dal vivo, del cabaret e della partecipazione collettiva, durante le quali artisti, amici e colleghi saliranno sul palco per offrire il proprio talento in un grande abbraccio solidale. Un’occasione per condividere emozioni autentiche e trasformarle in un aiuto concreto.

Il palco vedrà la presenza di numerosi protagonisti della scena artistica genovese e non solo, tra cui Aldo De Scalzi, Andrea Di Marco, Bobby Soul, Giancarlo Morabito, Carlo Denei con gli Innamorati a Fegino, Chiara Lippi, Claudio Steri, Fabrizio Casalino, Federico Sirianni, Franco Fasano, I Trilli, Max Manfredi e molti altri, insieme alla partecipazione artistica di Mauro Moretti con i suoi disegni.

A condurre le serate sarà Simona Cappelli, affiancata da Giorgio Primicerio e dal Mago Gabriele Gentile.

L’ingresso è a offerta libera: l’intero ricavato sarà destinato a sostenere Aldo Ascolese. Chi non potrà essere presente potrà comunque contribuire attraverso una donazione tramite bonifico bancario intestato ad Aldo Ascolese (IBAN: IT32O0538701409000047041527).

Parlando dei suoi ruoli, Carla Signoris ha ricordato con affetto Doris, il pesce chirurgo blu di Alla ricerca di Nemo: "Mi ci sono ritrovata molto, come carattere somiglia molto a me. È rimasta nel cuore di tutti, specie di chi ha bambini piccoli".

Per il futuro, Signoris anticipa nuovi progetti e la seconda stagione di Balene: "Non ho ancora idea quando, ma entro quest’anno dovremmo iniziare". Ha espresso anche la sua passione per le opere prime, che definisce "contagiose per energia ed entusiasmo", e il desiderio di reinterpretare grandi classici: "Mi piacerebbe fare Anna Karenina, ma con un finale diverso, più allegro".

Sul rapporto con le colleghe, l’attrice sottolinea la sua fortuna: "Ho sempre avuto ottimi rapporti con le mie colleghe. Con Veronica Pivetti, ad esempio, ci siamo trovate in grande amicizia. E anche in film dove eravamo tante donne, come Diamanti, il clima era molto giocoso". Sull’eventuale invidia tra donne sul set, Signoris minimizza: "Ci sono giorni in cui sei più fragile, magari un pochino più invidioso, ma sono stupidaggini. Credo che gli uomini siano assolutamente uguali".

Concludendo, Carla Signoris conferma che il cinema resta un terreno dove storie e vite si intrecciano, e dove ogni ruolo porta inevitabilmente parti di sé: "Anche se dovessi fare un’assassina, porterei dentro qualche mio lato oscuro che forse non so se c’è. Ma forse c’è".

Un confronto diretto con i più giovani, curioso e partecipato: “Erano ragazzi molto incuriositi, con una platea numerosa”, spiega, evidenziando come momenti di questo tipo possano rappresentare un’occasione concreta di crescita e ispirazione. L’iniziativa, inserita nel contesto dei Portofino Days e organizzata a Villa Durazzo in collaborazione con Genova Liguria Film Commission e Confartigianato Liguria, ha rafforzato il legame tra formazione e territorio.

Molteni ripercorre anche la propria carriera, iniziata in Liguria e sviluppata negli anni tra cinema e televisione. “Ho fatto tanti film, fiction e soap tra Rai e Mediaset”, ricorda, citando tra i primi lavori Aurelia, girato proprio in Liguria e selezionato a festival internazionali. Un percorso che lo ha portato a lavorare anche all’estero e su diverse piattaforme.

Tra i progetti più recenti, il regista menziona Silenzio prima del giorno e il nuovo film Bookstock, ancora in uscita, entrambi realizzati in collaborazione con la Genova Liguria Film Commission. “Il pubblico decide, poi la critica è un’altra storia”, osserva, rivendicando l’importanza della risposta degli spettatori.

Guardando al futuro, l’obiettivo è valorizzare ancora il territorio: “Stiamo lavorando a una presentazione del film a Genova, con attori quasi tutti liguri”. E nuovi progetti sono già in cantiere, sempre con uno sguardo attento alla Liguria e alle sue potenzialità cinematografiche.

Il progetto nasce da un coinvolgimento profondo, non solo artistico ma anche personale. “È un tema caro a molti, ma soprattutto viene da una storia personale che ho voluto mettere in scena con tutto il cuore possibile”, spiega Molteni, evidenziando la componente autobiografica del lavoro. Pur trattandosi di un racconto romanzato, infatti, “le caratteristiche chiave le ho prese proprio dalla mia storia”.

Un film che unisce quindi esperienza diretta e narrazione cinematografica, con l’obiettivo di parlare a un pubblico ampio attraverso emozioni autentiche.

Guardando al futuro, il regista mantiene un cauto ottimismo: “Sono scaramantico, ma qualcosa c’è”, ammette, lasciando intendere nuovi progetti in cantiere. Tra questi, il desiderio di tornare presto dietro la macchina da presa: “Mi piacerebbe tornare qui con una seconda opera”, conclude, sottolineando il legame con il territorio che ha ospitato la presentazione.

Al centro della storia c’è il rapporto tra un padre e un figlio, segnato da distanza e incomprensioni, ma anche da un legame destinato a ricomporsi. “Racconta il rapporto fra un padre e un figlio che non si vedevano da anni. Ci sono attriti, ma poi le cose cominciano ad andare meglio”, racconta Mutti, evidenziando una narrazione fatta di conflitti e riavvicinamento.

Un ruolo che, in parte, si intreccia anche con la sua esperienza personale: “Un’esperienza vissuta ti aiuta, stimola sentimenti e ricordi, anche poco piacevoli”. Pur non trattandosi di una storia autobiografica, l’attore riconosce come alcune dinamiche lo abbiano toccato da vicino.

Nel film trova spazio anche una componente più leggera, grazie alla presenza della figura della nonna e a momenti di commedia: “È un film di sentimenti, leggero e piacevole”, aggiunge.

Quanto al futuro, Mutti resta cauto: “In questo momento non ho progetti immediati”, dice, ricordando però un recente lavoro realizzato a Genova, un docufiction per Rai Uno dedicato ai grandi cantanti della città, “da Bruno Lauzi in poi”.

Nel corso delle tre giornate si è parlato di temi diversi, dalla leadership femminile nel mondo delle serie tv e del cinema fino alla blue economy, ma ciò che colpisce maggiormente è la capacità di creare connessioni tra ambiti differenti. “La forza di questi incontri è legare vari aspetti dell’imprenditoria”, spiega Pecorelli, evidenziando un approccio trasversale e dinamico.

Un altro elemento distintivo è l’apertura al pubblico e ad altri settori. “Non sono incontri chiusi a chi fa il nostro mestiere, ma il contrario”, sottolinea, aggiungendo che questa formula permette “di far crescere idee e trovarne di nuove in settori diversi, tutti legati al territorio”.

Rispetto ad altri contesti, Pecorelli evidenzia una differenza significativa: “Spesso in altri festival si ripetono sempre le stesse cose, qui invece ogni volta trovo nuovi stimoli e nuove conoscenze”. Un’esperienza che conferma il valore dell’evento come spazio di confronto e innovazione.

“Abbiamo portato questo salvagente originale della Island Princess”, spiega, ricordando come queste imbarcazioni abbiano contribuito a lanciare il modello delle crociere moderne anche grazie alla televisione. Un oggetto che non è stato scelto a caso, ma come elemento di connessione tra mondi diversi: “È una bellissima connessione fra il mondo dello shipping e quello del cinema”.

Lo sguardo, però, è rivolto anche all’attualità. Senesi annuncia infatti un evento significativo per il territorio: “Per la prima volta nella storia una di queste navi, la Sun Princess, arriverà proprio qui a Santa Margherita, nel Tigullio”. Un ritorno simbolico, considerando che le navi originali non esistono più. “È stata demolita anni fa, ma siamo riusciti a conservare questo pezzo”, aggiunge, sottolineando il valore della memoria storica.

Il salvagente, oggi custodito ed esposto, diventa così il filo conduttore di un racconto che unisce passato e futuro, tradizione e innovazione nel segno del mare.

Il volto noto della televisione guarda avanti e anticipa un ritorno sulle scene, questa volta in teatro. “Mediaset mi ha chiesto ”, racconta, ma il progetto più concreto sembra essere quello teatrale. Dopo una prova al Teatro Colosseo di Torino, l’entusiasmo è evidente: “Non me l’aspettavo, era pieno di gente. È stata un’esperienza davvero bella”.

Al centro del nuovo spettacolo ci sarà la sua storia personale, senza filtri. “Racconto la vita, la vita vera. Ne ho passate tante, con e senza soldi, con il gioco e tante altre cose”, dice, sottolineando un percorso fatto di alti e bassi.

Il messaggio che vuole trasmettere è chiaro: “Il successo non arriva per caso. Quando vai avanti per tanti anni vuol dire che devi continuare a pedalare”. Un invito alla costanza e alla determinazione, che riflette il suo stesso percorso professionale.

E mentre guarda al futuro, non esclude nuove apparizioni: “Ogni pezzo è diverso”, conclude, lasciando aperte le porte a ulteriori sviluppi.

Riguardo ai progetti futuri, Bolla ha anticipato alcune novità: "Abbiamo lanciato l’ultimo progetto, che includerà anche un omaggio ad Alberto Sordi per il prossimo anno. Ci saranno tante novità e connessioni tra il mondo dell’industria creativa e quello dell’industria ligure".

Cristina Bolla ha inoltre spiegato l’inclusione di settori innovativi come la blue economy nei panel dei Portofino Days: "La mission è nata con il contributo di Ponente e l’esigenza di avere una struttura che ospitasse questa bellissima serie. Ci sono tanti progetti che ci hanno visti coinvolgere non solo il mondo dello sci, ma anche Porto Antico e produzioni come Blanca, girata sulle navi di Messina".

Infine, ha sottolineato il valore del territorio ligure per il cinema: "Da genovese che viene da Roma, tornare a Portofino è veramente il paradiso. La Liguria è cinema: questa terra è nata per essere ripresa, è nata per essere l’isola".

BILANCIO - Si sono chiusi i tre intensi giorni dei Portofino Days 2026, il festival che ha trasformato il piccolo borgo ligure in un vero e proprio hub della serialità e del cinema di qualità. La manifestazione, giunta alla sua terza edizione, ha celebrato l’eccellenza italiana e internazionale, alternando panel, anteprime e la cerimonia dei Portofino Days Awards, dove sono stati premiati interpreti, registi e professionisti dell’audiovisivo.

Tra i grandi protagonisti della serata, Carla Signoris ha ricevuto il premio come Migliore attrice ligure per una carriera poliedrica iniziata al Teatro Stabile di Genova e passata dal cabaret televisivo dei Broncoviz fino al cinema d’autore. Signoris ha costruito personaggi memorabili, portando con ironia e profondità l’identità ligure sul palcoscenico nazionale.

Premiata anche Martina Colombari come Migliore attrice, che ha trasformato la notorietà della vittoria di Miss Italia 1991 in una carriera solida e versatile tra cinema, teatro e televisione. Sul palco ha ricordato come la sua bellezza iniziale sia stata un’opportunità e una sfida, ma anche come la determinazione e la professionalità le abbiano permesso di affrontare ruoli complessi e diversificati.

Sul fronte maschile, il premio Miglior attore è andato a Romano Reggiani, interprete di ruoli generazionalmente significativi, da 1993 a Mare fuori 6, mentre Austin Stowell è stato riconosciuto come Migliore attore straniero portando in anteprima europea la serie NCIS: Origins. Il festival ha celebrato anche i professionisti dietro le quinte: Beniamino Catena è stato premiato come Miglior regista per la sua capacità di rinnovare il linguaggio della serialità italiana, e Davide Nardini, Head of Italian Scripted Originals di Amazon Studios, ha ricevuto il riconoscimento per il suo contributo allo sviluppo della fiction italiana a livello globale.

Tra i momenti più attesi, l’anteprima europea di NCIS: Origins ha offerto un ponte tra l’industria americana e quella europea, confermando la vocazione internazionale del festival. La cerimonia ha sottolineato come Portofino continui a consolidarsi come punto di riferimento per il dialogo tra talenti nazionali e internazionali, promuovendo innovazione, qualità e visibilità globale alla serialità italiana.

Per Ammirati, il successo delle serie tv non dipende da un segreto nascosto, ma da un lavoro attento e complesso: "Quando fai un lavoro così articolato, con tanti attori, associazioni e film commission, chiaramente ha bisogno di una grande cura". Fondamentale, secondo la direttrice, è la scrittura: "Io credo moltissimo nella scrittura, infatti la qualità della scrittura che seguiamo ci dà risultati migliori".

Un altro elemento chiave del successo della fiction italiana è la scoperta di nuovi talenti: "Abbiamo avuto il piacere negli anni di scoprire tantissimi attori giovani, come Maria Chiara Giannetta, protagonista di Blanca". Ammirati ha poi parlato dei progetti futuri della Rai: "Siamo adesso in onda con Guerrieri, partiremo con una serie con Bisio molto bella, un nuovo commissario, e una serie nuova chiamata Una finestra vista lago".

Infine, sulla Liguria e i progetti locali: "Adesso faremo sicuramente Blanca il prossimo anno, consolidando un grande sequel. Abbiamo almeno altri due titoli in sviluppo che probabilmente vedranno la luce a Genova e dintorni. La costa, tutto quello che c’è di bello qui, è bellissima".

Riflettendo sul suo percorso, Colombari ha parlato della sua trasformazione da icona di bellezza a attrice e professionista: "Finalmente io non vedevo l'ora che mi stravolgessero un pochino, perché questa bellezza ti ha pesato in questo lavoro. Sicuramente mi è stata d’aiuto, ed è stata una fortuna vincere un concorso di bellezza, perché da lì ho iniziato tutta la mia carriera".

L’attrice ha raccontato anche il suo approccio ai ruoli: "La possibilità di vedere che anche un bel volto si può trasformare e interpretare un altro personaggio, un ruolo non necessariamente legato a una bella donna con gli occhi azzurri". Ha ricordato il suo primo provino con Checco Zalone e Gennaro Nunziante: "Mi hanno detto 'Sappi che di questo non ci sarà più niente' e ho pensato finalmente, vedremo".

Per il futuro, Martina Colombari annuncia nuovi progetti: "Prossimi progetti a teatro l’anno prossimo, con un testo francese che abbiamo già portato in scena quest’anno. E poi uscirà un mio libro per Mondadori, sullo stile di vita sano, quello che sto mettendo in atto da anni per la mia salute e il mio benessere".

Attore, cantautore, autore e affabulatore, Riondino aveva costruito negli anni un percorso personale lontano dalle mode, mantenendo sempre uno sguardo libero e curioso. Dalle esperienze televisive alla collaborazione con intellettuali e artisti, fino al teatro di parola, ha incarnato una forma di spettacolo colto ma accessibile, mai banale.

A Genova, città che lo aveva accolto più volte, resta vivido il ricordo della sua ultima apparizione nell’estate del 2023, quando salì sul palco del Palazzo Reale insieme a Dario Vergassola. I due portarono in scena “Morgante e Margutte”, rilettura brillante del poema di Luigi Pulci, nell’ambito della rassegna ideata da Sergio Maifredi.

In quella serata, tra le sale del palazzo di via Balbi, Riondino mostrò ancora una volta il suo talento di narratore e improvvisatore, muovendosi con naturalezza tra i versi e l’ironia, in perfetta sintonia con Vergassola. Era il suo teatro: leggero solo in apparenza, capace invece di affondare nelle radici della letteratura per restituirla al pubblico con freschezza e intelligenza.

Quell’interpretazione, tra il colto e il popolare, resta oggi una delle ultime immagini di un artista che ha fatto della parola il suo strumento più potente. E che fino all’ultimo ha saputo usarla per divertire, far pensare e, soprattutto, creare un legame diretto con chi ascoltava.

Il ricordo di Sergio Maifredi - «Con David Riondino se ne vanno le ballate, i sogni e le emozioni che sapeva suscitare con le parole e la musica – dichiara Sergio Maifredi, fondatore e direttore artistico di Teatro Pubblico Ligure – Sentiremo la mancanza di un uomo e di un artista libero, controcorrente, scomodo, ironico e colto come David Riondino. Un artista per me sempre contemporaneo con uno sguardo sempre oltre. Stavamo lavorando a un nuovo spettacolo su Georges Simenon, a cui teneva molto». “Il Mediterraneo in barca” con Riondino protagonista nel ruolo di Simenon, avrebbe debuttato il 25 giugno al teatro romano di Fiesole. «Sono onorato – continua Maifredi – di avere lavorato con lui più di 15 anni, dal 2011. Alla fine degli anni Ottanta, mentre frequentavo l’Accademia a Milano, ascoltai uno dei suoi primi dischi “Racconti picareschi” e in particolare la canzone “L’impiegatino asburgico”, e trovai che fosse un genio assoluto. L’ho poi conosciuto personalmente molti anni dopo, grazie a Dario Vergassola. La collaborazione professionale iniziò con “Odissea un racconto mediterraneo”. Insieme al suo amico Dario recitava il 24° canto, “L’ultima Odissea”. Riondino aveva una cultura sterminata, era preparato su qualunque argomento gli proponessi, dalle Argonautiche, al Corsaro nero, alle terzine di Dante, al Decameron, su cui aveva curato una trasmissione Rai insieme a Maurizio Fiorilla. Tutti spettacoli che abbiamo portato in scena. David faceva parte del consiglio artistico di Teatro Pubblico Ligure: con lui mi sono confrontato su molti progetti. Sapeva sempre dare un consiglio meditato e originale». La collaborazione con Teatro Pubblico Ligure ha dato origine a molte altre produzioni, compreso uno spettacolo che Riondino aveva realizzato con il musicista Fabio Battistelli ed è stato ripreso dopo anni: “La Buona Novella”, proposto a Ventimiglia e a Finale Ligure, in cui venivano ricordati fra l’altro gli anni in cui Riondino apriva i concerti di Fabrizio De Andrè. L’ultimo spettacolo andato in scena in Liguria è “La Traviata delle camelie”, che vedeva sul palco Riondino e Vergassola, il 21 dicembre al Teatro Sociale di Camogli, un’altra produzione di Teatro Pubblico Ligure ripresa per volontà dei due artisti che volevano tornare in pubblico con un loro spettacolo nato anni prima. «David per noi – dice ancora Maifredi – è stato l’essenza del nostro viaggiare. Per le nostre “Parole antiche per pensieri nuovi”, David era sempre “parole nuove”».

Il riferimento nasce dalla famosa frase attribuita al Nobel — «la valle più bella del mondo» — da sempre legata alla Val Trebbia, anche se non manca chi la contende alla vicina Val d'Aveto. Tra storia e leggenda, il mito dello scrittore affascinato da questi paesaggi resta parte integrante dell’identità locale.

La decisione di rinominare la riserva, scrive il Secolo XIX, è anche una mossa di valorizzazione del territorio. Dopo anni di difficoltà, la gestione passa direttamente al Comune, che punta a rilanciare l’area nel cuore del Parco naturale regionale dell'Antola.

Secondo la tradizione, Hemingway avrebbe attraversato la valle nel 1945, durante il suo periodo da corrispondente di guerra, viaggiando lungo la Statale 45. Appassionato di pesca e di fiumi italiani, avrebbe trovato qui un ambiente ideale, simile ad altri luoghi da lui amati come il Brenta o il Tagliamento.

Oggi la riserva offre un’ampia varietà di specie, tra cui trote fario, salmonate e iridee, ed è adatta sia alla pesca a mosca sia alle tecniche più tradizionali. Un contesto naturale suggestivo che punta ad attirare appassionati e turisti, nel segno di un nome che unisce letteratura e paesaggio.

«Si tratta di un settore molto ampio – ha spiegato – che abbiamo recentemente censito nell’ambito del Libro Bianco sul Made in Italy 2030». Un comparto articolato, che comprende oltre cento codici ATECO e che testimonia la grande varietà e ricchezza del sistema produttivo culturale italiano.

Proprio per questa complessità, il settore richiede interventi mirati, inseriti all’interno di una strategia nazionale attualmente in fase di definizione. Un lavoro congiunto che coinvolge il Ministero della Cultura, il Ministero degli Esteri e il Ministero delle Imprese e del Made in Italy, con l’obiettivo di rafforzare la presenza italiana sui mercati internazionali.

Sul fronte degli strumenti concreti, Eichberg ha sottolineato l’importanza di ampliare il perimetro delle imprese culturali e creative, anche attraverso la creazione di un albo dedicato e l’estensione del registro delle imprese. «Questo consente di accedere a incentivi fondamentali – ha evidenziato – come il Fondo centrale di garanzia per le PMI, le misure per la digitalizzazione e il sostegno alle start-up, che in passato erano escluse».

Non solo risorse economiche, ma anche competenze: «È fondamentale investire nella formazione – ha aggiunto – perché il settore ha sempre più bisogno di figure in grado di guidare la trasformazione digitale e l’innovazione, in particolare nell’audiovisivo».

Eichberg ha poi sottolineato il valore simbolico e concreto di eventi come i Portofino Days, capaci di attrarre talenti e produzioni da tutto il mondo. «È un grande orgoglio per l’Italia e per la Liguria – ha dichiarato – che si conferma un territorio attrattivo anche grazie al lavoro della Genova Liguria Film Commission e delle istituzioni locali». Il territorio, infatti, rappresenta uno scenario naturale ideale per produzioni cinematografiche e audiovisive, sempre più spesso scelte a livello internazionale.

Guardando al futuro, la sfida principale sarà quella tecnologica. «Ci aspettiamo una crescente competizione sulle tecnologie – ha concluso – ma vogliamo che questo non penalizzi il fattore umano, che resta imprescindibile». Intelligenza artificiale, metaverso e innovazione dovranno essere strumenti al servizio delle imprese e dei professionisti del settore, accompagnati da politiche capaci di sostenerne la crescita.

Un percorso che punta a rendere le industrie culturali e creative sempre più centrali nello sviluppo economico e nell’identità internazionale dell’Italia.

Per Graiani confrontarsi con un artista di tale portata rappresenta «un onore» ma anche «una necessità». Il cantautore, infatti, ha segnato profondamente non solo la storia musicale del Paese, ma anche l’identità stessa di Genova. «Paoli è stato tantissimo per Genova, ed è stato tantissimo per la musica italiana», ha spiegato, sottolineando l’autenticità «sconvolgente» e la coerenza che hanno sempre contraddistinto l’artista.

Il docufilm, intitolato Matto come un gatto — richiamo diretto a una delle celebri espressioni paoliane — è un progetto coltivato da tempo. La prima versione della sceneggiatura è stata completata a settembre, mentre proprio negli ultimi giorni si stanno ultimando le revisioni in vista delle riprese, previste tra la primavera e l’inizio dell’estate.

Immergersi nell’universo di Paoli, ha raccontato Graiani, significa confrontarsi con «un mondo infinito». Nonostante il cantautore abbia già raccontato molto di sé, resta ancora uno spazio narrativo capace di offrire nuove prospettive, soprattutto nel rapporto profondo e reciproco tra l’artista e la sua città: Genova è Paoli e Paoli è Genova, in un legame destinato a durare nel tempo.

Oltre alle canzoni, ciò che rimane è anche un approccio innovativo e intimista alla scrittura musicale. Paoli è stato tra i primi a cambiare il punto di vista della canzone italiana, introducendo una dimensione più personale e riflessiva nei testi.

Ma il ritratto che emerge va oltre la musica. Graiani ha ricordato anche il Paoli pittore, «meraviglioso», e ha voluto sfatare il luogo comune che lo descrive come una persona malinconica: «Non è assolutamente vero, Paoli era la vita», ha detto, evidenziandone la vitalità e la capacità di coltivare amicizie profonde.

Tra queste, spiccano figure che hanno segnato la cultura italiana, come Renzo Piano, protagonista del rinnovamento architettonico genovese, e Fabrizio De André, insieme a Bruno Lauzi, compagni di quella straordinaria stagione della cosiddetta “scuola genovese”.

Infine, emerge anche il lato più ideologico e personale dell’artista: un’anarchia che affonda le radici nella sua storia familiare ma che, come spiegava lo stesso Paoli, si traduce in una visione etica e umanistica della libertà. Non una posizione politica, ma un’utopia fondata sul rispetto e sulla libertà individuale, elemento imprescindibile per ogni vero artista.

Il docufilm si preannuncia così come un viaggio intenso e sfaccettato, capace di restituire tutta la complessità di un protagonista assoluto della cultura italiana.

Il sindaco della Spezia Pierluigi Peracchini dichiara: “Accogliere al Museo Civico “Amedeo Lia” un’opera di così straordinario valore come la Resurrezione di Jacopo Tintoretto, tra i massimi protagonisti del Rinascimento veneziano del Cinquecento, rappresenta per la nostra città un momento di grande prestigio culturale. Il prestito concesso dalle Gallerie dell’Accademia di Venezia, tra le più importanti istituzioni museali del Paese, testimonia la credibilità e il livello ormai raggiunto dal nostro Museo. In occasione della Pasqua, questa mostra assume un significato ancora più profondo, offrendo alla comunità e ai visitatori un’opportunità di riflessione sui temi universali della vita, della morte e della rinascita, che da sempre accompagnano la tradizione cristiana e la sua rappresentazione artistica. Questa esposizione è inoltre l’occasione per inaugurare il nuovo ingresso e la rinnovata reception, un ulteriore investimento dell’Amministrazione volto a rendere il Museo sempre più attrattivo, accogliente e all’avanguardia, capace di rispondere alle esigenze di cittadini e turisti anche a livello internazionale. È anche il risultato concreto dell’impegno dell’Amministrazione, che ha scelto di investire con decisione nella valorizzazione del Museo. Grazie al rinnovo dell’accordo con la famiglia Lia per il comodato d’uso gratuito delle opere, elemento fondamentale per garantire continuità e qualità alla proposta culturale. Un lavoro che guarda al futuro, con l’obiettivo di rendere La Spezia sempre più protagonista nel circuito dell’arte e della cultura”.

Entrambe le iniziative, il restyling e la mostra, sono parte integrante del percorso delle celebrazioni del trentennale del Museo. Nel solco della valorizzazione straordinaria del “piccolo Louvre della Liguria” su cui l’Amministrazione ha investito importanti risorse anche grazie al rinnovato accordo con la famiglia Lia nel 2023, è stato completamente ripensato l’ingresso del Museo con due eleganti lampadari, è stata ristrutturata la reception con un desk in legno e cornici a rilievo con immagini delle opere del museo retroilluminate, rinnovata l’area bookshop rinnovata e sostituite le vetrate nelle parti superiori senza oscuranti per permettere la vista immediata dell’interno del Museo.

“La Resurrezione di Tintoretto. Morte e vita: il prodigioso duello” a cura di Andrea Marmori prende spunto dal celebre verso della sequenza pasquale Victimae Paschali Laudes, tradizionalmente cantata nella solennità di Pasqua: “Morte e Vita si sono affrontate in un prodigioso duello”. Da questa immagine liturgica nasce l’idea di mettere a confronto opere che affrontano, con sensibilità e linguaggi differenti, i momenti cruciali della vicenda evangelica: la morte di Cristo, la deposizione e la resurrezione.

Fulcro dell’esposizione è la grande Resurrezione di Cristo di Tintoretto, dipinto monumentale originariamente collocato nel Palazzo Ducale di Venezia, nella cosiddetta Stanza dello Scudo, ambiente destinato al ricevimento degli ospiti illustri e decorato con carte geografiche raffiguranti i territori della Serenissima e le regioni del mondo conosciuto. In questo contesto simbolico, dominato dall’immagine del potere veneziano e dall’idea di un universo esplorato e dominato dalla Repubblica, si ergeva la figura del Cristo risorto, lux mundi, che emerge trionfante dal sepolcro con il vessillo crociato, segno della vittoria della vita sulla morte.

Nel dipinto, la scena è costruita con grande forza drammatica. Cristo si leva luminoso sopra il sepolcro, mentre la sua figura irradia una luce salvifica che rischiara l’oscurità circostante. Intorno a lui le guardie sono travolte dall’evento miracoloso: distese in primo piano con la monumentalità di antiche divinità fluviali, mostrano muscolature possenti e pose scomposte, quasi accecate dalla rivelazione improvvisa. Sul fondo si intravede il Golgota, immerso in una luce livida, con le croci ancora visibili all’orizzonte. La composizione unisce tensione teatrale e potenza luministica, elementi caratteristici della pittura di Tintoretto.

Accanto a questa tela di grandi dimensioni, il percorso propone il confronto con la Deposizione dalla croce, conservata al Museo Lia, opera databile tra il 1555 e il 1556, anch’essa opera Tintoretto. Il dipinto testimonia un momento particolare nell’ascesa dell’artista veneziano, segnato dal confronto con le novità introdotte a Venezia dal giovane Paolo Veronese, giunto in città nel 1553. In questa fase Tintoretto sperimenta una tavolozza più chiara e brillante, con gialli cremosi e rosa vellutati che schiariscono la tradizionale gamma cromatica più cupa e drammatica della sua pittura.

Nonostante questa apertura cromatica, il racconto mantiene un’intensità tragica profonda: il corpo nudo di Cristo, disteso accanto alla Madre, troppo giovane e troppo bella nella sua disperazione, diventa il centro emotivo della scena, mentre attorno si agitano figure sconvolte da gesti disperati e movimenti convulsi.

A completare il dialogo è il Cristo deposto di Giovanni Busi detto Cariani, una delle opere più suggestive della collezione del Museo Lia e tra le più alte testimonianze della pittura lombardo-veneta tra Quattro e Cinquecento.

Cariani, artista legato al contesto culturale tra Venezia e Bergamo, sviluppa una pittura caratterizzata da una forte concretezza espressiva e da una resa plastica delle figure influenzata tanto dalla tradizione veneziana quanto dalle suggestioni lombarde. Nel dipinto del Museo Lia il corpo di Cristo appare livido e scultoreo, sorretto da figure enigmatiche vestite all’antica e probabilmente riconducibili a un contesto familiare della committenza. L’assenza della croce, il paesaggio fumoso sullo sfondo e lo sgomento degli astanti contribuiscono a creare una scena sospesa e drammatica, dove il pathos della Passione si intreccia con una sorprendente intensità umana.

Attraverso il confronto tra queste opere, la mostra invita a riflettere su come gli artisti del Rinascimento abbiano affrontato e interpretato i temi fondamentali della liturgia pasquale — dalla crocifissione alla deposizione, dal compianto fino alla resurrezione — traducendo il dramma e la speranza della vicenda cristiana in immagini di straordinaria potenza narrativa.

L’esposizione si configura dunque come un percorso di lettura iconografica e spirituale che, partendo dalle opere conservate nel museo e arricchendosi della presenza eccezionale della grande tela veneziana, mette in scena il confronto tra Morte e Vita, tra dolore e redenzione, tra ombra e luce: quel “prodigioso duello” che costituisce il cuore della tradizione pasquale e della sua rappresentazione artistica.

Bolla evidenzia subito la dimensione globale dell’evento: "Ci sono produzioni che provengono da sette Paesi e produzioni internazionali che vengono proprio nel nostro territorio per scoprire tutte le peculiarità", con l’obiettivo concreto di trasformare queste visite in future produzioni televisive e cinematografiche girate in Liguria.

La manifestazione si sviluppa nell’arco di tre giorni, con un programma ricco di incontri ed eventi: "Si inizia oggi, ma è una tre giorni che ci sarà anche domani e domenica, con tanti eventi e tanti personaggi". Un’occasione non solo di networking, ma anche di promozione strategica del territorio.

Un punto centrale dell’edizione è il ruolo delle istituzioni nel sostenere il settore audiovisivo. Bolla spiega infatti che verranno presentate le misure messe in campo per attrarre le produzioni: "Presenteremo tutte le attività del ministero e della Regione Liguria per attrarre le produzioni dal punto di vista dei servizi e dei bandi".

Non si tratta solo di offrire location suggestive, ma di costruire un sistema competitivo: "Diventa un elemento di forza poter ospitare le produzioni non solo come servizi logistici, ma dare anche contributi reali, che sono il motore di questa industria".

L’obiettivo è chiaro: non scoprire prodotti da vendere, ma valorizzare idee artistiche. “Non c’è una finalità di mettere sul mercato nessuno”, spiega De Scalzi, sottolineando come il focus sia su proposte “compositive, creative, musicali e anche teatrali”. Il progetto, infatti, si apre anche ad altri linguaggi, come la stand-up comedy.

La selezione riguarderà artisti di ogni età, senza barriere, con un unico criterio: “Il punto focale è la creatività”. I partecipanti saranno valutati da professionisti del settore e una decina di loro sarà accompagnata in un percorso di crescita. “Ti diamo una mano a portare avanti un tuo discorso, a capire qual è la strada migliore”, racconta.

Una delle caratteristiche distintive dell’iniziativa è il rifiuto delle logiche mainstream: “Non imponiamo modelli, non diciamo ‘va di moda questo, fai questo’”. Al contrario, si punta a valorizzare l’identità artistica individuale, spesso smarrita in un sistema discografico sempre più standardizzato. “Oggi chi ha una scintilla creativa si trova completamente disorientato”, osserva.

De Scalzi precisa di non voler attaccare i giovani artisti di successo, ma piuttosto offrire un’alternativa. Altro elemento centrale è l’accessibilità: la partecipazione è gratuita. “Quando c’è una tassa di iscrizione, vuol dire che qualcosa non torna”, afferma senza mezzi termini. L’idea è quella di garantire un vero “metro di merito”, senza barriere economiche.

Il progetto nasce a Genova, nel quadro delle attività del locale Zenuino di vico del Fieno, e si lega anche alla tradizione artistica locale, pur senza mitizzarla: “La cosiddetta scuola genovese non è una scuola, ma una somma di talenti individuali”. Proprio da questo spirito nasce la volontà di far emergere nuove voci del territorio, senza costringerle a cercare altrove il proprio spazio.

Infine, De Scalzi guarda anche ai giovani e al loro rapporto con la musica, in particolare nel cinema: “C’è una tensione altissima a uscire dai dogmi della musica pop”. Le colonne sonore, spiega, rappresentano ancora uno spazio di libertà creativa, capace di unire sperimentazione e formazione.

“Voci dai carruggi” si propone così come un laboratorio aperto, dove la creatività torna al centro: niente competizione, niente format preconfezionati, ma un percorso condiviso per dare forma alle idee.

Molti ricordano con particolare affetto Sapore di sale, brano simbolo degli anni Sessanta che evoca estati, primi amori e spensieratezza. Per qualcuno è il ricordo dei balli giovanili, come il “ballo della mattonella”, per altri è legato a momenti più intimi e personali, come l’incontro con il proprio marito o giornate passate in barca con un mangianastri acceso a diffondere le note di Paoli. Sono memorie semplici ma potentissime, che ancora oggi suscitano emozione.

Accanto a questo classico intramontabile, emerge con forza anche La gatta, canzone profondamente radicata nel borgo perché nata proprio tra queste vie. Gli abitanti la sentono “loro”, quasi fosse un racconto collettivo. C’è chi ricorda eventi e aneddoti legati a questo brano, come piccole manifestazioni locali o storie curiose che nel tempo hanno contribuito a costruire una memoria condivisa.

Dalle testimonianze emerge anche il ritratto di un uomo riservato. Paoli viene descritto come una presenza discreta, spesso silenziosa, con il suo cappotto scuro e gli occhiali neri. Non era una figura mondana: parlava poco, osservava molto. Qualcuno lo ricorda mentre passeggiava sul lungomare, fermo a guardare il mare, forse immerso nei propri pensieri o nei ricordi del periodo in cui viveva proprio lì. Altri lo hanno visto in compagnia di Ornella Vanoni, ma sempre mantenendo quell’aura schiva tipica degli artisti.

Non tutti, però, hanno avuto occasione di incontrarlo di persona. Alcuni abitanti raccontano di non averlo mai visto, pur sapendo che frequentava il borgo. Eppure, anche senza un incontro diretto, il legame resta forte grazie alla sua musica, che ha attraversato generazioni.

Un tema ricorrente nelle interviste è proprio l’idea della sua eredità artistica. Le canzoni di Paoli vengono definite “poesie”, destinate a rimanere nel tempo, al pari di quelle di Fabrizio De André. Secondo molti, anche i giovani di oggi continuano ad apprezzarle, proprio per la loro autenticità e profondità, caratteristiche che le distinguono dalla musica contemporanea.

Grande emozione suscita anche la notizia della dispersione delle sue ceneri nel mare di Boccadasse. Per gli abitanti si tratta di un gesto naturale e profondamente coerente con la sua storia: un ritorno simbolico in un luogo che ha segnato la sua vita e la sua arte. Il mare, spesso presente nelle sue canzoni, diventa così anche il luogo del suo ultimo saluto.

A Boccadasse, dunque, Gino Paoli non è solo un nome della musica italiana: è un pezzo di memoria collettiva, una presenza che continua a vivere tra le onde, nei racconti degli abitanti e nelle note delle sue canzoni, che ancora oggi risuonano tra mare e nostalgia.

Festival – La manifestazione si svolge tra Portofino, Santa Margherita Ligure, Rapallo e Genova, trasformando il territorio in un punto di riferimento per professionisti del settore, studenti e appassionati. In programma incontri, proiezioni, masterclass e momenti di networking dedicati alla fiction e alle serie tv.

Obiettivo – L’iniziativa mira a rafforzare il dialogo tra industria audiovisiva, istituzioni e nuove generazioni. Un’occasione per promuovere la Liguria come location privilegiata per produzioni cinematografiche e televisive, valorizzando paesaggi e patrimonio culturale.

Partecipazione – Attori, registi, sceneggiatori e produttori si confronteranno su tendenze e sviluppi del settore. Il festival, promosso da Regione Liguria e organizzato insieme agli enti locali, si conferma come uno degli appuntamenti più rilevanti del panorama italiano.

Dichiarazioni – “Portofino è orgogliosa di ospitare anche quest’anno un evento che porta nel nostro borgo i protagonisti della fiction e dell’audiovisivo internazionale”, ha dichiarato il sindaco Matteo Viacava. “I Portofino Days rappresentano un’importante occasione di confronto culturale e professionale”.

Location – Il programma si sviluppa in alcune delle sedi più suggestive del Tigullio, tra cui Villa Durazzo e il Convento dei Cappuccini. Gli appuntamenti, aperti anche al pubblico, offrono momenti formativi e occasioni di incontro diretto con gli operatori del settore.

Organizzazione – La direzione è affidata a Cristina Bolla, affiancata dai vice direttori Giorgio D’Alia e Matteo Garnero, con un board composto da figure di rilievo dell’industria audiovisiva.

Il programma, nato da un'idea dell'editore Massimiliano Monti, è condotto da Roberto Rasia. I personaggi si raccontano sia sotto l'aspetto professionale che umano.

L'intervista è in onda alle 20 e 23 ed è reperibile anche on demand sul sito telenord.it

Al Galata, nel pomeriggio di entrambe le giornate (dalle 15 alle 18), spazio alla “Caccia al Tesoro di Primavera”, pensata per bambini e famiglie. Un percorso interattivo tra le sale del museo guiderà i partecipanti attraverso indizi, prove pratiche e attività legate al mondo della navigazione: dal riconoscimento delle spezie ai nodi marinari, fino alla scoperta di un messaggio segreto. L’esperienza si conclude con una merenda e una sorpresa a tema, realizzata in collaborazione con il marchio Pesto di Prà.

Sabato sera il museo cambia volto con “Notte di Mare e Memorie”, una visita guidata in notturna (dalle 21) che si sviluppa tra luci soffuse e torce. I visitatori saranno accompagnati in un viaggio immersivo tra le galee genovesi, tra racconti e atmosfere evocative che riportano alla Genova del Seicento. Ideato e condotto dal direttore Pierangelo Campodonico, il percorso punta a offrire un’esperienza coinvolgente e quasi teatrale, capace di restituire il lato più affascinante e meno noto della città.

Domenica 29 marzo le attività si spostano all’aperto, alla Lanterna, con “La Lanterna… a pezzi!”, un’iniziativa dedicata alle famiglie. Tra mura antiche, alberi e fortificazioni, i partecipanti saranno chiamati a cercare e ricomporre frammenti simbolici della lunga storia del faro, risalente a quasi nove secoli fa. Un modo originale per scoprire curiosità e segreti del monumento più caro ai genovesi.

Intanto, torna completamente percorribile anche la passeggiata che conduce alla Lanterna, riaperta dopo i lavori legati al tunnel sub-portuale. Un’occasione in più per vivere uno dei percorsi panoramici più suggestivi affacciati sul porto.

Le iniziative rientrano nel progetto “Insieme per la Lanterna”, sostenuto da realtà come Gruppo Finsea, PSA Italy, Fondazione Carige e Fondazione Compagnia di San Paolo, con l’obiettivo di valorizzare il patrimonio culturale e marittimo della città.

A raccontarne il cuore artistico è Giorgio Primicerio, che descrive lo spettacolo come “un viaggio nelle melodie senza tempo”, capace di far riaffiorare ricordi ed emozioni: “lo spettatore potrà riconoscersi nelle canzoni, tra un sorriso e magari anche una lacrima”. Protagonista sarà Franco Fasano, definito “il mattatore della serata”, che accompagnerà il pubblico tra aneddoti e grandi successi, affiancato da musicisti di alto livello. Non mancheranno omaggi alla tradizione del cantautorato italiano, con un’attenzione particolare alla scuola ligure e un ricordo speciale dedicato a Gino Paoli.

Ma la musica, sottolinea Primicerio, è soprattutto connessione emotiva: “quando qualcuno racconta una storia attraverso una canzone, ci si ritrova nelle sensazioni più profonde”. Ed è proprio questa dimensione che rende lo spettacolo qualcosa di più di un semplice concerto.

Al centro dell’iniziativa c’è infatti la solidarietà. Come spiega Santo Durelli, presidente dell’Associazione Amici Banca degli Occhi, l’obiettivo è sostenere una realtà fondamentale: “la banca degli occhi è il collegamento tra la donazione delle cornee e il trapianto”. Un lavoro complesso e spesso poco conosciuto, ma essenziale per ridare la vista a chi l’ha perduta. “Siamo orgogliosi di dire che circa 3800 persone hanno potuto riacquistare la vista”, evidenzia.

La serata sarà anche occasione per valorizzare il mondo del volontariato, con la premiazione di tre associazioni particolarmente attive nel sociale. “Questo è fare rete solidale”, sottolinea Durelli, evidenziando l’importanza di creare collaborazione concreta tra realtà diverse.

“Gente di una certa” si presenta quindi come un intreccio di arte, memoria ed impegno civile, dove la musica diventa strumento per “ridare la luce”, non solo in senso simbolico ma anche reale. Un appuntamento accessibile a tutti, con un biglietto contenuto, che dimostra come cultura e solidarietà possano andare di pari passo.

Musso chiarisce subito la natura del loro rapporto: «Non posso dire che fossimo amici, però abbiamo avuto occasione di conoscerci e l’impressione che mi ha lasciato vive ancora adesso». Un incontro nato in modo inatteso, durante la sua candidatura a sindaco, quando fu proprio Paoli a cercarlo: «In modo del tutto inaspettato mi chiamò per parlare del programma». Da quell’incontro nacque una sintonia che si tradusse in un gesto sorprendente: «Decise di sostenere la mia candidatura… una scelta veramente anomala, lui uomo di sinistra appoggiò un liberale come me». Per Musso, questo episodio conferma un tratto fondamentale del cantautore: «Era una persona spiazzante, soprattutto un uomo libero», capace di prendere posizione senza farsi condizionare, anche a costo di critiche.

Accanto al lato pubblico, emerge anche un ricordo più intimo e personale: una cena a casa sua con un’ospite d’eccezione, Ornella Vanoni. «A un certo punto si sedettero al piano… lui suonava e lei cantava “Senza fine”». Un momento spontaneo e indimenticabile: «Una cosa assolutamente non richiesta… un ricordo molto bello».

Musso sottolinea poi l’autenticità di Paoli: «Non c’era un personaggio pubblico… era lui, senza barriere, senza ipocrisie». Un uomo coerente anche nelle scelte artistiche e politiche, capace di esporsi: «Ha avuto la forza di sostenere un candidato perché lo convinceva, senza preoccuparsi delle critiche».

Un altro aspetto che ricorda con forza è il suo spirito indipendente, anche nel giudizio sul mondo musicale: Paoli «prendeva le distanze da un sistema che dava una chance a tutti per poi vedere chi emerge», rifiutando una logica industriale e casuale del successo.

Infine, Musso evidenzia come Paoli fosse refrattario a etichette, visto che amava dire «Non siamo stati una scuola, eravamo talenti individuali», a conferma di una personalità unica e difficilmente incasellabile. E non esclude l'idea di dedicare a Paoli uno spazio nella nuova aerostazione del 'Colombo'.

La diagnosi, livello due, inizialmente -scrive il Secolo XIX - ha spaventato i genitori, Florida e Ilir, che avevano notato qualche ritardo nella comunicazione del figlio. Con terapie, sport e stimoli mirati, Ethan ha iniziato a esprimersi e socializzare. La vera svolta è arrivata con la moda: grazie all’agenzia Jasmin's Cinema Moda and Dance, ha iniziato a partecipare a concorsi e sfilate, migliorando il suo linguaggio, la sicurezza e la capacità di relazionarsi.

 La vittoria a Sanremo ha confermato il talento e la determinazione del piccolo: la giuria ha premiato la sua autenticità e la sua bellezza naturale. Il futuro è già pieno di nuove opportunità: casting a Milano, possibili set televisivi e cortometraggi. 

Al centro del monologo ci sono soprattutto i rapporti umani, profondamente mutati: «Adesso ci si conosce chattando… e quando ci si vede si arriva subito all’intimità, ma magari non ci si può ancora baciare perché “non ci conosciamo abbastanza”». Un paradosso che evidenzia come le dinamiche relazionali siano diventate più veloci ma anche più contraddittorie.

Manera allarga poi lo sguardo alla società, dominata da informazioni e spesso da confusione: «Viviamo in un mondo in qualche modo dominato dalle bugie», osserva, collegando questo clima anche alle difficoltà nel rapporto tra genitori e figli. Da qui nasce una domanda centrale: come si sopravvive a questo caos? La sua risposta è semplice ma profonda: «Ristabilire, quando si può, un senso di comunità», perché la felicità non dipende solo dalla ricchezza ma dalla condivisione.

Le contraddizioni emergono anche nei comportamenti quotidiani, come l’alimentazione: si cerca il cibo sano, ma poi si cede agli eccessi dell’ultimo minuto, magari “corretti” con un tocco salutista per sentirsi in pace. Oppure nel rapporto con il corpo: da un lato l’invito ad accettarsi, dall’altro modelli irraggiungibili di perfezione. Tutto questo, conclude, genera «un corto circuito… non sappiamo più esattamente come comportarci».

Accanto alla riflessione, Manera porta anche elementi autobiografici. Racconta il suo legame con Genova, città per lui “magica”, e ripercorre i suoi inizi: «Ho cominciato a 17 anni facendo il mago comico… e da lì non ho più fatto altro», passando da spettacoli per bambini a esibizioni notturne nei locali più disparati.

Sul mestiere di artista, offre un consiglio diretto e sincero: «Bisogna scrivere di cose che ti interessano davvero… così riesci a essere più vero e arrivare al pubblico». Una visione che richiama anche il teatro-canzone di Giorgio Gaber, dove il palco diventa una forma di terapia condivisa.

Infine, ricordando l’esperienza a Zelig, sottolinea il valore del gruppo: «All’inizio eravamo come amici… ci davamo consigli», un clima raro che, secondo lui, è stato anche il segreto del successo.

In sintesi, Corto Circuito è uno spettacolo che fa ridere ma anche pensare: un ritratto lucido e ironico di un’epoca piena di incoerenze, in cui orientarsi è difficile, ma non impossibile—soprattutto se si recupera il senso di comunità.

Il programma, nato da un'idea dell'editore Massimiliano Monti, è condotto da Roberto Rasia. I personaggi si raccontano sia sotto l'aspetto professionale che umano.

L'intervista è in onda alle 20 e 23 ed è reperibile anche on demand sul sito telenord.it

Il viceministro alle Infraastrutture e parlamentare Edoardo Rixi scrive su X: "Addio a Gino Paoli, una voce che è diventata anima. Genova gli scorreva dentro: nei silenzi, nel mare, in quella malinconia elegante che ha trasformato in musica eterna. Perché certi artisti non ci lasciano davvero: cambiano solo il modo in cui continuano a stare con noi", Ilaria Cavo, parlamentare e coordinatrice nazionale di Noi Moderati, saluta così l'artista scomparso: "Grazie per quello che, sia con la musica che con le parole, ci hai lasciato e insegnato. Una storia difficile da rendere e riassumere, ma di certo una storia "senza fine"". "Gino Paoli è stato tra i poeti cantautori che ho più amato.  È stato deputato e parlamentare europeo come esponente della sinistra indipendente. La sua musica sarà senza fine" dice Raffaella Paita, parlamentare e coordinatrice nazionale di IV.

Il presidente della Regione Liguria Marco Bucci ha parlato di “un vuoto indelebile” lasciato da un artista che ha portato Genova e la Liguria nel mondo. Con lui, ha aggiunto la vicepresidente Simona Ferro, se ne va “un pezzo di storia della musica italiana”, capace di regalare emozioni senza tempo. La sindaca di Genova Silvia Salis lo ha definito “una voce unica, capace di raccontare con straordinaria sensibilità l’animo umano e il suo tempo”, sottolineando come le sue canzoni abbiano segnato profondamente non solo la musica italiana, ma anche l’identità culturale della città. Un’eredità destinata a restare “per sempre, senza fine”, richiamando uno dei suoi brani più celebri. Stefano Balleari, presidente del consiglio regionale, commenta: "Con Gino Paoli se ne va un interprete straordinario dell'anima del nostro Paese, capace di raccontare con poesia e intensità sentimenti universali."

Dal mondo della cultura e dello spettacolo emerge il ritratto di un artista profondamente amato. Il conduttore Fabio Fazio lo ricorda come “un poeta grandissimo”, capace di costruire un immaginario collettivo attraverso le sue canzoni. Il regista Davide Livermore parla invece di Paoli come di colui che ha “creato il tempo dei poeti”, mentre l'italianista Francesco De Nicola ne sottolinea la forza interpretativa e il coinvolgimento emotivo.

Tra i colleghi musicisti, Ivano Fossati lo descrive semplicemente come “una persona splendida, un grande”, ricordando la stagione irripetibile dei cantautori genovesi, da lui stesso a Fabrizio De André, Bruno Lauzi e Luigi Tenco, uniti più da un comune sentire che da una vera e propria “scuola”.

Il suo lascito vive anche nelle nuove generazioni. Il giovane artista Olly lo ha omaggiato sui social con un’immagine simbolica accompagnata dalle note di Il cielo in una stanza, mentre Alfa ha ricordato Paoli come “un gigante” e un punto di riferimento imprescindibile: “con lui se ne va un pezzo di Genova, ma anche un pezzo di tutti noi”.

Commosso anche il saluto di Gianni Morandi, che lo ha definito “amico e collega di una vita”, ringraziandolo per la musica e l’umanità lasciate in eredità.

Il programma, nato da un'idea dell'editore Massimiliano Monti, è condotto da Roberto Rasia. I personaggi si raccontano sia sotto l'aspetto professionale che umano.

L'intervista è in onda alle 20 e 23 ed è reperibile anche on demand sul sito telenord.it

La masterclass è stata organizzata dall’étoile genovese Jacopo Bellussi, grazie al contributo dei Rotary Club Distretto 2032 e dell’Associazione Teatro Carlo Felice ricevuto per il Nervi International Ballet Festival 2025. Il contributo dei Rotary Club Distretto 2032 è in memoria del Governatore Nominato Massimiliano Segala, scomparso prematuramente nella primavera del 2024.

L’iniziativa ha suscitato un forte interesse: sono state infatti oltre 60 le domande pervenute, a testimonianza di un bisogno diffuso di occasioni di studio qualificato. A seguito della selezione curata da Bellussi, sono stati ammessi 32 allievi per il corso avanzato e 18 per il livello intermedio, con un’età compresa dai 10 ai 26 anni. Hanno assistito alla masterclass anche alcuni docenti delle scuole di danza genovesi.

"Sono davvero felice – dichiara Jacopo Bellussi – di essere riuscito a dare la possibilità a tanti allievi del Liceo Coreutico Gobetti e delle scuole non solo genovesi di poter lavorare con una famosa insegnante quale è Isabella McGuire Mayes. Per questo ringrazio di cuore il Rotary e l’Associazione Teatro Carlo Felice che hanno accolto la mia proposta e dato un prezioso contributo, fondamentale per la realizzazione dell’intera iniziativa. Un mio particolare ringraziamento va poi al Teatro Carlo Felice per la gentile ospitalità e la collaborazione organizzativa e realizzativa".

La masterclass con Isabella McGuire Mayes ha rappresentato un’importante opportunità di perfezionamento tecnico ed espressivo per giovani danzatori che la frequenteranno, confermando il ruolo del Carlo Felice come punto di riferimento per la formazione artistica nel panorama regionale e nazionale. In questa prospettiva, la masterclass rappresenta non solo un momento di alta formazione, ma anche un’occasione di incontro, scambio e costruzione di comunità attorno alla danza. Le lezioni si articoleranno in due giornate di lavoro, suddivise per livelli, offrendo ai partecipanti un’esperienza completa.

Docente della masterclass è Isabella McGuire Mayes, ballerina professionista nata a Londra, insegnante internazionale e fondatrice di Ballet with Isabella, piattaforma digitale di formazione online dedicata alla danza classica, celebre in tutto il mondo. Dopo gli studi alla Royal Ballet School, a soli 15 anni, è stata la prima britannica ammessa alla prestigiosa Accademia Vaganova di San Pietroburgo, dove è rimasta per quattro anni diplomandosi al primo posto della sua classe. Ha danzato come demi-solista al Mikhailovsky Ballet e successivamente come solista con l’Eifman Ballet. La formazione alla Vaganova, tra le più rigorose e riconosciute accademie al mondo, ha forgiato la sua precisione tecnica, la sua disciplina e la sua sensibilità artistica. Oggi è riconosciuta a livello internazionale per la qualità del suo insegnamento e per la capacità di accompagnare danzatori di ogni livello in un percorso di crescita tecnica ed espressiva.

Tutti avevano a disposizione gli stessi ingredienti (pinoli italiani, aglio di Vessalico, basilico genovese DOP, olio extravergine di oliva “Riviera Ligure” DOP, Parmigiano Reggiano Stravecchio, Pecorino Sardo stagionato e sale grosso delle Saline di Trapani.  I giudici hanno scelto il vincitore sulla base di cinque criteri: manualità e gestione dello spazio di lavoro, finezza del pestato, cremosità, colore e soprattutto armonia dei sapori.

All’emozionatissima vincitrice gli applausi di tutta Genova e oltre alla gloria il premio tradizionale del “pestello d’oro”. Carla Pensa era stata inserita nella lista dei 100 concorrenti all’ultimo momento.

Durante la cerimonia di chiusura è stato consegnato il premio letterario Pietro Cheli, alla prima edizione, all’autrice senegalese Mareme Cisse per il libro “Sogni di Zenzero”, Slow Food Editore.  La tradizionale targa assegnata dalla Associazione Culturale “A Compagna” per il concorrente che arriva da più lontano quest’anno è andata a Craig Stanley Wales originario dalle Hawaii.

Formazione – Diplomato alla Scuola del Teatro Stabile di Genova, Mancini sottolinea il valore di un percorso solido: “È una scuola di grande valore”. Un passaggio fondamentale per costruire una carriera che lo ha portato a lavorare con nomi importanti del cinema italiano.

Set – Tra questi Marco Bellocchio, con cui ha lavorato nella serie Portobello. “È stato un lavoro molto impegnativo – racconta – perché richiede grande preparazione”. Per interpretare l’avvocato Raffaele Della Valle, legato alla vicenda di Enzo Tortora, l’attore si è documentato a fondo, concentrandosi soprattutto sull’aspetto umano: “Ho cercato la verità sul valore della lealtà e dell’amicizia”.

Attualità – Un ruolo che richiama anche dinamiche contemporanee: “Oggi come allora si tende a etichettare velocemente, senza aspettare la verità”. Un parallelo tra il passato mediatico e l’era dei social, dove il giudizio è spesso immediato.

Televisione – Attualmente è tra i protagonisti di Guerrieri. La regola dell’equilibrio, accanto a Alessandro Gassmann. Qui interpreta un allenatore di box con un passato difficile: “Anche in questo caso cerco di evitare le etichette. È un personaggio che prova a ricostruirsi e ad aiutare i ragazzi”.

Metodo – Alla base del suo lavoro c’è un principio chiaro: “La caratteristica principale è la curiosità. L’attore deve cercare la verità del personaggio, andare oltre il bianco e nero per creare empatia”.

Percorso – Teatro e cinema restano entrambi centrali: “Non scelgo uno rispetto all’altro. Cambia la tecnica, ma l’obiettivo è sempre raccontare l’aspetto umano”.

L’associazione, attiva dal 1978 sotto la direzione della cantante Gabriella Ravazzi e la presidenza di Manlio Palumbo, ha operato per molti anni nel ponente ligure, tra Diano Marina, Imperia, Bordighera e Loano. "Abbiamo sempre prestato grande attenzione alla produzione contemporanea", spiega Ravazzi, cantante versatile con un repertorio molto ampio. Tra le iniziative più significative realizzate a Imperia c’era una giornata annuale dedicata a un compositore contemporaneo. Nel 1994 l’associazione si è trasferita a Orvieto, continuando le proprie attività fino alla scorsa estate.

"Quest’anno torniamo volentieri in Liguria, con l’intento di instaurare una collaborazione più diretta rispetto a quella di Orvieto, dove l’organizzazione del teatro era interamente a nostro carico. Qui, invece, lavoreremo fianco a fianco con il sovrintendente Acquaviva", commenta Ravazzi. Nei mesi di luglio e agosto saranno organizzati laboratori lirici per cantanti, direttori d’opera e maestri collaboratori. "Siamo stati i primi a organizzare un concorso per direttori d’opera e ad aprire in Italia un corso per pianisti accompagnatori", ricorda. Le date degli spettacoli sono: Così fan tutte il 30 e 31 luglio e il 1° agosto; Rigoletto il 27, 28 e 29 agosto.

Con una carriera internazionale di oltre quarant’anni, Gabriella Ravazzi ha calcato palcoscenici prestigiosi come quelli della Scala, di Parigi e Barcellona. "Tra i ricordi più belli, un meraviglioso Gallo d’oro di Rimski-Korsakov diretto da Menotti a Trieste", racconta. Alla carriera da interprete ha sempre affiancato l’attività didattica: nella sua casa genovese arrivano continuamente giovani cantanti da tutto il mondo. "Tra le soddisfazioni più grandi, ricordo Erica Grimaldi, Elena Belfiore e Raga El Din, un tenore egiziano che sta costruendo una carriera eccellente".

"Con questo intervento rafforziamo concretamente il progetto, sostenendo la diffusione e la vitalità culturale della città – dichiara l’assessore alla Cultura –. L’obiettivo è valorizzare sia le rassegne storiche sia le nuove iniziative, premiando qualità, innovazione e capacità di coinvolgere pubblici sempre più ampi e diversificati. L’investimento rappresenta un segnale chiaro dell’impegno dell’amministrazione nel considerare la cultura una leva di crescita sociale ed economica. Inoltre, i tempi di approvazione consentono agli organizzatori di pianificare al meglio le attività sull’intero anno, garantendo un sostegno concreto e strutturale al settore. Tra le novità figurano commissioni composte da membri interni ed esterni al Comune, una suddivisione in due categorie di intervento e tempistiche più adeguate per l’emanazione del bando, rendendo la procedura più trasparente ed equa".

Possono partecipare soggetti pubblici e privati, costituiti in qualsiasi forma giuridica, mentre sono escluse le persone fisiche e le imprese individuali. I progetti dovranno svolgersi entro il 31 dicembre nel territorio del Comune di Genova.

Il bando prevede due linee di finanziamento:

• iniziative con almeno otto giornate di spettacolo, per un contributo massimo di 20mila euro;

• iniziative con almeno tre giornate di spettacolo, per un contributo massimo di 5mila euro.

Lo stanziamento complessivo ammonta a 500mila euro: 400mila destinati alla prima categoria e 100mila alla seconda.

I progetti saranno valutati secondo criteri che premiano:

• qualità artistica, chiarezza progettuale, coerenza con il tema dell’anno e curriculum del proponente, insieme alla storicità e ai risultati delle precedenti edizioni;

• innovazione dei linguaggi, capacità di coinvolgere nuovi pubblici e attenzione all’accessibilità, anche tramite iniziative gratuite e inclusive;

• capacità di creare reti e collaborazioni con altri soggetti culturali;

• sostenibilità economica e capacità di autofinanziamento.

Mostra – L’esposizione nasce dal lavoro di diploma dell’artista presso l’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova. Le opere, realizzate in ceramica, si ispirano alle fiabe della tradizione nipponica e costruiscono un racconto visivo che invita il visitatore a esplorare simboli, suggestioni e atmosfere tipiche della cultura giapponese.

Dialogo – Il cuore del progetto è il confronto tra linguaggi e tempi diversi: le creazioni contemporanee sono affiancate a una selezione di opere della collezione del museo, provenienti dai depositi e scelte in collaborazione con la direzione. Ne nasce un intreccio tra passato e presente che valorizza entrambe le dimensioni.

Curatela – La mostra è curata dai docenti Jacopo Marchioretto e Sabrina Marzagalli, che hanno accompagnato lo sviluppo del progetto. L’allestimento è pensato per favorire un’esperienza immersiva, lasciando spazio all’interpretazione personale e all’immaginazione.

Dichiarazioni – “Questa mostra rappresenta un esempio virtuoso di dialogo tra culture e generazioni artistiche, capace di valorizzare il patrimonio del Museo Chiossone e, al tempo stesso, promuovere il talento contemporaneo”, ha dichiarato l’assessore alla Cultura Montanari. “Il progetto di Tokuko Tajima testimonia l’importanza di sostenere i giovani artisti e creare occasioni di incontro tra tradizione e creatività”.

Cultura – L’iniziativa conferma il ruolo di Genova come crocevia culturale, capace di mettere in relazione istituzioni storiche e nuove espressioni artistiche, favorendo lo scambio internazionale.

Il programma, nato da un'idea dell'editore Massimiliano Monti, è condotto da Roberto Rasia. I personaggi si raccontano sia sotto l'aspetto professionale che umano.

L'intervista è in onda alle 20 e 23 ed è reperibile anche on demand sul sito telenord.it

L’iniziativa è promossa dal Rotary Club Genova Est, legato da oltre sei decenni a quello della città tedesca. Non si tratta solo di uno scambio culturale, ma di un impegno concreto verso la comunità locale. L’ingresso al concerto è infatti a offerta libera e l’intero ricavato sarà devoluto alla Veneranda Compagnia di Misericordia. La storica confraternita, nata nel 1464, utilizzerà i fondi per sostenere i progetti di accoglienza e reintegrazione sociale dei detenuti nelle carceri genovesi.

Il programma musicale promette un viaggio spirituale e raffinato tra epoche e stili. Sotto la direzione di Philipp Amelung, l’ensemble eseguirà capolavori di autori sacri e romantici come Heinrich Schütz, Johann Bach, Clara Schumann e gli inglesi Arthur Sullivan e Ralph Vaughan Williams. Non mancherà uno sguardo al presente, con l’inserimento in scaletta di due composizioni contemporanee firmate da Martino Vergnaghi.

Fondata nel 1973, la Camerata Vocalis rappresenta una realtà unica nel panorama internazionale. La sua forza risiede nella composizione: oltre il 90% dei membri è costituito da studenti universitari non professionisti della musica, provenienti da facoltà diverse come chimica, diritto e informatica. Questa varietà dona al coro un suono dinamico e un’energia comunicativa che ha già conquistato le platee di tre continenti durante le loro tournée mondiali.

L’appuntamento di sabato 21 marzo si preannuncia dunque come un momento di grande intensità artistica, capace di trasformare una serata di musica in un gesto tangibile di speranza e sostegno per chi vive la realtà del carcere.

L’iniziativa unisce cultura e solidarietà, offrendo al pubblico non solo un momento di condivisione ed emozione, ma anche la possibilità di contribuire a una causa di grande valore sociale. L’intero ricavato sarà infatti devoluto alla Fondazione Banca degli Occhi Melvin Jones, impegnata quotidianamente in un obiettivo tanto semplice quanto straordinario: restituire la vista a chi l’ha perduta attraverso la donazione di cornee.

Dietro ogni trapianto c’è una storia di rinascita: persone che tornano a vedere, a riconoscere i volti dei propri cari, a riappropriarsi della propria quotidianità. Risultati possibili grazie alla generosità di chi sceglie di sostenere iniziative come questa, partecipando attivamente e diffondendo la cultura della donazione.

Essere presenti allo spettacolo non significherà soltanto assistere a una rappresentazione teatrale, ma diventare parte di un progetto più ampio, capace di incidere concretamente nella vita degli altri.

A sostenere l’iniziativa, con un invito forte alla partecipazione, anche importanti rappresentanti del territorio e del mondo associativo: Gaia Mainieri, Governatrice del Distretto 108Ia2; Mauro Imbrenda, Governatore del Distretto 108Ia3; Santo Durelli, Presidente dell’Associazione Amici Banca Occhi; Nicoletta Nati, Presidente della Fondazione Banca degli Occhi e primo vice del Distretto 108Ia3.

Il costo del biglietto è di 20 euro ed è possibile acquistarlo direttamente presso la biglietteria del Teatro della Gioventù.
Link diretto https://www.vivaticket.com/it/ticket/gente-di-una-certa/297764

Per Sarzana, che aveva presentato un progetto ambizioso e fortemente radicato nella valorizzazione del territorio e della sua identità storica, si tratta di una delusione significativa. La candidatura ligure puntava infatti a mettere in luce il patrimonio culturale, artistico e paesaggistico della città, oltre a promuovere un modello di sviluppo sostenibile basato sulla cultura come motore di crescita.

Il titolo di Capitale Italiana della Cultura rappresenta un riconoscimento di grande prestigio e offre alla città vincitrice un’importante opportunità di rilancio. Ancona beneficerà infatti di un contributo statale pari a 1 milione di euro, destinato alla realizzazione del programma culturale presentato nel dossier. Il progetto vincitore si propone di rafforzare il ruolo della città come crocevia culturale dell’Adriatico, valorizzando il dialogo tra tradizione e contemporaneità.

Nonostante la mancata vittoria, per Sarzana il percorso intrapreso resta comunque significativo. La candidatura ha infatti contribuito a rafforzare la progettualità locale, creando reti tra istituzioni, associazioni e realtà culturali del territorio. Un patrimonio di idee e collaborazioni che potrà essere sviluppato anche in futuro.

Se nell’architettura classica le epigrafi avevano soprattutto una funzione celebrativa, con l’avvento del Modernismo l’iscrizione diventa parte integrante del progetto: non solo comunica, ma costruisce forma e identità. In questo scenario, la tipografia si trasforma in strumento progettuale vero e proprio, portando gli architetti a ideare caratteri su misura per ogni opera e contribuendo alla nascita di un nuovo linguaggio visivo.

Diffusasi tra Europa settentrionale e Stati Uniti, l’estetica modernista trova in Italia una rilettura originale grazie al lavoro dei type designer, che sviluppano varianti destinate a influenzare profondamente la comunicazione e la produzione tipografica, consolidando un codice grafico già sperimentato anche nell’archigrafia monumentale.

Moderato da Andrea Michelini, vicepresidente della Fondazione, l’incontro esplora questa fertile intersezione tra discipline. Il percorso prende avvio dal volume Alfabeti Modernisti Italiani (Lazy Dog Press, 2025) di Luca Lattuga, offrendo un’analisi comparativa tra contesto internazionale e declinazioni italiane, con uno sguardo anche agli esempi presenti sul territorio genovese.

Interverranno Luca Lattuga, Paolo Rusconi, Veronica Bassini, James Clough e Gian Luca Porcile, protagonisti di un confronto che intreccia ricerca, storia e progetto.

La scelta del 19 marzo non è casuale: ricorre infatti l’anniversario dell’omicidio di Guido Galli, ucciso nel 1980 dai terroristi di Prima Linea. All'evento parteciperanno il presidente dell'ANM ligure Federico Manotti, la presidente della Corte d'Appello Elisabetta Vidali, e Alessandra Galli, referente ligure del Comitato "Giusto dire no". Per i saluti istituzionali sarà presente la sindaca Silvia Salis.

Il presidente Manotti ha sottolineato il valore civile dell'iniziativa in un momento storico delicato per l'ordine giudiziario: "In un periodo in cui la magistratura viene duramente attaccata e si cerca di delegittimarla, abbiamo deciso di ricordare i colleghi caduti solo perché hanno fatto il loro dovere. Vogliamo tenere accesa la luce sul loro sacrificio: i loro valori sono gli stessi che cerchiamo di praticare quotidianamente nel rispetto della Costituzione".

La mattinata si aprirà con un momento di ulteriore riflessione storica: Federico Manotti e il presidente dell'Anpi Genova, Massimo Bisca, commemoreranno i magistrati caduti nella lotta di Resistenza, deponendo una corona presso la targa all'ingresso del Palazzo di Giustizia. La mostra, dopo l'inaugurazione ufficiale, sarà aperta al pubblico e fruibile per la cittadinanza a partire dal 1° aprile.

Protagonista è il trio North Wind, formato da Tola Custy (violino e viola), Michel Balatti (flauti) e Tom Stearn (voce, bouzouki e chitarra): tre artisti di diversa provenienza uniti da una profonda passione per la musica tradizionale e da una forte apertura alla sperimentazione sonora. Il programma attraversa repertori provenienti da Irlanda, Scozia, Inghilterra, Bretagna, nord Italia, Scandinavia e Stati Uniti, intrecciando brani tradizionali e composizioni originali in arrangiamenti essenziali ma ricchi di atmosfera.

La musica di North Wind si muove tra momenti intimi e passaggi di grande intensità, dando vita a un flusso sonoro dinamico che accompagna l’ascoltatore in un dialogo continuo tra memoria e contemporaneità. La tradizione viene così reinterpretata come un linguaggio vivo, capace di evolversi senza perdere il legame con le proprie radici.

Il concerto si inserisce inoltre nelle celebrazioni per il ventennale del riconoscimento UNESCO ai Palazzi dei Rolli di Genova, valorizzando il patrimonio storico cittadino attraverso l’incontro con linguaggi musicali internazionali. La cornice del Loggiato di Santa Maria di Castello, con la sua atmosfera raccolta e suggestiva, offre lo spazio ideale per esaltare le sfumature di questo repertorio.

Prima del concerto, alle ore 16, sarà possibile partecipare a una visita guidata della chiesa, a cura dell’Associazione Culturale Santa Maria di Castello.

Il programma, nato da un'idea dell'editore Massimiliano Monti, è condotto da Roberto Rasia. I personaggi si raccontano sia sotto l'aspetto professionale che umano.

L'intervista è in onda alle 20 e 23 ed è reperibile anche on demand sul sito telenord.it

L’incontro si terrà giovedì 17 marzo alle ore 17 a Palazzo San Giorgio, e vedrà protagonista l’archeologa Loredana Sist (autrice della foto della Piramide di Cheope) che interverrà con la conferenza “L’Egitto e i due mari”.

L’appuntamento offrirà uno sguardo approfondito sul rapporto tra l’antico Egitto e i suoi due principali sbocchi marittimi, il Mediterraneo e il Mar Rosso, rotte fondamentali per i commerci, gli scambi culturali e le relazioni tra civiltà nel corso dei secoli.

La rassegna “Il mare al centro”, organizzata da Teatro Pubblico Ligure, è stata ideata appositamente per Ports of Genoa – Autorità di Sistema Portuale del Mar Ligure Occidentale con l’obiettivo di valorizzare il mare come spazio di incontro, conoscenza e dialogo tra popoli e culture.

L’iniziativa è realizzata con il sostegno del Ministero della Cultura, della Regione Liguria e del Comune di Genova, e con il patrocinio dell’Accademia Italiana della Marina Mercantile.

In occasione della festa della Madonna della Misericordia, patrona della città di Savona, il Museo della Ceramica propone una giornata speciale dedicata alla tradizione mariana del territorio.

Mercoledì 18 marzo il museo aprirà straordinariamente al pubblico dalle 15 alle 18, offrendo l’opportunità di scoprire sei nuove opere entrate a far parte delle collezioni grazie alle acquisizioni realizzate dalla Fondazione De Mari CR Savona nel corso del 2025. Le nuove acquisizioni comprendono tre sculture a tutto tondo e tre contenitori d’uso farmaceutico e devozionale, manufatti che arricchiscono la collezione del museo offrendo nuovi spunti di riflessione sulla crono-tipologia delle forme e dei decori e contribuendo ad arricchire il racconto iconografico dedicato alla Madonna della Misericordia.

Per l’occasione, l’accesso al primo piano del museo, dove saranno esposte le sei opere inedite, sarà gratuito per tutta la giornata del 18 marzo. Con l’acquisto del biglietto invece, sarà possibile visitare la mostra “Nel tempo del Déco. Albisola 1925”, la straordinaria retrospettiva sullo stile Albisola 1925 che da ottobre ad oggi ha portato oltre 7500 visitatori nelle sale del museo.

La celebrazione proseguirà anche sul piano editoriale con la stampa di una nuova edizione aggiornata del catalogo “Ho visto la Madonna!”, pubblicato originariamente in occasione dell’omonima mostra allestita nella primavera del 2023 tra il Museo della Ceramica e gli spazi del Complesso della Cattedrale di Savona.

La nuova edizione integra la narrazione delle recenti acquisizioni della Fondazione De Mari CR Savona, mantenendo i contributi storico-artistici che avevano caratterizzato la prima pubblicazione.
Anche il bookshop del museo parteciperà alle celebrazioni con una proposta tematica dedicata alla tradizione mariana savonese.

Saranno infatti presenti alcune sculture che raccontano l’apparizione della Madonna della Misericordia al Beato Botta, realizzate in versione “macachi” dall’associazione Macachi Lab, reinterpretazione contemporanea della storica tradizione ceramica locale.

Una giornata che unisce devozione, storia e artigianato, offrendo al pubblico l’occasione di riscoprire uno dei simboli più profondi dell’identità savonese attraverso la ceramica e il patrimonio del museo.

Ad aprire i lavori sarà il professor Paolo Cornaglia Ferraris, direttore scientifico della Fondazione, che presenterà il team di Nave Italia e illustrerà il programma della giornata, dando ufficialmente il via al percorso che accompagnerà associazioni e partecipanti verso l’esperienza a bordo.

Per l’edizione 2026 sono state selezionate ventidue realtà tra fondazioni, istituti scolastici, università, enti e associazioni, scelte tra oltre cinquanta candidature arrivate da diverse regioni italiane. Lombardia, Marche, Lazio, Piemonte, Toscana, Valle d’Aosta e Liguria sono tra i territori rappresentati. Un dato significativo riguarda la presenza di numerose organizzazioni alla loro prima partecipazione, segnale di un interesse crescente verso il progetto e il suo valore educativo e sociale.

A guidare i progetti saranno sette project manager, chiamati a coordinare i ventidue percorsi educativi che prenderanno forma a bordo del brigantino. Complessivamente sono attesi circa 300 ragazzi e 100 accompagnatori, per un totale di oltre 400 partecipanti coinvolti nell’esperienza.

Il percorso si basa sul cosiddetto “Metodo Nave Italia”, un modello educativo strutturato in tre fasi. La prima è quella di preparazione, durante la quale associazioni e operatori definiscono obiettivi e attività calibrate sulle esigenze dei partecipanti. La seconda fase rappresenta il cuore dell’esperienza: la vita di bordo. Attraverso attività condivise, lavoro di squadra e responsabilità quotidiane, i partecipanti sono stimolati a sviluppare autonomia, fiducia in sé stessi e capacità relazionali. Il percorso si conclude con una terza fase dedicata alla valutazione dei risultati, con l’obiettivo di valorizzare e consolidare le competenze acquisite affinché possano essere trasferite nella vita di tutti i giorni.

Durante l’incontro di Genova, i partecipanti saranno suddivisi in gruppi di lavoro per approfondire diversi aspetti organizzativi e operativi: dalle modalità di imbarco alla gestione della vita a bordo, fino alla conoscenza dell’equipaggio e alla definizione dei ruoli all’interno delle attività.

Anche per il 2026 prosegue inoltre la collaborazione tra la Fondazione Tender To Nave Italia e il Mu.MA – Istituzione Musei del Mare e delle Migrazioni. Grazie a questo accordo, le associazioni coinvolte potranno visitare gratuitamente il Galata Museo del Mare durante il loro percorso progettuale, arricchendo ulteriormente l’esperienza formativa.

Nel corso della primavera e dell’estate il brigantino toccherà numerosi porti italiani, da nord a sud, ampliando la rete dei territori coinvolti. Tra le tappe previste figurano Genova, Civitavecchia, Livorno, Palermo, La Spezia, Reggio Calabria, La Maddalena, Gallipoli e Cagliari.

L’edizione 2026 di Nave Italia si conferma così come un’esperienza educativa unica nel suo genere. Ogni anno il progetto coinvolge centinaia di giovani e operatori, trasformando il mare in uno strumento di inclusione, crescita personale e sviluppo delle competenze, offrendo opportunità concrete a chi vive situazioni di disagio sociale o disabilità.

Fondata nel 2007, la Fondazione Tender To Nave Italia ETS promuove progetti di solidarietà e inclusione rivolti a associazioni, scuole, ospedali e servizi sociali. Cuore delle attività è proprio Nave Italia, un brigantino a vela condotto da un equipaggio della Marina Militare, dove bambini, adolescenti e adulti con disabilità o difficoltà sociali partecipano a percorsi educativi e riabilitativi basati sulla collaborazione e sulla vita di bordo.

In quasi vent’anni di attività, il progetto ha coinvolto 7.867 persone tra beneficiari, operatori e volontari, realizzando 371 progetti educativi. Nel 2023 l’iniziativa ha ricevuto anche l’adesione del Presidente della Repubblica, confermando il valore sociale e formativo di un’esperienza che continua a crescere e a coinvolgere nuove realtà in tutta Italia.

I visitatori, accompagnati dai divulgatori scientifici, potranno immergersi in un racconto che intreccia architettura, storia dell’arte, diplomazia, economia e vita quotidiana, nel solco dei principi UNESCO: rispetto universale, dialogo tra culture, responsabilità condivisa.

Condividere è proteggere è infatti il titolo di questa edizione, che vuole rendere accessibile il patrimonio per tutelarlo. Proprio per questo, oltre ai palazzi situati nelle principali arterie del centro, si è scelto di coinvolgere alcuni siti del centro storico, tra cui Palazzo Brancaleone Grillo in vico Mele 6, Palazzo Bernardo e Giuseppe de Franchi in piazza della Posta Vecchia 2, Palazzo Domenico Grillo in piazza delle Vigne 3.

Tra i protagonisti di questa edizione, i palazzi più iconici come Palazzo Bianco, straordinario esempio di architettura del Siglo de Oro genovese, con la mostra dedicata a Giovanni Andrea de Ferrari, e le ville suburbane che già da parecchie edizioni completano il racconto delle residenze nobiliari tra ‘500 e ‘600.

Per la prima volta all’interno dei Rolli Days sarà visitabile la Grotta Doria Pavese, uno degli esempi più fini delle tradizionali decorazioni di ville e giardini genovesi. La grotta è stata resa visitabile a seguito dell’intervento del ministero della Cultura per i lavori di restauro e per l'eliminazione delle cause di degrado, grazie al progetto pilota nato dalla collaborazione tra la Soprintendenza, l'Opificio delle Pietre Dure di Firenze e la proprietà del bene, con la partecipazione dell'Università di Genova.

New entry nei Rolli Days, anche uno dei complessi monastici di Cornigliano: la Badia di Sant’Andrea, fondata nell’epoca in cui le ville nobiliari genovesi punteggiavano le colline di fronte alla spiaggia, ancora priva di impianti industriali e del porto cittadino. Un importante intervento di restauro e riqualificazione dell’edificio ha reso possibile ammirare il complesso in una nuova veste - la sede del nuovo convitto giovanile della società calcistica Genoa CFC - che mette in evidenza il passaggio del tempo e delle destinazioni d’uso variegate.

Confermata anche la sinergia con la Diocesi di Genova, con l’apertura straordinaria della Basilica di Santa Maria Immacolata, in via Assarotti 24, e la visita guidata speciale alla facciata, attualmente interessata da un restauro conservativo.

Non mancheranno eventi collaterali importanti, come il ritorno di Palazzi in Luce. Nella serata di venerdì 27 e sabato 28 marzo, dall’ora del tramonto fino alla mezzanotte, i palazzi che si affacciano su piazza della Meridiana, via Garibaldi e piazza Fontane Marose apriranno le loro grandi finestre e accenderanno le luci che illumineranno piani nobili, affreschi e vedute interne, offrendo una visione d’insieme degli ambienti affacciati sulla strada.

I Rolli Days di primavera 2026 sono dedicati alla prof. Giovanna Rotondi Terminiello, ideatrice di Palazzi in Luce, recentemente scomparsa.

«I Rolli Days rappresentano uno dei momenti più significativi, attraverso cui Genova racconta sé stessa al mondo - dichiara la sindaca di Genova - nel ventennale del riconoscimento UNESCO delle Strade Nuove e del sistema dei Palazzi dei Rolli, celebriamo un patrimonio architettonico, artistico e profondamente civico: una storia di apertura, di relazioni internazionali e di cultura che continua a vivere nel presente. Questo nuovo appuntamento con i Rolli Days ci dimostra ancora una volta come la cultura possa diventare un motore di partecipazione, conoscenza e attrattività, capace di coinvolgere cittadini, studenti e visitatori in un racconto della nostra identità. Continuare a investire nella tutela e nella valorizzazione dei Rolli significa rafforzare il legame tra Genova e la sua storia, rendendo questo patrimonio sempre più accessibile e vivo per le nuove generazioni, proiettandolo nel futuro».

"Il ventennale del riconoscimento UNESCO delle Strade Nuove e del sistema dei Palazzi dei Rolli rappresenta un momento particolarmente significativo per la nostra città – commenta l’assessore alla Cultura - I Rolli Days sono diventati negli anni uno degli strumenti più efficaci per raccontare e condividere questo patrimonio con cittadini e visitatori, grazie al lavoro di divulgazione scientifica e alla collaborazione tra istituzioni, università, proprietari dei palazzi e realtà culturali. Questa edizione, con nuove aperture e luoghi visitabili per la prima volta, testimonia quanto il patrimonio dei Rolli sia vivo e in continua evoluzione, capace di generare conoscenza, partecipazione e senso di appartenenza. L'inserimento, per la prima volta nella storia dei Rolli Days, di una delle uniche cinque grotte polimateriche del Cinquecento superstiti a Genova, in collaborazione con la Soprintendenza e la Diocesi di Genova è anche il segnale che il motto Condividere è proteggere non rappresenta solo una intenzione, ma un impegno concreto alla salvaguardia dei beni del nostro territorio. Inoltre, la grotta Pavese Doria si trova nel cuore di Sampierdarena, a dimostrazione che parlare di Palazzi dei Rolli non significa limitarsi a via Garibaldi. In questo senso vanno le aperture di vico Mele, piazza della Posta Vecchia e piazza delle Vigne: vogliamo recuperare il ruolo dei Palazzi e dei beni monumentali come presidio culturale del Centro storico".

"I Rolli Days sono oggi uno degli appuntamenti più riconosciuti e apprezzati dell’offerta turistico/culturale di Genova e, nel ventennale UNESCO, diventano anche un’occasione per rafforzare il posizionamento internazionale della città e per invitare un pubblico sempre più ampio a scoprire non solo i palazzi delle Strade Nuove, ma anche ville, giardini e luoghi meno conosciuti del nostro territorio – aggiunge l’assessora al Turismo - Cultura e turismo qui si incontrano in modo naturale: valorizzare il patrimonio significa creare esperienze autentiche e sostenibili, capaci di generare ricadute positive per tutta la città".

"Vent’anni dal riconoscimento Unesco rappresentano un traguardo importante. La Camera di Commercio è stata protagonista di questo percorso fin dall’inizio, dalla costruzione del dossier di candidatura, con il contributo di Paolo Odone, alla nascita e dei Rolli Days e di Mirabilia, la rete delle Camere di Commercio italiane impegnate a creare valore nei territori UNESCO, attraverso un turismo lento e di qualità – dice Maurizio Caviglia, segretario generale di Camera di Commercio - In questo filone si inserisce bene la mostra L’accoglienza a Genova e il sistema dei Rolli, in corso presso l’Archivio di Stato di Genova, che espone documenti originali capaci di raccontare come funzionava il sistema con cui la Repubblica ospitava ambasciatori, sovrani e personalità illustri nelle dimore dell’aristocrazia cittadina. I Rolli, insomma, non sono solo palazzi, ma un racconto vivo di imprese, diplomazia, relazioni internazionali, la testimonianza di una città che ha saputo coniugare bellezza e capacità economica e che nel 2028 celebrerà i 500 anni dalla nascita della Repubblica ad opera di Andrea Doria".

Negli ultimi anni il ruolo del Futurismo nel panorama delle avanguardie di inizio Novecento è stato ampiamente riconosciuto anche a livello internazionale. L’esposizione genovese sceglie però di concentrarsi su un capitolo meno indagato ma fondamentale: il secondo Futurismo, con un focus sugli anni Venti e Trenta, fase in cui il movimento fondato da Filippo Tommaso Marinetti entra in una nuova stagione espressiva e comunicativa.

Rumoroso, dinamico e visionario, capace di attraversare linguaggi e discipline diverse, il Futurismo rappresenta uno snodo cruciale nel passaggio dell’Italia alla modernità. La mostra ne esplora la natura poliedrica e la diffusione capillare, con un’attenzione particolare alla Liguria, territorio che ebbe un ruolo significativo nello sviluppo del movimento.

Grazie alla collaborazione con Galleria d’Arte Moderna di Genova, Wolfsoniana, Museo Campari di Sesto San Giovanni, archivi d’artista e importanti collezioni private, il percorso espositivo presenta opere celebri accanto a lavori meno noti, offrendo nuove prospettive di lettura su una stagione ancora ricca di spunti critici.

"Negli ultimi anni si è parlato molto di Futurismo, eppure l’avanguardia di Marinetti ha ancora molto da raccontare", spiega Simona Bartolena, storica dell’arte e curatrice della mostra. "Questa esposizione mette in luce aspetti sorprendenti e meno noti, come la diffusione capillare del movimento nella penisola, la sua capacità di radicarsi nei singoli territori e la sua azione multidisciplinare, che investe tutti i campi della creatività. Il Futurismo ha contribuito in modo decisivo alla sprovincializzazione della cultura italiana, aprendola al contesto internazionale con una libertà espressiva che ha ancora molto da insegnare".

"Questa mostra conferma l’impegno dell’Associazione Amici di Palazzo della Meridiana – APS nel valorizzare momenti cruciali dell’arte italiana", afferma Davide Viziano, presidente dell’associazione. "Le opere provengono sia da collezioni private sia da istituzioni pubbliche; il nostro più sentito ringraziamento va alla Wolfsoniana, alla GAM, al Museo Campari e ai tanti privati che hanno concesso i prestiti. Abbiamo potuto realizzare questa nuova esposizione grazie ai numerosi partner dell’associazione che anche per il 2026 ci hanno sostenuto con grande generosità: la cultura è motore di attrattività e ottimismo in questo periodo storico molto complesso".

"Manca davvero pochissimo all'inaugurazione della mostra "Futurismo" a Palazzo della Meridiana: un viaggio dedicato al movimento creato da Marinetti, con un focus sulle sue diverse sfaccettature e sui legami che ha avuto con il nostro territorio, la Liguria", commenta Simona Ferro, vicepresidente di Regione Liguria con delega alla Cultura e Spettacolo. "Per i tantissimi visitatori e appassionati sarà un'occasione preziosa per ammirare e approfondire le modalità di espressione e la diffusione del Futurismo, in un percorso espositivo che ne restituisce la complessità e ne analizza gli aspetti meno conosciuti: un movimento innovativo, sempre attuale, che ha modernizzato il nostro Paese aiutandoci a capire meglio la realtà che ci circonda".

"È una mostra nella quale la Liguria si segnala come un luogo chiave per una delle avanguardie culturali più influenti del Novecento, riscoprendo o approfondendo autori e opere", commenta la presidente della commissione Cultura del Consiglio comunale. "Il percorso espositivo di Palazzo della Meridiana illustra a studiosi, studenti e visitatori una fase meno conosciuta ma estremamente significativa del Futurismo, mettendo in luce il contributo che gli artisti liguri, da Canegallo e Cominetti in avanti, hanno dato allo sviluppo di questo movimento".

 Questo importante traguardo è stato reso possibile grazie alla collaborazione con la Fondazione Cassa di Risparmio di Alessandria e ai determinanti contributi di Serravalle Designer Outlet e Novi Elah Dufour. A loro va il sentito e profondo ringraziamento per aver sostenuto con convinzione un intervento di grande valore culturale e simbolico per l’intera comunità. Il loro impegno concreto testimonia una sincera sensibilità verso il territorio, confermando la volontà di investire attivamente nella crescita culturale e sociale della comunità.

Il dottor Matteo Migani General Manager Serravalle Designer Outlet dichiara: “Siamo orgogliosi di aver contribuito in modo concreto al completamento del restauro del Teatro Romualdo Marenco. Un intervento che testimonia il nostro profondo legame con il territorio e la volontà di valorizzarne il patrimonio culturale, a beneficio di tutta l’area novese. Con questa iniziativa, Serravalle Designer Outlet rinnova il proprio impegno a sostegno della crescita e della valorizzazione della comunità locale.”                                               

In “piccionaia” gli umori più autentici della storia del Marenco

Il recupero del loggione non rappresenta soltanto un ampliamento degli spazi, ma il compimento di un progetto che ha riportato il Teatro Marenco alla sua configurazione originaria; chiamato anche "piccionaia", è la parte più alta del teatro, situata sopra l’ultimo ordine di palchi. Tradizionalmente era il settore con i posti più economici e popolari, frequentato da un pubblico appassionato e partecipe: da qui nascevano spesso gli applausi più calorosi, ma anche le critiche più feroci. Oltre a offrire una vista panoramica sulla platea e sul palcoscenico, storicamente rappresentava uno spazio simbolico della partecipazione più ampia e inclusiva alla vita del teatro.

Il dottor Guido Repetto, Presidente del Gruppo Elah Dufour Novi afferma: "Il sostegno per il rifacimento del loggione del Teatro Marenco è un investimento nella bellezza, nella cultura e nel futuro della comunità della nostra Città. Qui ci sono le nostre radici: Novi è nata e cresciuta a Novi Ligure e ogni giorno ne portiamo il nome sui nostri prodotti. Il Teatro Marenco non è solo un luogo di spettacolo, ma uno spazio che continuerà ad unire generazioni diverse e dare linfa ed energia al centro storico"

Il loggione dopo il restauro

Oggi la gradinata del loggione si presenta in massello di rovere, con una struttura portante sagomata in multistrato di faggio ad alta densità e completata da eleganti sedute in velluto. Il loggione offre 32 posti a sedere, distribuiti su due ordini di gradinate, garantendo comfort e visibilità. A completamento dell’intervento, sono state realizzate due scale laterali in rovere, corredate da parapetti in ferro, per assicurare un accesso agevole e sicuro. Tutti gli elementi lignei sono stati trattati con vernici ignifughe; anche i cuscini in velluto cremisi - in armonia con il sipario e con le sedute dei palchi e della platea - sono stati realizzati con materiali ignifughi, nel pieno rispetto delle normative di sicurezza.

 Il Notaio Luciano Mariano, presidente della Fondazione Cassa di Risparmio di Alessandria sottolinea: Il recupero del loggione del Teatro Marenco è motivo di grande soddisfazione per il nostro Ente in quanto rappresenta un altro importante tassello del lungo percorso di riqualificazione di questo edificio, risalente al 1838 e quindi coevo alla Cassa di Risparmio di Alessandria, a cui la Fondazione continua a destinare ingenti fondi a partire dal 2004, anno di costituzione della Fondazione Teatro Marenco. Un intervento che, alla tutela del patrimonio storico e artistico del nostro territorio, unisce la promozione e la diffusione della cultura teatrale e musicale.

Grazie alla collaborazione tra realtà imprenditoriali e istituzionali del territorio il Teatro Marenco si presenta oggi nella sua forma compiuta, pronto ad accogliere un pubblico ancora più numeroso e ospitare nuovi eventi di spettacolo, musica, cultura e socialità.

L’evento si è svolto a Houston, ospitato dal Consolato italiano, con la partecipazione della Nazionale italiana di baseball al completo. L’iniziativa ha accompagnato l’esordio degli azzurri nel torneo internazionale, iniziato il 7 marzo con la partita contro il Brasile, e ha previsto incontri con i giocatori, racconti delle loro esperienze sportive e degustazioni di eccellenze enogastronomiche italiane.

Il MEI, tra i promotori del progetto insieme alla Federazione Italiana Baseball, ha contribuito alla realizzazione dei contenuti di un video immersivo dedicato alle storie dei grandi campioni di baseball di origine italiana che hanno lasciato il segno nelle Major League. Il filmato, realizzato dallo studio di architettura digitale Opera Laboratori, racconta il legame tra emigrazione italiana e storia del baseball negli Stati Uniti.

“È stata un’emozione unica poter riportare tra i giocatori di questa Nazionale le storie di chi, partendo dal nostro Paese, ha contribuito a rendere grande il baseball negli Stati Uniti e nel mondo”, ha dichiarato il presidente della Fondazione MEI Paolo Masini. “Sono racconti di talento, sacrificio e passione che attraversano generazioni e continenti e che oggi tornano a vivere come fonte di ispirazione per i nostri atleti”.

Il progetto prevede la creazione di una sala immersiva al Centro Culturale Italiano di Houston, mentre lo stesso video sarà proiettato contemporaneamente anche al MEI di Genova, creando simbolicamente un ponte tra Italia e Texas nel segno del baseball.

Il racconto, ispirato al libro “Il diamante azzurro” di Riccardo Schiroli, ripercorre diverse generazioni di campioni italoamericani che hanno contribuito alla crescita di questo sport negli Stati Uniti. Tra i protagonisti ricordati figurano alcune leggende dei New York Yankees come Ping Bodie, Tony Lazzeri, Joe DiMaggio, Frank Crosetti, Phil Rizzuto e Yogi Berra. Accanto a loro compaiono anche altre figure importanti del baseball di origine italiana, tra cui Ed Abbaticchio, Roy Campanella, Ernie Lombardi, Mike Piazza, Alex Liddi e il celebre allenatore Tommy Lasorda.

Il progetto vuole evidenziare come la storia dello sport italiano all’estero sia profondamente intrecciata con quella dell’emigrazione. Attraverso il baseball emergono infatti i processi di integrazione delle comunità italiane nei paesi di arrivo e il ruolo dello sport come luogo di incontro, identità e riscatto sociale.

Durante la manifestazione è stata inoltre presentata l’edizione in lingua inglese del libro “Azzurri on the Diamond”, dedicato alla storia del baseball e del softball italiani, scritto da Riccardo Schiroli e tradotto da Roberto Angotti.

L’iniziativa proseguirà dal 14 marzo a New Orleans, presso l’American Italian Cultural Center. In questa tappa il racconto dello sport si intreccerà anche con una pagina drammatica della storia dell’emigrazione italiana negli Stati Uniti: il linciaggio del 1891, quando undici immigrati italiani furono uccisi da una folla dopo essere stati accusati senza prove dell’omicidio del capo della polizia locale.

Il progetto conferma così la vocazione internazionale del MEI di Genova, museo nato per raccontare la storia delle migrazioni italiane dall’Unità d’Italia a oggi e per mantenere viva la memoria dei milioni di italiani che partirono dal porto ligure verso le Americhe e il resto del mondo.

Saranno 100 i concorrenti provenienti da tutto il mondo a sfidarsi nella preparazione della celebre salsa ligure. "Per noi il campionato è una piattaforma per promuovere il territorio e la città", spiega Panizza. L’obiettivo non è solo decretare il miglior pesto, ma valorizzare una tradizione gastronomica che rappresenta un simbolo identitario della Liguria.

Negli anni la manifestazione ha acquisito una dimensione sempre più internazionale. Tra i partecipanti ci sono concorrenti da diversi Paesi, con presenze anche dal Giappone e perfino dalle Hawaii. Un segnale di quanto il pesto genovese sia diventato un fenomeno globale. "Abbiamo rappresentative da tutto il mondo e questo dimostra il fascino che questa ricetta continua a esercitare", racconta Panizza.

Il livello della competizione, inoltre, è cresciuto notevolmente rispetto alle prime edizioni. "All’inizio c’era un approccio serio ma anche un po’ goliardico. Oggi invece i concorrenti si allenano ferocemente e vogliono assolutamente vincere", osserva Panizza, evidenziando come la qualità dei pesti presentati sia ormai altissima.

Uno degli obiettivi principali del campionato è difendere la ricetta tradizionale. "Non esiste una legge che stabilisca cos’è il pesto", ricorda l’organizzatore. Per questo la competizione diventa un punto di riferimento per chi vuole rispettare la preparazione autentica. Gli ingredienti sono gli stessi per tutti i partecipanti e vengono forniti dagli organizzatori, ma le differenze nascono dall’equilibrio delle dosi e dalla tecnica nel mortaio.

Un principio su cui Panizza non transige riguarda l’aglio: "Nel nostro campionato è obbligatorio. Fa parte dei sette ingredienti della ricetta e senza aglio non si può partecipare". Una scelta che difende con ironia, ricordando anche come nel tempo si siano diffuse versioni commerciali molto lontane dalla tradizione.

Attorno alla gara ruoteranno anche numerose iniziative collaterali: eventi culturali, attività per i bambini, performance artistiche e un premio letterario dedicato al giornalista Pietro Cheli, grande appassionato di gastronomia.

"Il pesto ormai ha superato la dimensione di semplice salsa", conclude Panizza. "È diventato un elemento culturale, un simbolo capace di raccontare il territorio e la sua storia".

“La colpa è di chi muore” di Marco Bellinazzo è un noir che scava nelle nervature più oscure del calcio globale, restituendo un racconto duro, necessario e profondamente umano. Come ricorda ThrillerLife, qui «ci sono assassini di uomini e divoratori di sogni», e Bellinazzo non distoglie mai lo sguardo da questo conflitto tra ambizione e brutalità, talento e potere, in tutte le loro forme.

Il romanzo segue il giornalista Dante Millesi attraverso una vicenda che si muove tra Milano, Lagos e Parigi, una «scacchiera di potere e corruzione» come la definisce The BookAdvisor, dove la verità non basta: bisogna trovare il coraggio di raccontarla. È un viaggio che, secondo Il Posto delle Parole, «lascia il segno, come certi tiri sbagliati e certe verità che nessuno vuole ascoltare», citando la prefazione di Maurizio De Giovanni.
Bellinazzo affronta senza filtri i meccanismi spietati di un sistema che costruisce «cattedrali di soldi sopra cimiteri di sogni infranti», dando voce a chi in quel sistema rischia di essere schiacciato. Emerge così una storia che, pur parlando di calcio, supera i confini del genere sportivo per toccare temi universali: sfruttamento, inganno, desiderio di riscatto. 

Anche ThrillerCafé sottolinea la forza del personaggio di Millesi, un giornalista “integerrimo” che conosce bene «le nefandezze dell’ambiente» e che, proprio per la sua onestà, diventa il destinatario di una rivelazione «scandalosa e atroce, capace di stravolgere il mondo del calcio italiano». L’indagine sul cadavere emerso dal Lago di Lugano si intreccia con traffici illeciti e segreti pronti a esplodere, in un clima di tensione crescente dove nessuno è davvero innocente. 
Ne La Bottega del Giallo si sottolinea come l’autore porti il lettore «in una storia dove il pallone perde la sua sfericità, per colpire con angoli spigolosi e laceranti», restituendo un quadro narrativo fatto di passioni, ombre e fragilità esposte.
Lo stile di Bellinazzo si distingue per una scrittura asciutta, controllata e senza concessioni all’enfasi, come osservato da The BookAdvisor, che sottolinea come l’autore scelga di «restituire un’immagine nitida e disturbante» piuttosto che costruire un mito attorno al mondo del calcio. Questa essenzialità diventa una lente precisa attraverso cui il lettore osserva una realtà complessa e spesso taciuta.

Secondo La Bottega del Giallo, la prosa è attraversata da «striature cupe», capaci però di lasciare filtrare la luce della passione e della sincerità, elementi che rendono la narrazione «avvolgente e trascinante» fin dalle prime pagine. Il ritmo alterna momenti di tensione pura ad altri più introspettivi, mettendo in risalto personaggi sfaccettati, esposti con «fragilità e profondità caratteriale» che emergono anche nelle loro scelte più dure.
Con una scrittura asciutta e precisa, Bellinazzo intreccia la sua esperienza giornalistica con una trama che pulsa di vita e dolore, consegnando un noir che “somiglia terribilmente alla verità” e che, proprio per questo, resta nella memoria del lettore molto oltre l’ultima pagina. 

L’iniziativa sarà presentata venerdì 13 marzo alle ore 18 nel Primo Foyer del Carlo Felice, con l’intervento del sovrintendente Michele Galli e di Andrea Compagnucci, responsabile dei progetti di fundraising di ANFOLS (Associazione Nazionale Fondazioni Lirico-Sinfoniche). All’incontro parteciperanno anche i rappresentanti dei principali ordini professionali della città – architetti, avvocati, commercialisti, giornalisti, ingegneri e medici – insieme ai primi aderenti al progetto.

Il nome della nuova membership richiama simbolicamente le 160 luci che brillano nel soffitto della sala del teatro, immaginate come una costellazione che accompagna lo sguardo del pubblico verso il palcoscenico. Quelle luci diventano così metafora di una partecipazione civica diffusa: ogni professionista che aderisce contribuisce ad “accendere” una nuova stella nel cielo del Carlo Felice.

“Le Stelle dell’Orsa” rappresentano l’estensione naturale del progetto “Custodi del Faro”, la corporate membership già avviata dal teatro per coinvolgere il mondo delle imprese nella vita culturale della città. Se i Custodi del Faro puntano a riunire 45 aziende mecenati, la nuova iniziativa apre ora la partecipazione anche alla comunità delle professioni, valorizzando una rete di competenze che contribuisce ogni giorno allo sviluppo economico e sociale di Genova.

La metafora della navigazione resta al centro del progetto: così come l’Orsa Maggiore e l’Orsa Minore hanno guidato per secoli i naviganti, le “Stelle dell’Orsa” vogliono simbolicamente orientare il futuro della cultura cittadina. L’idea si lega anche all’immagine della torre luminosa progettata da Aldo Rossi, elemento architettonico che attraversa il teatro come un ponte tra la città e il palcoscenico e che rappresenta la responsabilità condivisa di mantenere viva la luce della cultura.

Il Teatro Carlo Felice, con quasi 300 lavoratori coinvolti e oltre cento alzate di sipario ogni anno, rappresenta infatti uno dei principali motori culturali della Liguria, con importanti ricadute anche sull’indotto creativo e turistico della città.

Attraverso l’adesione alla membership – con una donazione annuale che beneficia del credito d’imposta del 65% previsto dall’Art Bonus – i professionisti potranno contribuire direttamente al sostegno delle attività artistiche, educative e sociali del teatro, entrando a far parte di una comunità di mecenati impegnati nella tutela di uno dei simboli culturali di Genova.

«Con i Custodi del Faro abbiamo costruito una nuova alleanza tra il teatro e il mondo delle imprese. Oggi con le Stelle dell’Orsa allarghiamo questa visione alla comunità professionale della città. Architetti, medici, avvocati, ingegneri, commercialisti, giornalisti sono parte fondamentale del tessuto civile di Genova: coinvolgerli significa riconoscere che la cultura è un bene comune e che il teatro può diventare sempre di più uno spazio condiviso, sostenuto da chi crede nel suo valore per la società», ha dichiarato il sovrintendente Michele Galli.

La presentazione della nuova membership sarà anche un momento di incontro tra il teatro e il mondo delle professioni, con un aperitivo nel foyer. La serata proseguirà poi alle ore 20 con la prima dell’opera “Il campiello” (foto Marcello Orselli) di Ermanno Wolf-Ferrari, titolo del repertorio italiano del Novecento ispirato alla celebre commedia di Carlo Goldoni.

Lo spettacolo, diretto da Francesco Ommassini con la regia di Federico Bertolani, racconta con ironia e malinconia la vita quotidiana di una comunità veneziana del Settecento, tra amori, rivalità e piccoli conflitti domestici.

Il programma, nato da un'idea dell'editore Massimiliano Monti, è condotto da Roberto Rasia. I personaggi si raccontano sia sotto l'aspetto professionale che umano.

L'intervista è in onda alle 20 e 23 ed è reperibile anche on demand sul sito telenord.it

La mostra – L’evento rappresenta la sesta tappa del ciclo di esposizioni previste nel 2026 in diverse città italiane. A Genova sono esposte 50 opere realizzate da circa 150 studenti provenienti da tre istituti: il Liceo artistico statale Klee-Barabino di Genova, il Liceo scientifico Luigi Lanfranconi e l’Istituto tecnico industriale Omar di Novara. I lavori nascono da percorsi di studio e incontri con ricercatori svolti nei mesi scorsi.

I vincitori – Durante l’inaugurazione sono state premiate le opere giudicate migliori. Il primo posto è andato a “Musica dello spazio-tempo”, realizzata da Emma Viganego, Elena Bedont e Francesca Picardo del liceo Klee-Barabino. Al secondo posto “Il cuore di Schumann” del team dell’Istituto Omar di Novara formato da Anita Vignaroli, Noemi Incorvaia e Alessia Quaglio. Terzo posto per “La nascita di una stella” di Margherita De Astis, Arianna Piccardo e Margherita Soldà, mentre al quarto “Parete di fossili” di Marta Lattanzio e Maria Cristina Brundu.

Il progetto – L’iniziativa è promossa dall’Istituto Nazionale di Fisica Nucleare (INFN) e dal CERN di Ginevra, in collaborazione con università e centri di ricerca italiani. A Genova l’organizzazione è curata dalla sezione INFN insieme all’Università di Genova, al Consiglio Nazionale delle Ricerche e all’Istituto Italiano di Tecnologia.

Il percorso – Il progetto, della durata di due anni, coinvolge studenti delle classi terze, quarte e quinte delle scuole superiori. Attraverso seminari, workshop e visite a laboratori e musei, i partecipanti trasformano concetti scientifici – dalla fisica alla biologia – in opere artistiche.

La finale nazionale – Le quattro opere premiate a Genova accederanno alla mostra finale nazionale, in programma dal 12 al 18 maggio al Real Albergo dei Poveri di Napoli. I trenta vincitori della competizione riceveranno una borsa di studio per partecipare a un master dedicato al rapporto tra arte e scienza nei laboratori dell’INFN o al CERN.

I numeri – L’edizione 2024-2026 del progetto coinvolge circa 5.000 studenti di 146 scuole italiane, con oltre 800 opere realizzate. Dalla prima edizione ad oggi hanno partecipato più di 16.000 studenti in 15 regioni italiane.

La storia – Al centro della pièce c’è un uomo che attraversa un momento di depressione e smarrimento. La sua vita cambia con il ritorno improvviso della figlia, arrivata dalla Nuova Zelanda per stargli vicino. Intorno a lui si muove una galleria di personaggi che emergono dai sogni: figure ambigue, a volte ironiche, a volte inquietanti, che lo accompagnano in un percorso di consapevolezza.

Il cast – Sul palco Nicola Pannelli, attore formatosi alla scuola del Teatro Stabile di Genova. Con lui Lisa Galantini, Elisabetta Mazzullo e lo stesso regista Giampiero Rappa, che interpretano più ruoli trasformandosi in diversi personaggi onirici. Cambi rapidi e scene dinamiche permettono agli attori di passare da un sogno all’altro, creando un continuo gioco tra immaginazione e realtà.

Sogni e realtà – Lo spettacolo gioca volutamente sull’ambiguità tra i due piani. Alcuni passaggi sono segnati da luci e musiche, altri restano volutamente indefiniti per far vivere allo spettatore la stessa sensazione del protagonista al risveglio. «Lo spettatore si ritrova esattamente come quando noi ci svegliamo e ci chiediamo: ma era un sogno?», spiega Rappa.

Ironia e profondità – La narrazione alterna momenti drammatici e passaggi più leggeri. L’ironia diventa uno strumento per affrontare temi come solitudine, fragilità emotiva e difficoltà di comunicazione, anche nel rapporto tra genitori e figli. «I momenti di rilascio permettono poi di dare più forza a quelli drammatici», sottolinea il regista.

Il pubblico – La risposta degli spettatori è stata positiva, con sale piene e un coinvolgimento che attraversa generazioni. «Un bambino di sei anni alla fine dello spettacolo ha detto: non vedo l’ora di andare a sognare. È stato il regalo più bello», racconta Rappa.

Repliche – Lo spettacolo è in scena al Teatro Duse con gli ultimi appuntamenti: questa sera alle 19.30 e domani alle 16.

La ricorrenza ricorda la nascita del Monte di Pietà di Genova, istituito il 10 marzo 1483; da quell’istituzione, attraverso le successive trasformazioni e fusioni nel corso dei secoli, deriva in piena continuità giuridica l’attuale Fondazione Carige: una storia lunga oltre cinque secoli, come racconta il claim dell’ente “Liguri. Dal 1483”.
Per celebrare questo anniversario, Fondazione Carige propone un open day culturale che animerà Palazzo Doria Carcassi per l’intera giornata con un ampio programma.
Il pubblico potrà partecipare a reading di poesie accompagnati da musica dal vivo, letture di testi dedicati a Genova con momenti di danza e uno spettacolo di improvvisazione teatrale, in un percorso artistico diffuso negli spazi storici del palazzo.

Il programma vedrà protagoniste diverse realtà culturali cittadine, dal Teatro Nazionale di Genova, alla Temps Clar APS in collaborazione con La Quinta Praticabile, a Maniman Teatro e ai GAGS (Giovani Artisti Genovesi Scenografi).
La novità di quest’anno sarà il grande concerto serale offerto alla città nella prestigiosa Sala del Minor Consiglio di Palazzo Ducale, che concluderà la giornata di celebrazioni.
Protagonisti dell’evento musicale saranno il pianista Andrea Bacchetti, il contralto Alena Sautier, il basso Giovanni Battista Parodi, insieme all’Orchestra Paganini, per una serata dedicata alla grande musica e ai talenti genovesi.
Tutti gli eventi sono gratuiti e su prenotazione, con programma completo disponibile al
seguente link: https://fondazionecarige.happyticket.it/.

FONDAZIONE CARIGE
Fondazione Carige è una fondazione di origine bancaria, aderente all’Acri. Priva di fini di lucro,
dispone erogazioni per progetti in campo economico e sociale relativi ai territori di Genova e
Imperia. Continua l’attività di carattere sociale e filantropico esercitata, per oltre cinque secoli,
inizialmente dal Monte di Pietà (1483) e poi dalla Cassa di Risparmio di Genova e Imperia
(1846).

«Con questo Piano strategico pluriennale intendiamo dare alla cultura un orizzonte chiaro, ambizioso e condiviso. "La Cultura è Casa Tua" non è solo un titolo, ma una prospettiva da declinare sui territori: a Genova ogni cittadino deve sentirsi parte attiva della vita culturale, e non un semplice spettatore. Abbiamo dunque costruito un percorso pluriennale che mette in rete istituzioni, operatori e realtà creative, valorizzando il nostro straordinario patrimonio e aprendolo al dialogo con l’Europa, con la nostra storia, con le nuove generazioni e con le sfide della sostenibilità – spiega l’assessore alla Cultura - mettendo al centro la relazione attiva e strutturale con i Municipi e con tutto il territorio cittadino. Questo Piano rappresenta un impegno concreto per rendere la cultura uno strumento di partecipazione, crescita civile e sviluppo. Genova ha tutte le energie per essere protagonista, una vera Città della Cultura, e questo progetto traccia la direzione per i prossimi anni individuando priorità, modelli di azione concreta e tematiche condivise con l’obiettivo di rafforzare il ruolo delle istituzioni culturali, costruire innovazione, sostenere le professioni culturali e sviluppare percorsi di cittadinanza e coesione sociale».

Per realizzare una programmazione condivisa e coerente, capace di mettere in relazione musei, biblioteche, archivi, teatri e i principali produttori culturali cittadini, il nuovo Piano Strategico - ferma restando la possibilità di aggiornamenti e revisioni – ha individuato, per ogni anno, un tema caratterizzante della città di Genova:

• 2027 - "Genova e l'Europa: la città come crocevia di culture e innovazioni" (ricorrono i 70 anni del Trattato di Roma)
• 2028 - "I 500 anni della Repubblica di Genova: memoria, identità e futuro"
• 2029 - "Genova e i bambini: la città dei diritti, dell'ascolto e dell'infanzia" (ricorrono i 50 anni dalla Convention on the Rights of the Child – CRC)
• 2030 - "Genova e il futuro sostenibile: culture, territori e responsabilità" (anno di chiusura dell’Agenda 2030 per lo Sviluppo Sostenibile)

Il titolo fa parte del ciclo “Progetto da Salotto”, ideato da Alessandra Frabetti, una serie di spettacoli con allestimenti agili, pensati per essere rappresentati in spazi ridotti come un salotto.

Lo spettacolo è stato finalista al Premio Dante Cappelletti Tuttoteatro.com 2022.

“Sputo” racconta la fiaba oscura e necessaria di una giovane donna che lotta per liberarsi dal peso della violenza subita. È la storia di Nina, una sopravvissuta che cerca di riconquistare il proprio corpo e la propria voce, strumenti che l’orrore ha tentato di soffocare.

Nina affronta un percorso di guarigione feroce e ribelle: un apprendistato all’arte di sputare. Perché sputare? Per rigettare secoli di educazione che hanno insegnato alle donne a ingoiare, a tacere per quieto vivere o per paura.

Lo spettacolo esplora la violenza di genere e le dinamiche oppressive di una società ancora profondamente patriarcale, che ingabbia e zittisce le donne. “Sputo” diventa così un atto di resistenza e disobbedienza: un elogio della ribellione necessaria contro un mondo che, sotto la patina della civiltà, perpetua abusi e silenzi.

Per sopravvivere, Nina deve ritrovare un gesto liberatorio in due tempi: il primo è il grido, la sua voce finalmente libera, la richiesta d’aiuto che l’ha strappata alla solitudine. Il secondo è lo sputo, la capacità di respingere ciò che l’ha schiacciata e di scardinare ingiustizia e oppressione troppo spesso invisibili.

“Sputo” nasce dall’incontro di diverse donne — in carne, carta e pellicola — e si presenta come un anti-monologo: le voci che lo compongono non sempre parlano la stessa lingua e talvolta si scontrano, tutte tradotte sul corpo dell’attrice che le fonde e le mescola in scena.

Una denuncia cruda e poetica, un viaggio necessario verso la liberazione fisica, emotiva e simbolica.

L’opera, su libretto di Mario Ghisalberti dalla commedia omonima di Carlo Goldoni, viene proposta nell’allestimento della Fondazione Arena di Verona, con la regia di Federico Bertolani, le scene di Giulio Magnetto, i costumi di Manuel Pedretti e le luci di Claudio Schmid; assistente alla regia Barbara Pessina. Sul podio dell’Orchestra del Teatro Carlo Felice salirà Francesco Ommassini; il Coro del Teatro Carlo Felice è preparato da Patrizia Priarone. Ampio il cast degli interpreti vocali con Bianca Tognocchi (Gasparina), Leonardo Cortellazzi (Dona Cate Panciana), Gilda Fiume (Luçieta), Saverio Fiore (Dona Pasqua Polegana), Benedetta Torre (Gnese), Paola Gardina (Orsola), Matteo Mezzaro (Zorzeto), Gabriele Sagona (Anzoleto), Biagio Pizzuti (Il Cavaliere Astolfi), Marco Camastra (Fabrizio Dei Ritorti).

Sarà invece in scena martedì 17 marzo alle ore 11 Il campiello: a day in the Goldoni’s world! il nuovo spettacolo di “Opera Faro”, sezione del nuovo progetto Education “Un mare di musica… felice!” che presenta agli studenti delle scuole primarie e secondarie di primo grado una versione pensata per loro di un’opera in cartellone. Sul medesimo impianto scenico, con la regia di Federico Bertolani e gli interpreti del cast, gli oltre mille studenti previsti – già preparati a scuola dai docenti e dal team Education coordinato da Elisa Moretto – saranno coinvolti anche con azioni performative e un coro per seguire meglio lo svolgimento della drammaturgia (info e prenotazioni educatuon@carlofelice.it).

«Portare Il campiello al Teatro Carlo Felice – dichiara il sovrintendente Michele Galli – significa accogliere nel nostro cartellone un titolo poco eseguito che ci fa scoprire una Venezia musicale non da cartolina, uno scorcio di comunità settecentesca fatta di relazioni e anche di conflitti che hanno origine nel teatro immortale di Goldoni. In una città come Genova, che con Venezia condivide una storia marinara e una forte identità urbana, questo titolo assume un significato particolare: racconta una collettività che si riconosce nel proprio spazio, come accade intorno al nostro Teatro. Wolf-Ferrari restituisce con misura e raffinatezza il respiro corale di Goldoni e lo fa con una scrittura che unisce chiarezza e profondità. È un’opera rara che merita di essere riscoperta e che si inserisce nel percorso della nostra Stagione, attenta tanto ai grandi capolavori del repertorio quanto ai titoli meno frequentati».

Composta nel 1936 e rappresentata per la prima volta al Teatro alla Scala di Milano, Il campiello appartiene al cosiddetto “ciclo goldoniano” di Wolf-Ferrari, compositore veneziano nato nel 1876 da padre tedesco e madre italiana. La sua formazione – divisa tra Venezia e Monaco di Baviera – ne segna profondamente lo stile, in equilibrio tra chiarezza formale e raffinatezza armonica, tra nostalgia settecentesca e sensibilità novecentesca. Goldoni fu per Wolf-Ferrari un riferimento costante, quasi un legame identitario. Non si tratta di un semplice recupero filologico: Il campiello è una reinvenzione musicale di quel microcosmo popolare che anima la commedia goldoniana, depurata dagli aspetti più marcatamente sociali e concentrata su un affresco corale di vita quotidiana.

La vicenda si svolge nel Settecento, in una piccola piazza veneziana – un campiello appunto –, tra gelosie, corteggiamenti, schermaglie e piccoli conflitti domestici. Al centro, la giovane Gasparina, desiderosa di emanciparsi dal ristretto orizzonte del campiello, e il Cavaliere Astolfi, forestiero affascinante e un po’ avventato. Attorno a loro si muove una comunità intera: madri vedove, fidanzati gelosi, venditori ambulanti, pettegolezzi e improvvise riconciliazioni. È un teatro d’insieme dove protagonista è il gruppo.

Dal punto di vista musicale, Wolf-Ferrari recupera il modello dell’opera buffa settecentesca – grandi finali d’atto, intrecci serrati, alternanza di sezioni contrastanti – ma lo rilegge con una scrittura orchestrale attentissima al colore. Il breve preludio introduce una “tinta” malinconica con una melodia sospesa che tornerà ciclicamente fino all’“addio a Venezia” conclusivo. Questo motivo, che non appartiene a un singolo personaggio ma all’insieme, diventa simbolo della città stessa, presenza evocata con nostalgia e discrezione. La scrittura vocale privilegia un declamato fluido, modellato sulle inflessioni della parola, in cui il dialetto convive con l’italiano secondo la distinzione sociale propria della commedia goldoniana. L’orchestra struttura l’azione, sottolinea ingressi e uscite, caratterizza i personaggi attraverso motivi ricorrenti e contrasti timbrici. Ne emerge un’opera in cui la vitalità scenica si intreccia a un sottile velo di malinconia: sotto la leggerezza dei dialoghi affiora una consapevolezza del tempo che passa, del distacco, della memoria. Il momento conclusivo, in cui Gasparina saluta Venezia prima di partire, assume un valore emblematico: il campiello diventa metafora di un’origine da cui ci si allontana per crescere, ma che resta come “fondamenta” della memoria.

Nel contesto della Stagione 2025-2026, dedicata ai “Naviganti”, Il campiello offre una declinazione particolare del tema: non la traversata epica o metafisica ma la dimensione quotidiana di chi vive in una comunità affacciata sull’acqua, in una città che è da sempre crocevia di partenze e ritorni.

L’allestimento della Fondazione Arena di Verona, che lo ha messo in scena al Teatro Filarmonico nel 2024, restituisce l’atmosfera settecentesca, evitando ogni eccesso oleografico. La regia di Federico Bertolani lavora sui rapporti tra i personaggi, mettendo in evidenza la dimensione comunitaria del racconto. Le scene di Giulio Magnetto delineano uno spazio unitario, luogo di incontro e di conflitto; i costumi di Manuel Pedretti evocano con eleganza la Venezia dell’epoca; le luci di Claudio Schmid accompagnano le diverse ore del giorno, dal chiarore mattutino fino alla festa serale.

Anche per Il campiello il Teatro Carlo Felice propone un percorso di divulgazione articolato con i consueti due incontri di presentazione al Teatro Auditorium Eugenio Montale: giovedì 5 marzo, alle ore 18, Venezia tra ironia e vita quotidiana appuntamento con gli studenti del Liceo Musicale “Sandro Pertini” che – in collaborazione con l’Associazione Carlo Felice Young – presentano l’opera ai loro coetanei e a tutti coloro che vogliono partecipare; sabato 7 marzo, alle ore 16 – in collaborazione con gli Amici del Teatro Carlo Felice e del Conservatorio “Niccolò Paganini” – conversazione con Massimo Arduino intitolata Il campiello. Le allegre comari di Venezia. Poi non mancano le introduzioni all’ascolto di circa 30 minuti che gli spettatori delle singole recite potranno seguire in Sala Paganini, da 45 minuti prima dell’inizio, a cura degli allievi del Conservatorio “Niccolò Paganini” con il coordinamento di Federico Pupo direttore artistico del Carlo Felice.

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venerdì 13 marzo 2026, ore 20 Turno A

domenica 15 marzo 2026, ore 15 Turno C

mercoledì 18 marzo 2026, ore 20 Turno B

Il campiello

Commedia lirica in tre atti

Musica di Ermanno Wolf-Ferrari

Libretto di Mario Ghisalberti dalla commedia omonima di Carlo Goldoni

Prima rappresentazione Milano, Teatro alla Scala, 11 febbraio 1936

Direttore Francesco Ommassini

Regia Federico Bertolani

Scene Giulio Magnetto

Costumi Manuel Pedretti

Luci Claudio Schmid

Assistente alla regia Barbara Pessina

Gasparina Bianca Tognocchi

Dona Cate Panciana Leonardo Cortellazzi

Luçieta Gilda Fiume

Dona Pasqua Polegana Saverio Fiore

Gnese Benedetta Torre

Orsola Paola Gardina

Zorzeto Matteo Mezzaro

Anzoleto Gabriele Sagona

Il Cavaliere Astolfi Biagio Pizzuti

Fabrizio dei Ritorti Marco Camastra

Orchestra e Coro del Teatro Carlo Felice di Genova

Maestra del Coro Patrizia Priarone

Allestimento della Fondazione Arena di Verona

Costo dei biglietti

Biglietti da 15 a 100 euro / riduzioni Under18 – Over60 e disabili

Per le attività del 22 gennaio > (Biglietti per persone con +75% di disabilità e relativi accompagnatori): Palchi e fila 32: € 30 - Secondo settore: € 37,50

Biglietterie

Teatro Carlo Felice Galleria Cardinal Siri 6 – 16121 Genova

Apertura da lunedì al sabato dalle ore 9.30 alle ore 19.00.

Per gli spettacoli serali o i concerti la domenica mattina l’apertura è un’ora prima dell’inizio e la chiusura 15 minuti

dopo l’inizio. Per gli spettacoli pomeridiani o serali di domenica l’apertura è due ore prima dell’inizio e la chiusura

15 minuti dopo l’inizio.

Teatro Della Gioventù Via Cesarea 16 – 16121 Genova

Consultare il sito per i periodi e gli orari di apertura

Biglietteria on-line vivaticket.com (biglietto@printhome)

Informazioni Teatro Carlo Felice

Telefono +39 010 5381.433 oppure +39 010 5381.399 e-mail: biglietteria@carlofelice.it

Fondazione Teatro Carlo Felice Ufficio stampa

Floriana Tessitore +39 3387339981

tessitore@carlofelice.it

Il format è semplice quanto potente: un tema, un maestro, un gruppo ristretto di giovani pronti a mettersi in gioco. Questa edizione ha scelto la musica come filo conduttore, esplorandola nelle sue molteplici sfaccettature e nel suo legame con la quotidianità, l’etica, il diritto, la memoria e l’identità personale.

“Pensare rende liberi, non pensare rende schiavi”: è questo il principio che ha guidato i lavori. La riflessione come responsabilità, come atto necessario per orientare le proprie azioni e le proprie scelte. Anche quando si parla di musica, infatti, il discorso si allarga alla vita, alla coscienza, alla società.

Dalle voci degli studenti è emerso un mosaico ricchissimo di significati. Per alcuni la musica è espressione pura, creatività e soprattutto amore verso la vita e ciò che ci circonda. Per altri è stata un’occasione di legami umani profondi, un pretesto per costruire relazioni e sviluppare riflessioni “speciali”. C’è chi l’ha analizzata da un punto di vista giuridico, interrogandosi sul rapporto virtuoso tra musica e diritto, e chi l’ha definita provocatoriamente uno “scarto” dell’attività artistica, parte integrante della nostra vitalità.

La musica è stata raccontata come anima, sentimento e ricordo; come esigenza interiore di dare forma ai propri pensieri; come dialogo, gioco e condivisione; come comunicazione capace di farci comprendere il nostro tempo e quelli che lo hanno preceduto. È stata definita un bisogno antropologico, una necessità dell’essere umano, ma anche una responsabilità: verso l’artista che si esprime e verso noi stessi, chiamati a interpretare ciò che ascoltiamo.

Per Petruzzelli, l’arte, e dunque anche la musica, è un modo per guardarsi dentro, capire chi siamo e chi sono le persone che camminano accanto a noi. È uno strumento utile per andare avanti con maggiore consapevolezza e sicurezza.

Il filo conduttore della mostra è il viaggio, inteso come percorso fisico, interiore e creativo. Ognuno dei tre autori ha scelto di percorrere a piedi lunghi tratti d’Italia, guidato da motivazioni e finalità personali, dando vita a tre narrazioni visive uniche.

Con Spiriti Liberi, Paolo Bona ha attraversato gli Appennini tra il 2016 e il 2019, in un cammino scandito da incontri e dialoghi con gli sconosciuti lungo il percorso. Il progetto è un viaggio alla scoperta di spiritualità e memoria storica, un’occasione per riflettere sull’amore per ciò che siamo e per il mondo che ci circonda.

Il cammino di Marcello Moscara, iniziato nel 2021 dopo la pandemia, è invece un viaggio collettivo. Asini dotti, progetto promosso da Regione Puglia e Teatro Pubblico Pugliese, ha visto il fotografo accompagnare due musicisti, due registi, un asino e il suo giovane conduttore da Torre Guaceto fino a Santa Maria di Leuca lungo la Via Francigena e la direttrice della Via Traiana, intrecciando paesaggio, comunità e narrazione corale.

Calogero Russo, con Un viaggio interiore. Il cammino Sigerico. La Via Francigena, ha scelto un percorso solitario da Aosta a Roma tra il 2024 e il 2025. Nato da un periodo di dolore personale, il progetto è un atto di cura interiore e di guarigione laica dell’anima, un dialogo silenzioso con il paesaggio italiano e la propria memoria emotiva.

Tre viaggi, tre sensibilità, tre visioni: incontri, lunghe percorrenze e uno sguardo attento sul paesaggio contemporaneo italiano diventano il cuore di Iter Animae.

La mostra sarà aperta al pubblico dal 6 marzo al 4 aprile 2026, nei giorni giovedì e venerdì dalle 16 alle 20, e sabato e domenica dalle 14 alle 20. L’ingresso è libero e gratuito.

Gli autori

Paolo Bona (Giussano, 1970) è fotografo freelance con esperienza in cronaca e reportage. Ha collaborato con L’Esagono, Il Giorno, agenzie fotografiche come Omega Fotocronache, Marka, Thomson Reuters e LUZ photo. Dal 2012 realizza progetti fotografici a lungo termine sulla spiritualità.

Calogero Russo (Palermo, 1971), fotogiornalista e freelance, ha lavorato con l’agenzia Luz photo dal 2010 al 2018. Laureato in Scienze Politiche, ha studiato fotografia documentaria a Milano. I suoi progetti a lungo termine hanno esplorato l’Europa dell’Est post-URSS, con due monografie pubblicate: Ostalgie (2014) e Arca Russa (2019).

Marcello Moscara (Galatina, LE, 1972) fotografo e artista, allievo di Mario Cresci e Giancarlo Maiocchi, vive nel Salento. È autore di numerose mostre personali e dal 2021 è art director e fotografo ufficiale del Locomotive Jazz Festival e della rivista Digeat.